While still a high school student in Metuchen, New Jersey, Suchitra Mattai was perplexed by the Eurocentric focus of her World History class. Growing up in Guyana and Canada, she noticed similar gaps in the history curriculum that predominantly highlighted European and American history. Inspired by her family’s stories of India, where her great-grandparents were from, Mattai was determined to fill in these educational voids.
Now 51, Mattai uses her art to explore themes of gender, labor, migration, and colonialism. Her unique techniques involve incorporating vintage saris, fabric, embroidery floss, needlepoints, beads, videos, and found objects into large-scale tapestries. Her work has been praised for blending traditional techniques with modern materials, creating a new narrative in the art world.
Through her art, Mattai aims to tell stories through oral and material history, believing that objects like saris carry the stories and memories of the people who wore them. Her installations, like „Siren Song,“ reflect the journeys of her ancestors who migrated from India to Guyana as indentured laborers in the 19th century.
Mattai’s recent exhibition at the National Museum of Women in the Arts showcases her textile installations and mixed-media works alongside pieces from South Asian and European artists from the 18th to 20th centuries. By juxtaposing different artworks, she aims to create new connections and narratives that challenge traditional understandings of history and art.
Born in Guyana in 1973, Mattai’s journey to becoming an artist was not straightforward. She initially studied statistics at Rutgers University to fulfill her family’s expectations before eventually pursuing her passion for art. Despite facing challenges as a person of color in the art world, Mattai persevered, obtaining a PhD in South Asian studies before realizing her true calling as a practicing artist. Dennoch hat sie die Anforderungen erfüllt, um einen MA-Abschluss zu erhalten. Das markierte den Beginn ihrer Karriere als Künstlerin, hauptsächlich als Malerin. Ihre ersten Versuche, Stickerei in ihre Arbeit zu integrieren, wurden nicht gut aufgenommen. Das führte zu dem, was sie als „eine lange Art von Pause“ in ihrer Praxis bezeichnete – und später vor acht Jahren zu einer „Wiedergeburt“. Letzteres resultierte aus der Entscheidung, sich von westlichen Traditionen zu verabschieden und ihrem „Bauchgefühl zu folgen, wie es meine Familie tun würde“. Die Künstlerin begann, Nähen, Weben, Sticken und andere Textiltechniken zu verwenden, die sie von ihren Großmüttern gelernt hatte. Zu der Zeit lebte sie in Denver. In dieser Stadt in Colorado, außerhalb der Kunstzentren von New York und Los Angeles, hatte sie laut eigener Aussage einen Vorteil, weil sie die Freiheit hatte, zu erkunden und zu experimentieren, ohne dem Druck zu unterliegen, sich dem anzupassen, was gerade angesagt war.
Während dieser Zeit begann Mattai, Stücke zu sticken und zu häkeln, die darauf abzielten, die Widerstandsfähigkeit von Frauen und die Rollen, die sie im häuslichen Bereich spielen, zu feiern, die oft übersehen werden. Sie dachte an ihre analphabetische Großmutter, die auf Reisfeldern arbeitete und mit 14 verheiratet war, und beschloss, Geschichten über ihre angestammte Heimat unter Verwendung von gefundenen Objekten und Saris zu erzählen, die zuvor von Frauen in Indien und seiner Diaspora getragen wurden.
Im Jahr 2018 nahm Mattai an der Sharjah Biennale in den Vereinigten Arabischen Emiraten teil, die sie beauftragte, ihre bisher größte Installation zu schaffen. Das Werk umfasste großformatige Sari-Tapisserien, ein Video von Grenzwänden und ein drehendes Vintage-Karussell.
Sie hat weiterhin in großem Maßstab gearbeitet und Werke wie „Sie erhob sich (aus einem Pool von Tränen)“ aus dem Jahr 2024 produziert, das in ihrer Ausstellung in D.C. zu sehen ist. Die Skulptur ist von Familienmitgliedern inspiriert, die tanzten, darunter zwei ihrer Schwestern. (Mattai sagte, dass sie auch klassischen Tanz studiert habe, aber „einfach schrecklich“ darin gewesen sei.) Unter Verwendung von geflochtenen Saris hat die Künstlerin eine lebensgroße Tänzerin skulptiert, die auf Bharatanatyam, einer klassischen indischen Tanzform, basiert. Die Tänzerin befindet sich „zwischen Posen, bewegt sich von einer in Tradition verwurzelten Pose zu einer eigenen Kreation“, sagte Mattai. „Es ist tatsächlich eine neue Richtung für mich in Bezug auf figurative Skulptur, die ich zuvor nicht gemacht habe.“
In der Ausstellung ist auch die ortsspezifische Arbeit „Yakshi Trance II, 2024“ enthalten, die Gips- und Salzabgüsse von antiken indischen Yakshis oder Figuren, die mit Fruchtbarkeit und Wohlstand in Verbindung gebracht werden, zeigt. Mattai hat ihre Yakshis um die Säulen in den Galerien des Museums gewickelt.
Diese Werke stehen neben Objekten wie dem Buch „The Grammar of Ornament“ aus dem Jahr 1856 des britischen Architekten und Designers Owen Jones. Das Buch enthält Sprache über die nicht-westliche Welt, darunter die Klassifizierung einiger Ornamente aus Afrika als „angehörig zu ‚primitiven‘ Stämmen“, die die Künstlerin als „nicht sehr überraschend, aber sehr beunruhigend“ bezeichnete. Hier verwendet Mattai Seiten aus dem Buch als Collagematerial in Stücken wie „Safe Space, 2021“, „The Garden, 2022“ und „A Woman We Never Knew But Loved All the Same, 2024“, um unterschiedliche Erzählungen und Geschichten zu teilen. „Das Dekonstruieren und Neugestalten der Seiten ist ein postkolonialer Akt“, erklärte sie.
Die Künstlerin „neuvisoniert, wie wir die Welt sehen [und] welche Geschichten erzählt werden“, sagte Shambroom, der Mattais „Myth from Matter“ im National Museum of Women in the Arts kuratierte, und fügte hinzu, dass die Künstlerin „diese neuen Geschichten, neuen Geschichten und diese alternative Sichtweise schafft.“
Mattai sagte: „Es ist der Hauptaspekt meiner Arbeit, diese Geschichten zu teilen und die verschiedenen Möglichkeiten zu erkunden, dies zu tun.“