Ich saß neben Sophies Calles Frau, Laurie Anderson, und wir sahen zu, wie Calles Mutter starb.
Es war so unglaublich intim, dass es sich falsch anfühlte, dort zu sein. Aber es war ein Kunstwerk, das wir betrachteten, also nahm ich an, dass das Betrachten der Sinn war. Außerdem konnten wir nicht viel sehen. Im Video siehst du, wie ihre Mutter stirbt – aber du kannst den Tod nicht sehen.
Calles Absicht war es nicht, das Filmmaterial als Kunst zu betrachten, zumindest nicht anfangs. Sie hatte einfach eine Kamera am Bett ihrer Mutter gelassen während ihrer letzten Tage, wissend, dass sie noch drei Monate zu leben hatte. Calle war so oft wie möglich bei ihrer Mutter, aber gelegentlich musste sie Besorgungen machen und fürchtete, dass ihre Mutter nur dann ihren letzten Atemzug machen würde, wenn sie das Zimmer verließ. Mit der Kamera konnten die beiden immer verbunden sein, auch wenn sie getrennt waren.
Das Video „Impossible to Catch Death“ (2007) ist in Calles Retrospektive „Overshare“ im Walker Art Center in Minneapolis bis zum 26. Januar zu sehen. Es zeigt einen friedlichen Abschied, ein bewegendes Bild, das sich kaum bewegt. Calles Mutter ist ruhig, dann ist sie noch ruhiger.
Bei einer Rede zur Eröffnung äußerte sich die französische Künstlerin überrascht über die Inhaltswarnungen, die diese amerikanische Institution bestimmten Werken beigefügt hatte, und lachte über die Hinweise auf das Vorhandensein von Sex und Gewalt. Diese Themen sind oft Gegenstand von Calles Arbeiten, obwohl sie sie indirekt darstellt. Ihre Fotos, gepaart mit Text, sind bekanntermaßen trocken, klinisch und sachlich, aber sie triefen dennoch vor Pathos. Während der Eröffnung schrieb sie scherzhaft an die Wand: „Bitte machen Sie kein Foto vom Tod meiner Mutter. – S.C.“
Dies ist eine seltene Bitte um Privatsphäre von einer Künstlerin, die berüchtigt invasiv und bekennerisch ist. Ein Abschnitt mit dem Titel „The Spy“ eröffnet die Ausstellung mit Calles voyeuristischen Frühwerken. Für ihr erstes Projekt „The Sleepers“ (1979) bat sie Freunde und Fremde, in ihrem Bett zu schlafen, während sie zuschaute und stündlich Fotos machte. Die Ergebnisse sind in einem Raster von gerahmten Fotos und nüchternen Erinnerungen angeordnet, ebenso wie die Ergebnisse von „Suite Venetienne“ (1980), für die sie einem Mann nach Venedig folgte und ihn über ein paar Wochen aus der Ferne fotografierte.
Wie der Film von ihrer sterbenden Mutter waren auch diese frühen Experimente nicht unbedingt als Kunstwerke gedacht. Tatsächlich hat Calle nie Kunst studiert, sondern Soziologie. Sie benutzte ihre Kamera einfach, um das Verhalten anderer zu verstehen. Einer ihrer „Schläfer“ war angeblich ein Galerist, der beschloss, Calles Arbeit als „Kunst“ zu zeigen – und sie ist seitdem Künstlerin geblieben, auch wenn sie weiterhin nach dem kühlen, distanzierten Verhalten eines Sozialwissenschaftlers strebt und es gleichzeitig parodiert.
„Overshare“ – das selbst von Calle-Fans (schuldig) nicht verpasst werden sollte, die glauben, sie könnten ihre Arbeit bereits durch ihre zahlreichen Fotobücher kennen – zeigt Calle auf dem Weg von einer Soziologin-Fotografin zu einer Künstlerin, die zunehmend über Ausstellung und die Kamera auf sich selbst reflektiert. Es war ihr berüchtigtes Werk „The Address Book“ (1983), das die Wende nach innen einleitete – teilweise in der Ausstellung ausgelassen, weil Calle laut Katalog befürchtet, dass sie „zu weit gegangen“ sei, als sie ein Adressbuch auf der Straße fand, jeden darin Anrufte und sie nach dem Mann befragte, der es verloren hatte, und dann ein Porträt von ihm konstruierte, das sie in einer französischen Zeitung veröffentlichte. Von da an beschloss Calle, nicht nur nicht zustimmende Fremde, sondern auch willige Teilnehmer sowie sich selbst zu entblößen.
Der nächste Abschnitt, „The Protagonist“, beginnt mit „Spy“-Arbeiten rückwärts. Für „The Shadow“ (1981) engagierte Calles Mutter einen Privatdetektiv, der die Künstlerin verfolgen sollte. Calle zeigt die resultierenden Stalker-Fotos sowie die Beschreibungen des Tages aus ihrer und seiner Sicht. Von da an begann sie, verschiedene Männer in ihre Spiele einzubeziehen. Ein Fremder schrieb ihr, um zu fragen, ob er sich in ihrem Bett von seiner Trennung erholen dürfe und die Teilnehmer der „The Sleepers“ beneidete. Also schickte Calle ihm ihre Matratze, zeigte Bilder der Versender neben dem gebündelten Bett, das er freundlicherweise zurückgab, nachdem er sich beruhigt hatte.
In „No Sex Last Night“ (1996), einem Spielfilm und einem Highlight der Ausstellung, sehen wir Calle und den Filmemacher Greg Strand auf einer Reise. Die beiden Liebenden brachten jeweils eine Videokamera mit, um ihre Reise – und ihre Beziehung – aus ihrer eigenen Perspektive aufzunehmen. Jede Nacht gestanden sie alleine ihren Gefühlen vor der Kamera. Manchmal machen sie sich beide Sorgen über genau dieselben Dinge, sind aber zu nervös, um sie anzusprechen. Das Format deutet auf Reality-TV hin – ein Genre, das damals noch in den Kinderschuhen steckte.
Dieses Experiment war doppelt blind: Sie zeigten sich die Aufnahmen erst, als sie zusammen geschnitten wurden. In einer Szene streiten sie mit Kameras vor ihren Gesichtern, die Hin- und Herschneiden. Calle äußert verwundbar, aber ruhig, ihren Verdacht, dass er heimlich zu einer Telefonzelle gegangen sei, um eine andere Frau anzurufen. Er bestätigt es und erinnert sich in einem Voiceover-Geständnis daran, auf ihre Reaktion zu reagieren. Beide sind von Angst geplagt, dass der andere sie verlassen wird, oder dass sie alles durcheinander bringen werden. Das ist am Ende genau das, was sie tun – obwohl sie nach einer Las Vegas-Hochzeit durch einen Drive-through kurzzeitig glücklich sind, weil sie sich dadurch sicherer fühlen. „No Sex Last Night“ ist ein Stück darüber, wie die Geschichten, die wir uns erzählen, oft genauso sehr die „Realität“ formen wie von ihr geformt werden – der Kern von Calles Arbeit.
Nach Romantik und Scheidung kommt der Tod, und der vorletzte Abschnitt „The End“ konzentriert sich auf den Verlust von Calles Mutter und Vater sowie auf ihre eigene bevorstehende Morbidität. In „Who r u“ (2017) zeigt ein iPhone-Screenshot eine Textnachricht, in der gefragt wird „who r u“. Calle hatte versehentlich die Telefonnummer ihres verstorbenen Vaters gewählt, und ein Fremder hatte geantwortet.
Nach „The End“ kommt „The Beginning“. Bei „On the Hunt“ (2023) handelt es sich um eine raumgroße Installation von Kleinanzeigen, die von 1890 bis 2019 in Jagdzeitschriften und Dating-Apps veröffentlicht wurden und von Calle zusammengestellt wurden. Sie ordnete die Texte chronologisch und in Raster an. Das Lesen ist eine emotionale Achterbahnfahrt: Anonyme Menschen drücken offen ihre grundlegenden menschlichen Wünsche nach finanzieller Sicherheit, Sex, emotionaler Verbindung oder einer Kombination davon aus. Die Texte sind mit Bildern von Wachtürmen und Hirschen gepaart und wurden erstmals im Musée de la Chasse et de la Nature in Paris vorgestellt – einem passenden Ort für Calle, die schon immer den Nervenkitzel der Jagd geliebt hat.
Gegen Ende der Ausstellung befinden sich zwei verschlossene Safes, die einem Sammlerpaar Carla Emil und Rich Silverstein gehören, und in jedem befindet sich ein Geheimnis, das ein Ehepartner vor dem anderen versteckt hat. Sie haben einen Vertrag unterzeichnet, als sie das Werk erwarben, und nur Calle kennt die Kombinationen. Es ist eine Anerkennung dafür, dass die Jagd – aufregend und beängstigend – nie endet. Wie Calles Liebhaber in ihrem Roadtrip-Dokumentarfilm spekuliert: „Es ist gut, Ziele zu haben, bis man sie erreicht. Und dann?“