Heartworms is the brainchild of Jojo Orme, an artist from South London with roots in Cheltenham. She picked up the guitar during a year of being grounded for having a boyfriend, and her tumultuous relationship with her mother led her to leave home at 14 and enter foster care. By 16, she was living at the local YMCA, earning money through busking and odd jobs. Orme later studied production and performance at Stroud College, where she formed the band Heartworms. Following their appearance on Speedy Wunderground’s Quarantine Series, Heartworms collaborated with labelhead and producer Dan Carey on the compelling 2023 EP „A Comforting Notion,“ which was succeeded by their debut full-length album, „Glutton for Punishment.“ Despite being labeled as post-punk, Heartworms‘ music transcends genres, drawing inspiration from Orme’s childhood memories, military history, and raw emotions. Orme is a nuanced songwriter and dynamic performer who challenges conventional song structures and infuses minimal beats with energy and emotion. While „Glutton for Punishment“ explores themes of personal and historical punishment, Heartworms‘ music offers a unique blend of aggression and gentleness.
In a recent interview as part of the Artist Spotlight series, Heartworms reflected on the release of their new album and their journey in the music industry. Orme shared her experience of looking back at old photos, reminiscing about her early days of busking and self-taught singing. She emphasized the importance of staying connected to her roots and acknowledging the struggles that shaped her career. Orme’s partner plays a supportive role in listening to her stories and memories, allowing her to process her past and appreciate her journey. The interview also delved into Orme’s creative process and the emotional depth of her songwriting, particularly in tracks like „Smuggler’s Adventure,“ which encapsulates the complexity of change and growth. Orme highlighted the significance of embracing uncertainty and tapping into raw emotions to create authentic music. However, when I was younger and writing songs, I just wrote without much thought. I always believed my songs were good, even if they weren’t. I strive to maintain that childlike innocence and naivety in my creations, as they are like pages in a diary or a book I may write one day. Even if I may doubt their quality, they may resonate with someone else.
Opinions on my work vary, with some finding it too approachable and others preferring my newer work over my past EP. It’s important to not get caught up in others‘ opinions and even sometimes my own, as you never know what may come of it.
Creating ‚Smuggler’s Adventure‘ was a therapeutic process, as it forced me to confront my fractured relationship with my mother. It required patience and precision to infuse the song with the right emotions, mirroring the ongoing work I put into my relationship with my mother.
In both my performances and the album’s sonic landscape, I aimed to strike a balance between control and catharsis. I pushed the boundaries of my vocal abilities, drawing inspiration from artists like Prince and Michael Jackson to create tension and emotion in my music.
Each song on the album reflects my ever-changing emotions, with ‚Jacked‘ standing out as the heaviest track. The album, while soft at times, still carries a weightiness that anchors it, rather than crashing down like a rock.
The song ‚Celebrate‘ showcases a driving pop sound with an explosive scream at the end, adding a different intensity to the track. The process of crafting the song was challenging, especially in ensuring the vocals complemented the guitar line without overshadowing it.
Overall, each song on the album is a reflection of my evolving emotions and experiences, with ‚Celebrate‘ serving as a testament to the complexity and depth of my musical journey. However, this inner monologue also reflects my childhood experiences and how others perceived me. Memories of my mother’s scary stories, like Tic Tac Talk, about a three-headed monster in Austria, still haunt me to this day. These tales, along with my own imagination, inspired me to create my own haunting stories and songs. The fear of unjust punishment, common in horror movies, still resonates with me, fueling my passion for dark and eerie themes.
Despite my love for music and singing, my journey into the world of music was not easy. Being grounded for a year forced me to teach myself guitar and find solace in music. Artists like Youth Lagoon and The Shins became my inspiration, pushing me to pursue my dream of performing on stage. The vulnerability I felt during that time eventually transformed into self-expression through music.
As I honed my singing skills, artists like Ellie Goulding and Nina Simone influenced my vocal style. Experimenting with different sounds and styles helped me find my own unique voice as a musician. It was during my time at the YMCA and in college that I truly began to explore and develop my own voice as a songwriter and performer. It was still challenging because my friendship group at the time was mostly male-dominated, making it difficult for me to express myself freely. However, I continued to work on my music in my room. When I went to college, I was able to write about my music and the reasons behind my choices. I cherished the freedom to express myself and be recognized for it. Winning the student of the year award was a significant achievement for me, despite the confusion it caused among my male peers. I preferred working quietly and letting my actions speak for themselves, rather than being loud or competitive.
Writing about my music can be intimidating, but I find it fun to play with different interpretations and responses. I believe in keeping things concise and to the point, as sometimes less is more. Heartworms started as a band project during my college years, but it eventually evolved into a solo project as I realized my vision and the need for creative control.
Danceability has always been important to me as a means of expression and enjoyment. I’ve always found dancing to be a way to channel my emotions and energy, from childhood to now. Ich würde auf und ab springen, meine Arme in die Luft schütteln. Und dann Beziehungen mit Leuten haben, die so langweilig wie ein Ziegelstein waren und nicht mit mir tanzen würden – ich war wie: „Lass uns tanzen gehen, ich will wirklich!“ Ich sehnte mich danach, und sie sind wie: „Nein, ich habe keine Lust zu tanzen.“ Da ist das, und auch, es hatte damit zu tun, wie schüchtern ich war und wie ich nicht vor meiner Familie tanzen wollte. Ich wollte einfach alleine tanzen, also steckt da eine Art Einsamkeit drin, aber auch ein umschmeichelndes Gefühl der Handlung des Tanzens, das mich hält. Immer wenn meine Mutter das Haus verließ, würde ich ihren CD-Player stehlen, ihn in mein Schlafzimmer stellen, Fleetwood Mac oder so auflegen und tanzen.
Wenn das in mein Album kommt, ist es einfach etwas, das ich gerne sage und gerne auf der Bühne mache. Es ist eine Form der Selbstausdruck für einen Menschen, der wahrscheinlich nicht verbal ausdrücken kann, wie er sich fühlt, aber es durch Bewegung tun kann. Es kann ein Wort, das du sagst, verstärken. Ich liebe es, Gebärdensprache auf der Bühne zu verwenden – ich kenne niemanden, der Gebärdensprache benutzt, mit dem ich kommuniziere, aber ich liebe die Idee, weil Leute hinten manchmal nicht so gut hören, aber sie wollen dich sehen. Gebärdensprache ist für mich auch ein Tanz. Und der Abschluss – „Alles, was ich tun will, ist tanzen, tanzen, tanzen“ – ist einfach eine Sehnsucht. Das ist irgendwie alles, was passiert, wenn es ums Performen geht. Ich mache einfach das, und das ist alles, was ich tun will. Ich denke, es ist eine schöne Art zu enden, mit einem Komma, und zurück zum Anfang zu gehen.
Musik kann eine einsame Sache sein – auch für dich, diese Lieder existieren nur in deinem Kopf oder im Studio seit langem. Den Leuten die Freiheit zu geben, physisch darauf zu reagieren, bedeutet auch, etwas von dieser Einsamkeit wegzunehmen.
Es ist ein Raum, in dem ich möchte, dass die Leute das Gefühl haben, sich ein wenig zu fordern. Ich habe das Gefühl, dass Tanzen manchmal tatsächlich den Stress abbaut. Ich war vor ein paar Tagen so gestresst und habe den Lautsprecher eingeschaltet und mich an Tom, meinen Partner, gewandt. Ich sagte: „Ich werde etwas Dubstep auflegen!“ [lacht] Wir haben einfach, ich weiß nicht, Flux Pavilion und all die alten Dubstep-Künstler, an die ich mich erinnere, gehört und jede Körperpartie geschüttelt. Und danach fühlte ich mich so glücklich. Ich dachte: „Das ist die Antwort!“ Und manchmal vergessen wir das, weißt du? Manchmal vergessen wir, dass wir uns belasten, indem wir still stehen, oder unsere Haltung – es gibt Muskeln, die wir anspannen, von denen wir nicht merken, wie gestresst wir sind. Aber wenn du tanzt, lässt du sie los.
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Ich habe einen Kommentar, den ich in Anführungszeichen gesetzt habe: „Es gibt keine Zufriedenheit bei denen, die erwachsen sind und es wissen. Aber die jungen werden es nicht versäumen, Anerkennung zu zeigen.“ Das ist von Faust. Ich liebe dieses Zitat so sehr, weil wenn du erwachsen bist und denkst, dass du alles weißt und es für dich nichts mehr zu wissen gibt, wirst du es nicht so sehr schätzen wie ein jugendlicher Geist es würde – ein Geist, der ein Schwamm ist. Die Leute denken, dass dein Geist aufhört, Dinge aufzunehmen, weil du ein bestimmtes Alter erreicht hast. Nein, das ist nur, dass du dir dessen bewusst bist. Manchmal, wenn du zu sehr darauf achtest, dass du erwachsen bist, wirst du die kleinen Dinge um dich herum nicht so sehr schätzen und die Schönheit und den Schmerz, mit dem du ins Reine kommen musst.