In den mittleren 1980er Jahren fuhr Kenny Scharf jeden Abend gegen 3 Uhr von seinem Studio in Queens zu seiner Wohnung im East Village. Die unheilige Stunde ermöglichte es dem jungen Künstler, die Wände der Ostseite Manhattans mit seinen energiegeladenen, cartoonartigen Figuren zu „bombardieren“. Er war damit aufgewachsen, Ölgemälde außerhalb von Los Angeles zu machen, aber nach seinem Umzug nach New York im Alter von 19 Jahren war er fasziniert von der Graffiti-Kunst in der gesamten U-Bahn. Keith Haring – sein Mitbewohner zu der Zeit – ermutigte ihn, draußen zu malen. „Ich griff sofort zu einer Sprühdose und lernte, wie man ein Gemälde im Vorbeigehen macht“, sagt Scharf.
Vier Jahrzehnte später eröffnet der unermüdliche Maler harmonisch chaotischer Straßenkunst-Traumlandschaften seine allererste institutionelle Ausstellung in der Brant Foundation im East Village. Scharf zog vor mehr als zwei Jahrzehnten nach LA und die selbstbetitelte Ausstellung markiert seine Rückkehr zu seinem Stammgebiet, wo er zusammen mit Haring und Jean-Michel Basquiat berühmt wurde. Etwa 70 Gemälde und einige Skulpturen verfolgen die glanzvolle Karriere des 66-jährigen Künstlers mit vielen Höhen und Comebacks. Nach einer Ausstellung aus dem Jahr 1995, die in Monterrey, Mexiko, begann, jedoch nicht tourte, erhielt er im Gegensatz zu seinen Kollegen nie eine karriereprägende Einzelbestätigung von einem Museum. „Die meisten Leute denken, sie kennen meine Arbeit, aber sie haben sie noch nie in diesem Umfang gesehen, und sie werden überrascht sein“, sagt der Künstler.
Die Ausstellung wird von 1978’s Barbara Simpson’s New Kitchen eröffnet, in dem eine Hausfrau der 1950er Jahre einen wilden Drachen in einer neonrosa Küche zähmt, und endet mit dem letztjährigen Juichy Jungle, einem neonfarbenen, erratic Wunderland mit verwickelten sprechenden Bäumen. „Ich finde meine älteren Gemälde roher – sie sind wie ein Blick auf mein jüngeres Selbst“, sagt Scharf. „Es gibt etwas über die jugendliche Entdeckung in diesen Werken zu sagen.“
Der Künstler überließ den Kuratoren der Ausstellung, dem Kunstmäzen und dem Medienmogul der Stiftung Peter M Brant und dem Händler Tony Shafrazi, die freie Hand, welche Werke sie wählen sollten. „Ich stehe hinter der Arbeit und lasse sie wählen, was sie möchten“, fügt Scharf hinzu, dessen Gemälde ihren zeitlosen Charme seiner zugänglichen Bildsprache mit komischen Figuren in grellen Farben verdanken. Die intensiven, grinsenden, springenden Blobs sind zu einer Art Signatur geworden, die sich durch eine Karriere zieht, die Thema des Dokumentarfilms von 2021 Kenny Scharf: When Worlds Collide war, den seine Tochter Malia Scharf mitinszenierte. Er führt seine hypnotisierenden, lächelnden Gesichter auf seine Kindheit in LA – „dem Land der Autos“ – in den 1960er Jahren zurück. „Ich sah in jedem verrückt aussehenden Auto mit Flossen und Kühlergrills ein lächelndes Gesicht – ihre Fenster waren wie Augen“, sagt er. „Ich konnte in allem, was ich sah, eine Persönlichkeit finden.“
Trotz ihrer sorglosen Leichtigkeit haben die lächelnden Gesichter in psychedelischen Panoramen eine Resonanz mit dem Zusammenprall von Emotionen und der „Dualität des Daseins wie das Leiden an einer Krankheit, während man eine schöne Mahlzeit genießt“. Tatsächlich ist Scharf sich bewusst, dass er ein jubelndes Chaos orchestriert, das seiner Meinung nach „die Geister herauskommen lässt, wie eine Explosion“. Oft malt er ohne Plan, indem er mit Offenheit zum nächsten Schritt übergeht, wohin ihn der Pinsel führt: „Ich will nicht von mir selbst eingeschränkt werden, weil ich nach außen greifen will.“
Das Karriere-Highlight, When The Worlds Collide von 1984, ist eine Leihgabe des Whitney Museum of American Art, wo es in der Whitney Biennale von 1985 debütierte. Mit einer Breite von 209 Zoll platziert das horizontale Layout von farbenfrohem Chaos seine ansteckend optimistischen Blobs zwischen erratic Wirbeln, launischen Meteoriten und kaleidoskopischen Wolken. Als Inkarnation der Energie, die das New York Downtown der 80er Jahre erfasste, ist das Gemälde vielleicht Scharfs eigene Guernica, ein Zeugnis seines Mottos „Chaos schafft Kreation“.
Scharf gibt zu, „nie an einer Blockade des Malers gelitten zu haben, weil ich niemals von der Leinwand eingeschüchtert bin“. Nach seinem meteorischen Aufstieg zum künstlerischen Ruhm in der Blütezeit des East Village hing er mit Warhol ab (den er „meinen Helden“ nennt); arbeitete mit Jeremy Scott, Levi’s und Swatch zusammen; und schuf immersive, schrankgroße Räume im Whitney und im MoMA. Der erste seiner heute als Cosmic Caverns bezeichneten Räume befand sich im Schrank der „sehr alten heruntergekommenen Times Square Wohnung“, die er mit Haring teilte, mit einer Menge von 1960er Jahren Sachen aus einem Posterladen und einem Schwarzlicht.
„Ich war besessen davon, elektronischen Müll zu finden, wie Radios, Uhren und Mixer, um futuristische Science-Fiction-Installationen zu schaffen, in denen wir auch feierten und psychedelische Drogen nahmen“, sagt er. Etwa 30 Orte, an denen er fluoreszierende „völlig chaotische, aber sehr ruhige“ Höhlen geschaffen hat, sind ein Arrow-Motorenblock und zuletzt TOTAH, wo die Installation immer noch im Untergeschoss der Lower East Side Galerie lebt.
Obwohl seine hypnotisch bunten surrealen Gemälde ihn bekannt gemacht haben, war die Porträtmalerei ein Weg, um mit seinen Freunden an beiden Küsten in Kontakt zu treten, nachdem er nach LA zurückgezogen war. Die Ausstellung zeigt Porträts von RuPaul, Dennis Hopper, Patti Smith, dem Künstler Ed Ruscha und dem Supermodel Stephanie Seymour (der Frau von Peter M Brant), die alle mit „sehr Hollywood-Beleuchtung“ in seinem Haus an der Westküste für ihn posierten.
Als Künstler, der stark mit einer bestimmten Periode New Yorks verbunden ist, meidet Scharf ein übermäßiges Schwelgen in der Vergangenheit. „Ich nehme es nicht leicht, dass ich immer noch hier bin und traurig darüber, dass viele meiner Kollegen nicht mit mir in die Zukunft gekommen sind“, sagt er über das Verlassen eines Kreises, der von Drogen und der Aids-Pandemie betroffen war. „Aber ich bin nicht nostalgisch fixiert.“ Er betrachtet das Lernen immer noch als Teil seiner „Prozess und Philosophie“, und sieht es als Verantwortung, noch am Leben zu sein: „Ich trage die Fackel für Freunde, die es nicht weitergeben konnten“.