Als das Land der Freien und der Heimat der Mutigen widerhallt der Ruf nach Make America Great Again, wird oft übersehen, was der komplizierte Begriff „wieder“ bedeutet. Wie in der amerikanischen Fotografie hervorgehoben, einer umfassenden, manchmal schönen, aber oft schockierenden Umfrage im Rijksmuseum in Amsterdam über die letzten zwei Jahrhunderte, was für einige großartig war, war für andere einfach furchtbar. Ein freies Land? Das ist Amerika … Keep it Free! Fotografie: Rijksmuseum Vivian Pawirodikromo/Evans, Walker (Fotograf) (auf dem Objekt angegeben) Sheldon-Claire Company „Amerika und Fotografie sind untrennbar miteinander verbunden. Man kann die beiden nicht voneinander trennen“, sagt Mattie Boom, Kuratorin für Fotografie im Rijksmuseum, die zwei Jahrzehnte damit verbracht hat, die amerikanische Sammlung aufzubauen. Sie umfasst jetzt rund 7.000 Fotos – alle von amerikanischen Fotografen über amerikanische Themen – und 1.500 amerikanische Fotobücher und Zeitschriften. Die aktuelle Ausstellung ist die erste umfassende Untersuchung des Gebiets in Europa und ist ein triumphales Abschiedskonzert für Boom, als sie sich aus ihrem Amt zurückzieht. Es gibt keine Hierarchie bei der Auswahl. Eine Reihe von Räumen präsentiert zahlreiche Bereiche – Porträts, Landschaften, Werbefotografie, Kunstfotografie – wie Kapitel in einem Roman. „Wir haben versucht, überraschende Bilder und Dinge zu finden, die wir noch nie zuvor gesehen haben“, sagt Boom. Das Ergebnis ist eine breite Mischung, geformt zusammen mit dem Co-Kurator Hans Rooseboom, aus anonymen Fotografien, kommerzieller Arbeit, Nachrichtenberichterstattung, medizinischen Drucken und Propaganda, präsentiert zusammen mit Meisterwerken wie Robert Franks rätselhaftem Bild einer Frau, die 1955 eine Parade in New Jersey beobachtet, ihr Gesicht teilweise von einer ausgebreiteten Stars and Stripes verdeckt. Die Fotografie erwies sich als das perfekte Medium für die neue Welt: schnell, weitgehend demokratisch in ihrer Verfügbarkeit (wenn auch nicht in ihrer Verbreitung) und billig. Im Rijksmuseum deuten zwei Daguerreotypien aus dem 19. Jahrhundert auf die Brüche hin, die kommen sollten. Die erste ist eine der ältesten bekannten amerikanischen Fotografien: ein winziges Selbstporträt von 1840 von Henry Fitz Jr, einem Pionierfotografen aus Long Island. Er hält sich mit geschlossenen Augen fest. Eine andere Platte, die sieben Jahre später im Studio von Thomas M. Easterly, einem erfahrenen Daguerreotypisten in St. Louis, aufgenommen wurde, zeigt Chief Keokuk – auch bekannt als Watchful Fox – den Anführer des Sac and Fox-Volkes. Es humanisiert den indianischen Häuptling – sein Gesicht ist erstaunlich scharf – und betrachtet ihn gleichzeitig als Kuriosum. Amerikanische Mythologie: Heimat von Rip Van, Winkle Sleepy Hollow, Catskill Mountains von der Detroit Photographic Company Fotografie: Detroit Photographic Company Anzeichen von Rassismus – und seiner Bekämpfung – ziehen sich durch die Galerien, wenn Bilder von Segregation und Plantagen Dokumentarfotografien der Bürgerrechtsbewegung weichen. Ein Studioporträt auf einer Carte de Visite aus den 1860er Jahren zeigt einen halbnackten schwarzen Mann, der von mehreren Prügelstrafen gezeichnet ist, ein schreckliches Bild, das positiv dazu genutzt wird, die Abschaffung der Sklaverei zu fordern. Fast ein Jahrhundert später, 1957, fotografierte Jack Jenkins die schwarze Schülerin Elizabeth Eckford, als sie an der neu integrierten Little Rock Central High School von einer schreienden Menge weißer Frauen empfangen wurde. Die Kraft des Fotos liegt in Eckfords außergewöhnlicher Fassung angesichts eines solchen Hasses. Die epische Größe der amerikanischen Landschaft fehlt weitgehend an den Wänden – mit Ausnahme eines majestätischen Albumindrucks der Cathedral Rocks, Yosemite, aufgenommen von Carleton E. Watkins im Jahr 1861. Stattdessen zeigen Fotografien die Eroberung der Natur und ihrer Fruchtbarkeit: Margaret Bourke-Whites Breitbildaufnahmen von Weizenfeldern; Ansichtskarten von Ölquellen in Oklahoma. Währenddessen entdecken wir in der monochromen Straßenfotografie von Saul Leiter und William Klein die zerzauste Schönheit amerikanischer Städte, sowohl ihre belebten Bürgersteige und einsamen Gestalten als auch ihre Kinos und Geschäfte. Zerzauste Schönheit: Tonopah, Nevada, 2012, von Bryan Schutmaat. Fotografie: Rijksmuseum Henni van Beek/Bryan Schutmaat Und natürlich verkaufte die amerikanische Fotografie Dinge – Tupperware, Süßigkeiten, Schlitten, Rasierklingen, Kombis und natürlich Coca-Cola – in peppigen, manchmal surrealen Werbekampagnen. Ein frühes Beispiel im Rijksmuseum ist eine kleine späte 19. Jahrhundert-Photokarte, die für einen Metzger in Manhattan wirbt, in der ein schnauzbärtiger Händler seine zarten Lendenstücke neben einigen außer Kontrolle geratenen alliterativen Texten sticht: „Feinstes Fleisch, Fettestes Geflügel, Frischester Fisch, Eingerichtet.“ Während der 1930er Jahre flohen viele avantgardistische Fotografen aus Europa in die USA und belebten das Medium in ihrem aufnehmenden Land. Eine Luftaufnahme von Reifenspuren auf einem verschneiten Parkplatz in Chicago, aufgenommen von dem ungarischen Emigranten László Moholy-Nagy im Jahr 1937, ist ein Indiz für diese frischen Perspektiven. Und Fotografen mit einer Kante wurden im Nachkriegsamerika hoch begehrt, als der Kapitalismus in voller Fahrt seine Entwicklung beschleunigte. Unternehmen versuchten immer auffälligere Wege zu finden, Kunden anzulocken, und die grelle Palette von Schaufenstern und flimmernden Neonlichtern findet sich in den farbsatten Titelbildern von Playboy und Time wieder. Ihre wöchentliche Kunstweltzusammenfassung, in der alle größten Geschichten, Skandale und Ausstellungen skizziert werden. Datenschutzhinweis: Newsletter können Informationen über Wohltätigkeitsorganisationen, Online-Anzeigen und von externen Parteien finanzierte Inhalte enthalten. Weitere Informationen finden Sie in unserer Datenschutzrichtlinie. Wir verwenden Google reCaptcha, um unsere Website zu schützen, und die Google-Datenschutzrichtlinie und Nutzungsbedingungen sind gültig. nach Newsletter-Promotion Geister des Konflikts … Major H. A. Barnum, Genesung nach einer durchschlagenden Schusswunde im Bauch mit Perforation des linken Iliums. Fotografie: Smithsonian American Art Museum Vielleicht war der stärkste Verkauf, Amerika amerikanisch zu halten. Während des Zweiten Weltkriegs forderten fotografische Plakate, die den all-amerikanischen Adler im Flug zeigten, die Patrioten auf, sich für die Zivilverteidigung zu engagieren. Ein anderes verwendete Walker Evans‘ Fotografien vom Kleinstadtleben, um die Vorzüge einer Nation zu preisen, „in der ein freies Volk durch freies Unternehmertum eine großartige Nation aus einer Wildnis geschlagen hat. Dies ist Ihr Amerika.“ Das „Ihr“ war bedingt. Die Geister des Konflikts materialisieren sich auch in zwei ergreifenden Porträts: eine Studie aus dem Jahr 1865 eines Bürgerkriegsmajors, mit einer kolossalen Schusswunde durch seinen Bauch, aber immer noch aufrecht in seiner Uniform stehend; das andere, eine Aufzeichnung des Hochzeitstages eines schwer verletzten Golfkriegssoldaten im Jahr 2006. Das Rijksmuseum präsentiert innerhalb seines amerikanischen Bestandes einige exzentrische Mini-Sammlungen. Eine gemischte Gruppe von Fotografien – jede mit dem Wort „Ich“ versehen, um anzuzeigen, wo sich die verschiedenen Besitzer im Bild befinden – war eine von mehreren Schachteln, die von einem New Yorker Sammler von Amateur-Schnappschüssen dem Rijksmuseum gespendet wurden. „Er hat sie nach Kategorien sortiert“, sagt Boom. „Es gibt eine Box namens ‚Ansichten aus dem Auto‘. ‚Damen vor Fernsehern‘ ist eine andere Kategorie. Er hat eine ganze Wand dieser Schachteln in einem kleinen Raum und er spendet an Museen.“ Aber die mysteriösesten Bilder in der Ausstellung sind ein Paar monumentale Cyanotypien menschlicher Rümpfe, die Mitte der 1990er Jahre auf dem Flohmarkt an der 26th Street in Manhattan entdeckt wurden, Objekte mit einer schattigen Vergangenheit, die sich für einen True-Crime-Podcast eignen würden. Diese Positivbilder aus den 1930ern wurden von Röntgennegativen von in Querschnitt geschnittenen gefrorenen Leichen gedruckt, als Teil einer Studie an einer Universität in Chicago. Neue Forschungen haben ergeben, dass die Personen größtenteils schwarze Einwohner von Chicago waren – die eine doppelt so hohe Sterberate wie ihre weißen Nachbarn hatten – und dass die Körper in einer Einrichtung verwendet wurden, die keine schwarzen Medizinstudenten akzeptierte. Die Ausstellung verdeutlicht die Kraft der Fotografie, sowohl zu erhellen als auch zu verbergen. Auf der Straße … Homegirls, San Francisco, 2008, von Amanda López. Fotografie: Jaclyn Nash/Jaclyn Nash, National Museum of American History, Smithsonian Institution Boom setzt das amerikanische Fotografieren des 20. Jahrhunderts mit der holländischen Goldenen Ära der Malerei gleich. Beides, wie sie betont, wurde „für Bürger, von Bürgern und von Menschen auf der ganzen Welt gekauft“. Aber ist dies eine besonders europäische Bearbeitung eines unvollkommenen amerikanischen Traums? Boom zuckt mit den Schultern. Es wäre, räumt sie ein, wahrscheinlich ehrerbietiger, wenn es in den USA inszeniert würde, wo feierliche monografische Shows dominieren. „Für sie sind die großen Namen – Edward Weston, Walker Evans, Robert Frank, Richard Avedon – Teil der Geschichte des Landes, Teil der Bildkultur des Landes, und für sie sind diese Namen das Gleiche wie Rembrandt und Vermeer für uns Niederländer.“ Auf subjektive Weise – eine andere Auswahl würde eine andere Geschichte erzählen – betrachtet die Ausstellung das amerikanische Leben im Ganzen, mit Trauma und Widersprüchen neben Glamour und Unternehmertum. „Es ist voller Kraft der Fotografie, also lässt es nichts aus“, sagt Boom. „Amerika war Europa immer zehn Jahre voraus mit der Fotografie und ist es immer noch.“ Es ist ein Bereich, in dem – unbestreitbar und bezeichnend – Amerika immer großartig war.
