Kurator Aaditya Sathish erinnerte sich kürzlich daran, 2020 aus New York nach Hongkong zurückgekehrt zu sein, auf dem Höhepunkt der Pandemie. Es war, sagte er, eine faszinierende Zeit. „Soweit ich das verstehen konnte, war Hongkong sehr stark ein Ort, an dem global zeitgenössische Kunst gehandelt wurde. Aber während der Pandemie lag der Fokus auf dem Lokalen. Viele unabhängige Kunstorte begannen aufzutauchen, und ich erinnere mich, wie alle zu diesen Orten strömten“, sagte er ARTnews. „Es gab ein verzweifeltes Bedürfnis, sich umzusehen.“
In der Tat hat die Kunstszene in Hongkong einen Crash-Kurs im Überleben absolviert, geprägt von einer Wirbelsturm von Störungen – von Massenprotesten für Demokratie über die Pandemie bis hin zur Verhängung des nationalen Sicherheitsgesetzes.
Wie die Kunstjournalistin Enid Tsui in ihrem neu veröffentlichten Buch Art in Hong Kong: A City in Flux feststellt, ist es keine leichte Aufgabe, „Hongkong Art“ zu definieren. Über Jahre hinweg haben Hongkonger Künstler großartige ideologische Erklärungen vermieden und sich stattdessen dem Alltäglichen, dem Banalen und dem Zutiefst Persönlichen zugewandt. Aber die Turbulenzen der letzten Jahre haben Wellen von Protestkunst und sozial engagierten Praktiken genährt.
Zweifellos wird die diesjährige Hong Kong Art Week Sammler begeistern, wenn sie in die Stadt einfliegen, um sie mit einem Buffet von Meisterwerken und den heißesten Blue-Chip-Namen zu verwöhnen, sowohl auf der Art Basel Hong Kong als auch in den Museen und Galerien der Stadt.
Nehmen wir zum Beispiel M+. Eine seiner Hauptausstellungen ist eine Blockbuster-Show von mehr als 60 Werken von Picasso (neben Werken von 30 Künstlern aus Asien und seiner Diaspora).
Aber einige könnten sich fragen, wie sich eine weitere Ausstellung eines lange kanonisierten Künstlers für ein internationales Publikum anfühlen wird, das Picassos Werk mittlerweile in nahezu jedem bedeutenden Museum, Auktionshaus oder Kaffeetischbuch gesehen hat.
Für diejenigen, die an einem authentischeren Einblick in die Kunstszene Hongkongs interessiert sind, wären sie besser geeignet, die industriellen Aufzüge in Wong Chuk Hang oder die engen Gassen und unpolierten Ecken der Wohnviertel von Kowloon zu durchqueren, um ein umfassenderes Bild davon zu erhalten, was die Künstler der Stadt zu bieten haben.
Aufgrund ihrer eigenen Lebenserfahrungen haben die Kunstgemeinschaft Hongkongs ein besonders scharfes Verständnis dafür, wie Kunst sowohl als Zufluchtsort als auch als Mittel zur Verarbeitung kollektiver Traumata dienen kann, ganz zu schweigen davon, dass sie in einer zunehmend autoritären globalen Landschaft einen Akt des Widerstands darstellt. Auch jetzt noch navigieren sie durch die sich verändernden politischen Realitäten der Stadt, finden Wege zu schaffen, zu kritisieren und zu überdauern.
Unten finden Sie acht herausragende Ausstellungen, die während der Hong Kong Art Week in unabhängigen, künstlergeführten oder kleinen Galerieräumen zu sehen sind und über Blue-Chip-Namen und leicht verdauliche Ästhetik hinausgehen und stattdessen die Arbeit von weiblichen und queeren Künstlern in den Mittelpunkt stellen und das Publikum dazu einladen, über gesellschaftliche Ungleichheiten, sich verschiebende Machtverhältnisse und sogar drängende geopolitische Spannungen nachzudenken.
„In Our Own Backyard“ bei Asia Art Archive
„In Our Own Backyard“ erforscht die lebendigen Frauenbewegungen in Südasien in den 1980er Jahren, wobei der Schwerpunkt auf kreativen Versammlungen und archivarischen Praktiken liegt. Durch die persönlichen Archive der Künstler Sheba Chhachhi und Lala Rukh präsentiert die Ausstellung Fotografien, Poster und ephemere Materialien, die Workshops, Straßenaktionen und regionale Treffen dokumentieren und die Dynamik der Bewegungen hervorheben.
Rukhs Kunstwerke, wie Sigiriya III: Night and Subh-e-Umeed, und Chhachhis „The Yamuna Series“ werden beispielsweise neben Maryam Rahmans Kinderbuch über Rukh präsentiert. Das Asian Feminist Studio for Art and Research (AFSAR) hat auch einen Online-Radiosender Moving Hums beigesteuert, der Lesungen und Interviews präsentiert und während der Laufzeit der Ausstellung in einer Vor-Ort-Veranstaltung gipfelt.
Bis zum 30. August in der CCG Library, Asia Art Archive, 11/F, Hollywood Centre, 233 Hollywood Rd.
„Lining Revealed: A Journey Through Folk Wisdom and Contemporary Vision“ im Centre for Heritage Arts & Textile
Kuratiert von Wang Weiwei, „Lining Revealer“ verbindet nicht nur traditionelle Volkskunst mit zeitgenössischer Kunst, sondern hebt auch die komplexe Beziehung zwischen Frauenarbeit und Gesellschaft hervor, ein Thema, das in mehreren herausragenden Werken eingewoben ist. Han Mengyuns neu in Auftrag gegebenes Werk The Unbearable Purity: Three Stories (2025) greift auf Textilien der Dong-Minderheit zurück, um Arbeit, Unterdrückung und die mit Weiblichkeit verbundene schöpferische Kraft zu erforschen. Ebenso reflektiert Yim Yen Sums From Here to There II (2024), ein gemeinsam gewebter Schal im indonesischen Songket-Stil in Zusammenarbeit mit Frauen aus Barang Village in Flores, Indonesien, einen gemeinschaftlichen Arbeitsprozess, der auf gegenseitiger Fürsorge und Harmonie mit der Natur beruht.
Bis zum 13. Juli im Centre for Heritage Arts & Textile, 45 Pak Tin Par Street.
„Drei Geschichten: Monster, Opium, Zeit“ in der Kiang Malingue Gallery
Diese Ausstellung enthüllt die neuesten Erkundungen des singapurischen Künstlers Ho Tzu Nyen in Film und Video und präsentiert drei unterschiedliche, aber miteinander verbundene Werke. Hos Werke tauchen in das komplexe Zusammenspiel von Geschichte, Mythos und Wahrnehmung ein. Night March of Hundred Monsters erfindet japanische Folklore neu, indem es traditionelle Yōkai mit historischen Figuren aus der japanischen Besatzung von Malaya vermischt und eine beunruhigende, animierte Enzyklopädie schafft, die die Grenzen zwischen Legende und Realität verwischt.
O for Opium hingegen analysiert die Ästhetisierung und historische Wirkung des Opiumhandels, indem es Archivmaterial, Filmausschnitte und animierte Bilder kombiniert, um die phantasmagorischen Effekte der Substanz und ihre Rolle als koloniales Instrument hervorzurufen. Diese Ausstellung bietet insgesamt eine berührende Reflexion über die Macht und das anhaltende Erbe des Opiums.
Bis zum 13. Mai in der Kiang Malingue Gallery, 10 Sik On Street, Wanchai.
„Sin Wai Kin: The Time of Our Lives“ in der Blindspot Gallery
Die neueste Ausstellung von Sin Wai Kin präsentiert drei neue Videowerke: The Time of Our Lives, The Fortress und Asleep (alle 2024) neben den Make-up-Entfernungs-Tüchern des Künstlers für die verschiedenen Charaktere, die sie in den Filmen verkörpern. Sins Werke fordern binäre Wahrnehmungen von Zeit, Objektivität und Identität heraus und schöpfen dabei aus Science-Fiction, Drag-Performance und Metaphysik. The Fortress erkundet die fragmentierte Identität durch eine hypermaskuline Figur und ihr gespenstisches Gegenstück innerhalb des Lahore Fort, inspiriert von Rumi, während The Time of Our Lives eine „Sci-Fi-Sitcom“ präsentiert, in der Zeit und Raum fließend sind und stereotypische Charaktere und eine intergalaktische Nachrichtensprecherin auftauchen. Asleep, abgeleitet von der Sitcom, ist ein Videoporträt von Sins Drag-Persona, das die westliche Weiblichkeit neu interpretiert.
Bis zum 10. Mai in der Blindspot Gallery, 15/F, Po Chai Industrial Building, 28 Wong Chuk Hang Road.
„Chulayarnnon Siriphol: The Golden Snail Series“ bei Tomorrow Maybe
Chulayarnnon Siriphol, bekannt für seine Arbeit an dem gemeinsamen Anthologiefilm Ten Years Thailand von 2018, präsentiert „The Golden Snail Series“, eine Einzelausstellung, die politische Ideologien und zeitgenössische Kultur durch das Motiv der goldenen Schnecke erforscht. Bekannt für seine experimentellen bewegten Bildern und körperzentrierten Medien, verwendet Siriphol diese Ausstellung, um Mythen innerhalb der thailändischen und asiatischen Geschichte zu dekonstruieren. Durch stumme Filme, Videoessays, TV-Werbung und Karaoke-Videos interpretiert er bestehende Erzählungen über die geometrischen Formen und kulturelle Bedeutung der Schnecke neu. Kuratiert von Joseph Chen, präsentiert diese Ausstellung Videos, Drucke und Skulpturen, die Siriphols charakteristische sarkastische Kritik an politischen Ideologien, Konsumkultur, Popmusik und zeitgenössischer Kunst zeigen.
Bis zum 25. April bei Tomorrow Maybe, 4/F Eaton HK, 380 Nathan Road.
„Tsang Kin-Wah: T REE O GO D EVIL“ in der Galerie du Monde
Tsang Kin-Wahs erste Ausstellung in der Galerie du Monde präsentiert Videos und ortsspezifische Textinstallationen, die die fragile Natur der Moral und die Brutalität der Menschheit, insbesondere während Konflikten, erforschen. Die Galerie wurde in einen symbolischen Raum verwandelt, der den Garten Eden, Golgatha und Goyas Serie „Desastres de la Guerra“ kombiniert, wobei ein abfallender Hügel drastische Videos menschlichen Leidens zeigt. Tsang verwischt die Grenzen zwischen Gut und Böse, Gott und dem Teufel und greift auf Nietzsches Aufruf zur Neubewertung moralischer Werte zurück.
Das verzerrte „EVIL“ im Titel symbolisiert die Verletzlichkeit des Lebens und die fließende Natur der Autorität. Die Ausstellung beinhaltet Filmmaterial von realen Gräueltaten, wie sie von ISIS begangen wurden, und historische Bücherverbrennungen, die die Unterdrückung von Dissens und Wissen verdeutlichen.
Bis zum 24. Mai in der Galerie du Monde, 108 Ruttonjee Centre, 11 Duddell Street.
„Gongkan: Asynchronous Affinities“ bei Tang Contemporary
In dieser Einzelausstellung erforscht Gongkan, ein thailändischer Künstler mit chinesischen Wurzeln, persönliche und kollektive Emotionen angesichts globaler Diskriminierung und sozialen Veränderungen. Seine Kunst setzt widersprüchliche Elemente wie thailändische Tempeltürme im kosmischen Raum und rauchverpestende Geburtstagskuchen zueinander, um die Kämpfe um Unterdrückung und Isolation zu vermitteln, insbesondere in Bezug auf queere Menschen.
Die Ausstellung umfasst eine Ansammlung von menschlichen und nicht-menschlichen Elementen, verbunden durch Teleportationslöcher. Eine neue Installation zeigt einen traditionellen chinesischen Tisch mit Mahlzeiten aus Konsumartefakten wie Fast-Fashion-Kleidung und Magazinstreifen-Nudeln und wirft Fragen zur Vergangenheit in einer sich schnell verändernden Gegenwart auf. Gongkan betont die Bedeutung des Verstehens transkultureller Verbindungen, insbesondere seines eigenen chinesischen Teo Chew-Erbes, um kulturelle Vielfalt zu navigieren und Generations- und Gesellschaftslücken anzugehen.
Bis zum 14. Mai bei Tang Contemporary, 20/F, Landmark South, Wong Chuk Hang.
„Dave Chow: Reinstatement Works“ in der Square Street Gallery
Kuratiert von Aaditya Sathish, zeigt die Ausstellung des Hongkonger Künstlers Dave Chow Werke, die den Galerieraum in einen physisch einschränkenden Raum verwandeln, der die Zwänge moderner kapitalistischer Arbeitsplätze widerspiegelt. Verstreute Deckenplatten, die typischerweise Konformität repräsentieren, werden zertreten, was einen Aufstand gegen gesellschaftliche Normen symbolisiert. Die scharfen Geräusche und haptischen Erfahrungen der Ausstellung provozieren Reflexionen über die Natur des Verlangens und die Gründe für gesellschaftliche Konformität. Durch diese Installationen untersucht Chow, wie Individuen mit den Drücken der modernen kapitalistischen Gesellschaft umgehen und widerstehen, wobei er darauf hinweist, dass letztendlich das Verlangen unser Handeln antreibt.
Bis zum 10. Oktober in der Square Street Gallery, 21 Square Street, Sheung Wan.