Patti Smith – Pissing in a River (1976)
Selected by Phoebe Lunny, vocalist/guitarist of Brighton duo Lambrini Girls
This piece is incredibly beautiful and heartfelt, with the uncompromising lyricism that is characteristic of Patti Smith. The phrase „pissing in a river“ perfectly captures the idea of pouring yourself into something with reckless abandon, even if it remains unmoved – it may come back to sting you, but you do it anyway. Using such raw imagery as „piss“ to depict the fundamental human need for desire is bold, illustrating how vulnerable and self-loathing it can feel. The line „What more can I give to make this thing grow?“ suggests that the more you try to hold on, the more it slips away.
Phoebe Lunny.
Smith’s passionate delivery exudes heartache and anger, juxtaposed with the genius of the music. It’s a beautiful, love-torn ballad with a punk edge that reflects raw emotion. She fearlessly expressed her feelings in a time when others weren’t, especially women who were not encouraged to do so.
Harry Pussy – I Don’t Care About Sleep Anymore (1993)
Chosen by Ben Beaumont-Thomas, music editor at The Guardian
The essence of punk, with its rejection of boundaries, is epitomized by Harry Pussy, the duo of guitarist Bill Orcutt and drummer Adris Hoyos. Their masterpiece „I Don’t Care About Sleep Anymore“ from their 1993 debut album is a raw, unpolished blend of guitar and cymbals, exploring a realm of melodic possibilities. The song’s climax occurs as they settle into a funky, rhythmic phrase, suggesting that total freedom may require some level of cohesion and organization.
Original punks, in their defiant rejection of normalcy, embody the spirit of punk by constantly moving and evolving. Harry Pussy serves as a reminder to keep moving forward and to consider the direction in which you are heading.
Iggy and the Stooges – Gimme Danger (1973)
Chosen by Pauline Murray, lead singer of first-wave UK punk band Penetration
Iggy and the Stooges are the epitome of punk prototypes, embodying the wildness and fearlessness that would define the punk movement. „Gimme Danger“ showcases a mix of tenderness and sensitivity amidst the raw energy of punk. Punk was not just about noise and aggression; it was a platform for self-expression and individuality.
Bad Brains – I (1982)
Chosen by Dave Baksh, guitarist in Canadian pop-punk band Sum 41
Bad Brains challenged conventions on multiple levels, both musically and racially, defying stereotypical expectations of a punk band. „I“ encapsulates their ethos of being unapologetically true to oneself and encourages others to do the same.
Jeff Mills – Phase 4 (1992)
Chosen by Lauren Martin, music writer
Jeff Mills‘ „Phase 4“ bridges the gap between Black kids in Detroit and young Germans post-Berlin Wall, embodying a punkish spirit with its fierce tempo and raw elements. The track’s fusion of different influences creates a powerful groove, reflecting the artist’s roots in Detroit techno and his innovative approach to music.
Performing live in all black attire and balaclavas, the group drew inspiration from Afrofuturism and hip-hop to promote Black power and anti-capitalism. Their bold and direct rhetoric, such as the message in their song „F*ck The Majors,“ challenged societal norms and called for revolutionary change through sonic means. This ethos culminated in Phase 4, which resonated with a generation seeking something innovative and authentic.
Bikini Kill’s „Double Dare Ya“ was a pivotal track for many, including singer Kat Moss, who found empowerment in Kathleen Hanna’s unapologetic lyrics. The song encouraged listeners to break free from societal expectations and embrace their true selves, especially women. Similarly, Plasmatics‘ Wendy O Williams embodied power and defiance with her unconventional stage presence, challenging traditional notions of femininity and sexuality. The song „Sometimes I“ delved into themes of identity and persona, leaving a lasting impact on those who witnessed their live performances.
The Slits‘ „So Tough“ captured the raw energy and unique sound of the band before they refined their style, showcasing a punk ethos of breaking boundaries and defying norms. Kim Gordon’s „Air BnB“ critiques the convenience-driven culture of companies like Airbnb, highlighting the dark side of idealized spaces and the impact on communities. This subversion of consumerist ideals harkens back to the rebellious spirit of artists like Poly Styrene of X-Ray Spex, who challenged societal norms with their music. Was Gordon’s Lied so bemerkenswert macht, ist nicht nur ihr Augenzwinkern zur neuesten Inkarnation der kapitalistischen Hölle – Art von Punk’s raison d’être -, sondern auch die Tatsache, dass sie es im Alter von 66 Jahren veröffentlichte, in der ersten Welle einer Solokarriere, die fast 40 Jahre nach dem Debüt ihrer Band Sonic Youth begann, nach dem Zusammenbruch ihrer Ehe. Sie verwendete einen erfrischenden neuen Sound, der ihre Erfahrung im Lärm und zeitgenössischen Trap miteinander verband, und ein zweites Soloalbum erwies sich als ebenso scharf, wütend und lustig. Gordon bleibt eine aufregend abrasive Gegenmaßnahme gegen eine Kultur, die immer mehr darauf ausgelegt ist, leicht zu konsumieren.
Thee Headcoats – I’m Hurting (1996)
Laurie Vincent.
Von Laurie Vincent, Gitarrist/Bassist/Vokalist des britischen Punk-Metal-Duos Soft Play ausgewählt
Für mich ist Punk nicht nur ein Sound. Es ist eine Ethik und eine Ideologie. Als Isaac (Holman, Stimme und Schlagzeug von Soft Play) und ich in Kent aufwuchsen, war Isaacs Vater ein großer Garagen-Punk-Fan und führte uns in Billy Childish und seine Bands, Thee Headcoats und die Buff Medways, ein. Die Medway-Garagen-Szene war dort sehr groß, also war es eine große Inspiration, jemanden aus einer ähnlichen Umgebung zu sehen, der in der Szene Spuren hinterlassen hatte, als wir [als Sklaven] anfingen. Die Rohheit und Authentizität dieses Songs ist das absolute Wesen des Punk. Manchmal fühlt es sich so an, als ob Punk weaponisiert wurde und politisch sein muss, aber ich denke, es geht um deine eigenen persönlichen Werte – und hier ist er, der seine Seele offenbart. Der Song handelt von seinem Vater und Billys Alkoholismus, und er ist verdammt roh. Es ist eine Platte, die ich meinen Kindern weitergeben werde, wenn sie wissen wollen, woher wir kommen.
Trapped Under Ice – Pleased To Meet You (2011)
Von Huw Baines, Musikjournalist, ausgewählt
Nur wenige Künstler haben in jüngerer Zeit Punk-Ideale so verkörpert wie Justice Tripp, ein schöner Exzentriker, dessen Glaube an kreative Störung dazu geführt hat, dass er modernen Hardcore mehr als einmal neu gestaltet hat. In letzter Zeit hat das bedeutet, seine Anpassungsfähigkeit mit dem abenteuerlustigen Angel Du$t zu zeigen, aber während er Trapped Under Ice leitete, ging es ihm darum, die Bedeutung von knochenbrechender Intensität erneut zu betonen.
Justice Tripp von Trapped Under Ice bei einem Auftritt in Corporation, Sheffield, 2012. Foto: Gary Wolstenholme/Redferns/Getty Images
Auf Pleased to Meet You, einem herausragenden Song aus dem 2011er Album Big Kiss Goodnight der Band aus Baltimore, griff er auf grundlegende Punk-Gefühle zurück und illustrierte auf abrasierte Weise, wie sehr sich das Genre verändert hatte. „Ich habe kein Interesse daran, die Blinden anzuführen / Aber unter diesen Menschen mit offenen Köpfen zu gehen“, brüllt er und reflektiert die Gedanken zahlreicher Musiker, die in den Straßen des New York der 70er Jahre umherirrten, während er muskelbepackte, pit-zentrierte Riffs auftischt, die weit über die Vorstellungen der ersten Welle hinausgehen.
Tripp schwenkt von barkendem Refrain zu Breakdown und zurück, hat aber auch Zeit, sich hinter eine der wichtigsten Widersprüche des Punk zu stellen: die Idee, dass Selbstausdruck und Individualität zur Gemeinschaft führen können. Nachdem er betont hat, dass du, ein Normalo, vielleicht nie auf seiner Wellenlänge sein wirst, schreit er: „Ich bin TUI, solange ich noch lebe.“
Micachu and the Shapes – Turn Me Well (2009)
Von Safi Bugel, Musikjournalist, ausgewählt
Drei Jahrzehnte nach dem lauten Höhepunkt des Punk kam Micachu and the Shapes. Gekleidet in Kapuzenpullis und passende T-Shirts und frisch von der Guildhall School of Music and Drama, schienen sie weit entfernt von Leuten wie Johnny Rotten oder den Slits zu sein, und in vielerlei Hinsicht waren sie es auch. Aber indem sie ihre klassische Ausbildung in kurze, schräge Popsongs umwandelten, die aus selbstgemachten und gefundenen Instrumenten (Feuerzeuge, Glasflaschen und Haushaltsgeräte) bestehen, griffen sie auf den gleichen Bauplan von DIY und Disharmonie zurück, der für die späten 70er und 80er Jahre Subkultur zentral war. Als Teenager, der die erste Runde verpasst hat, war ich verkauft.
Turn Me Well, von ihrem Debütalbum von 2009, Jewellery, verkörpert diesen punkhaften Geist am besten. Es ist eine kantige Collage aus klobigen Akustikgitarren, glitchenden Elektronik und heiserem Gesang, umgeben vom Zischen eines Staubsaugers, der während des gesamten Songs gesampelt und zerschnitten wird. Wie die meisten von Jewellery – und die meisten Punk-Songs – spielt sich das alles in weniger als drei Minuten ab, mit einer Produktion so lo-fi, dass sie für eine schlechte Aux-Kabel-Verbindung gehalten werden könnte. Aber es ist eingängig, und selbst jetzt, wenn ich höre, wie ein Staubsauger in Aktion tritt, kommt es schwer, keinen Schub von Nostalgie für diesen seltsamen, sentimentalen Song zu bekommen.
Bad Brains – Banned in DC (1982)
Josh Clayton.
Von Josh Clayton, Gitarrist der australischen Hardcore-Band Speed, ausgewählt
Als 14-Jähriger, der Hardcore entdeckte, waren Bad Brains eine der drei grundlegenden Bands zusammen mit Minor Threat und Black Flag. Sie waren alle sehr unterschiedlich von meinem Konzept von Punk als dieser schmutzigen, edgy Sache aus Großbritannien, aber Bad Brains waren diese verrückte, ganz schwarze High-School-Band aus DC, die alle Rastafari waren und Hardcore und Reggae spielten. Es fühlte sich an wie eine einzigartige Geschichte, die einen Bauplan für Jahrzehnte setzte, in denen du so viele Kurvenbälle in ein Hardcore-Album werfen kannst, wie du willst.
Banned in DC ist eine universelle Erfahrung für alle, die mit dem Ausschluss von Veranstaltungsorten oder dem Kampf, Orte zum Spielen zu finden, zu tun hatten. Wenn man sich die alten CBGBs-Videos ansieht, waren Bad Brains-Shows sicherlich energiegeladen und chaotisch, aber sie waren eine positive Band mit einer spirituellen Bedeutung. Ich liebe die Tatsache, dass sie in diesem Song im Grunde genommen sagen, dass wenn wir hier nicht spielen können, werden wir so weit gehen, wie wir müssen. Sie werden die Botschaft so weit und breit verbreiten, wie sie können. Es zeigt einfach den Geist, der im Punk verwurzelt ist: Du wirst uns nicht aufhalten.
Das Debütalbum von Lambrini Girls, Who Let the Dogs Out, wird am 10. Januar veröffentlicht. Penetration tourt mit ihrem klassischen Album Moving Targets, beginnend im G2 the Garage in Glasgow am 13. November. Die Single Special von Scowl, das Album Mansuetude von Buñuel, das Album Heavy Jelly von Soft Play und das Album Only One Mode von Speed sind alle jetzt draußen. Please only provide German text if you are at a B2 level or higher in German.