Working across various art forms such as dance, drawing, painting, installation, and writing, Ralph Lemon, based in New York, has redefined the boundaries of art through his innovative practice that challenges the norms of different disciplines and explores his body’s connection to each. Influenced by theater, Lemon discovered dance through iconic figures like Merce Cunningham, Trisha Brown, and Meredith Monk. Inspired by Monk’s Quarry: an opera in three movements (1976), Lemon was captivated by the „totality of her idea of performance“ and followed her closely in 1978, eventually joining her company in New York.
Born in 1952, Lemon gained recognition in the downtown scene of the ’80s as the founder of the Ralph Lemon Dance Company, known for works like Joy (1990) set to music by John Cale. He disbanded the company in 1995 and spent the next decade creating the Geography Trilogy (1996–2004), exploring the dance traditions of Africa, Asia, and the American South. Collaborating closely with Walter Carter, a former Mississippi sharecropper, Lemon developed the third part of the trilogy, Come home Charley Patton, until Carter’s passing in 2002.
Lemon’s works were featured in the 2022 Whitney Biennial, showcasing his drawings and video among other artists. His works are also part of „Edges of Ailey,“ a show celebrating dance icon Alvin Ailey at the Whitney and „Ceremonies Out of the Air,“ a survey at MoMA PS1. In an interview, Lemon discusses his profound engagement with dance, the challenges of presenting intimate work in institutional settings, and the personal and public dimensions of art. Fragen, die aufgekommen sind, sind: Wer ist das Publikum? Wie sieht das Publikum, was wir tun?
Die Ausstellung umfasst Rant redux, basierend auf Ihrer Zusammenarbeit mit Kevin Beasley. Wie hat das begonnen?
Kevin war ein Student an der Yale, und ich habe ihn besucht. Er hatte zwei Plattenspieler in der Ecke, und er spielte ein Stück, das tote Rapper sampelte [I Want My Spot Back, 2011–12], das das Erschütterndste war, was ich je gehört hatte. Ich habe Kevin eingeladen, es für eine Serie von Tänzen im MoMA zu spielen, die ich kuratiert habe, und unsere Zusammenarbeit hat sich seitdem entwickelt. Rant redux ist eine Vier-Kanal-Installation mit Material, das aus Rant #3 aufgenommen wurde, einer Performance, die wir in der Kitchen gemacht haben [im Februar 2020]. Es fühlte sich wie eine Gelegenheit an zu sehen, wie sich diese Arbeit über das hinaus entwickeln könnte, was sie als Live-Performance war.
Betrachten Sie Ihre Arbeit im Hinblick auf die institutionelle Kritik?
So privat und intim ich die Arbeit auch haben möchte, ohne institutionelle Spannung wird sie nicht existieren. Institutionelle Unterstützung wird zum generativen Material. Es ist etwas, worüber ich streiten, überschreiten, ablehnen, versuchen gesehen und ungesehen zu werden kann, und ich finde diese taktischen Mittel nützlich. Als Künstler muss ich mit institutionellen Strukturen sprechen. Sie halten die Arbeit. Sie rahmen die Arbeit. Ich könnte nein sagen. Aber indem ich ja sage, besteht die Möglichkeit, dass etwas anderes passiert, dass die Arbeit eine andere Beziehung zu einer Institution und innerhalb meiner eigenen Praxis hat.
Ihr Beitrag zur Whitney Biennale 2022 war für Sie ungewöhnlich, da er hauptsächlich auf Zeichnungen fokussiert war. Haben Sie es auch als eine Art Performance betrachtet?