Am Mittwochmorgen im Miami Beach Convention Center, lange bevor die VIP-Vorschau von Art Basel um 11 Uhr begann, waren die Warteschlangen an den verschiedenen Eingängen der Messe bereits lang und blieben den ganzen Tag über bestehen. Im Inneren war die Messe voller Menschen, die durch die Gänge schlenderten. Die Stände der renommierten Galerien waren überfüllt, genau wie man es erwarten würde. Auch kleinere Galerien schafften es, bescheidenere Gruppen von Menschen anzulocken.
Wie ARTnews gestern berichtete, scheint die Messe ihre Energie zurückgewonnen zu haben. Mega-Galerien wie David Zwirner und Hauser & Wirth meldeten am ersten Tag Gesamtverkäufe von mindestens 12,9 Millionen bzw. 15,16 Millionen Dollar.
Insgesamt ist diese Ausgabe, die unter der Leitung von Ex-Händler Bridget Finn stattfindet, jedoch eine ziemlich sichere Angelegenheit. Die Händler scheinen große, leicht verdauliche Gemälde mitgebracht zu haben. Einige Male hörte ich Messebesucher darüber kommentieren, wie sehr sie es liebten, die farbenfrohen Gemälde zu sehen – es sei für sie aufbauend, sagten sie. Vielleicht wissen die Händler einfach, was die Menschen im Dezember 2024 wollen, obwohl das meiner Meinung nach ein ziemlich trauriger Zustand ist.
Für diejenigen, die auf der diesjährigen Ausgabe der Art Basel Miami Beach den Durchblick behalten möchten, hier ein Blick auf das Beste, was die Messe zu bieten hat. Die Mehrheit dieser Auswahl stammt aus den kuratierten Bereichen der Messe; die Kabinett-Präsentationen, Einzelkünstler-Spotlights, die in einem regulären Stand einer Galerie montiert sind, waren in diesem Jahr besonders stark.
Jim Amaral im Instituto de Visión
Wenn es um gerade Künstlerpaare geht, wurden historisch gesehen Männer häufiger in den Vordergrund gestellt als Frauen. Aber bei Künstler Jim Amaral ist das Gegenteil der Fall, dessen Frau, die Textilkünstlerin Olga de Amaral, in den letzten Jahren viel mehr Anerkennung erhalten hat als er. Sie hatte kürzlich eine herausragende Retrospektive in der Fondation Cartier in Paris; er hatte nie eine so umfangreiche Umfrage. Jim würde es auch nicht anders haben. Als gebürtiger Kalifornier zog er nach Kolumbien, um Medizin zu studieren, erkannte schnell, dass er darin nicht gut war, und traf Olga, die zustimmte, mit ihm aufs kolumbianische Land zu ziehen, damit sie beide ihre Kunst verfolgen konnten.
Ab den 1960er Jahren begann Amaral, seine eigene künstlerische Sprache zu schaffen. Sie war stark von Erotik geprägt und zielte darauf ab, Geschlechtsnormen auf den Kopf zu stellen. Er weigerte sich zu akzeptieren, dass der Feminismus nur dazu dienen sollte, Frauen in Männerrollen zu bringen; er glaubte, dass Männer auch traditionelle Frauenrollen im Namen der Gleichberechtigung beanspruchen müssen. Am Rand dieser Kabinett-Präsentation befinden sich zwei dicht bemalte Häuser. Sie öffnen sich, um blaue Kugeln in ihren Zentren zu zeigen, zusammen mit einer Darstellung eines Mannes in einem und einer Frau im anderen. Aber mein Favorit ist eine zarte Bleistiftzeichnung aus den 1970er Jahren, die nur Nahaufnahmen von Mündern, Fingern und Nägeln zeigt. Hier wird eine schöne erotische Spannung erzeugt.
Zilia Sánchez bei Galerie Lelong & Co.
Auch in einer anderen Kabinett-Präsentation ist erotische Spannung vorhanden, diese ist der Bildhauerin Zilia Sánchez gewidmet. Während Sánchez am besten für ihre dreidimensionalen Gemälde bekannt ist, konzentriert sich diese Präsentation auf ihre Skulpturen, die ihre Leinwände in Marmor und Bronze neu interpretieren. Das Beste – und sinnlichste davon – ist Concepto II, das um 1998 konzipiert und 2019 realisiert wurde. In der Kabine sind die beiden bronzenen Elemente, von denen jedes 80 Pfund wiegt, so eng beieinander auf einem Podest platziert, dass sie sich fast berühren, mit nur einem oder zwei Zentimetern Abstand zwischen ihnen. Beide sind in gebogenen Abteilen eingefasst, was dieser Szene eine gewisse Privatsphäre verleiht, als ob suggeriert würde, dass dies ein Ort sei, an dem vielleicht alles passieren könnte.
Rachel Youn bei Night Gallery
Im Stand von Night Gallery ist eine Skulptur von Rachel Youn auf dem Boden installiert, die ebenfalls vor Verlangen zu pulsieren scheint. In ihrem Zentrum befinden sich zwei oszillierende kreisförmige Massager, die mit künstlichen Pflanzen bedeckt sind und mit einem rosafarbenen Band befestigt sind. Die beiden Massager bewegen sich ständig auseinander und wieder zusammen, als würden sie sich gleich küssen. Es ist faszinierend zu beobachten. Für Youn repräsentiert dieser endlose Kreislauf das zeitgenössische Leben: Die Werkzeuge, mit denen wir uns zu beruhigen versuchen, sind nur kurzfristige Lösungen auf dem Weg zu dauerhaftem, wenn auch unerreichbarem, Glück.
Jimena Croceri bei Piedras
Die in Buenos Aires ansässige Künstlerin Jimena Croceri ist eine der herausragendsten Künstlerinnen in Positions, dem Bereich der Messe für Einzelstände. Hier präsentiert sie eine Serie, die sie während eines Aufenthalts in Flora ars+natura in Bogotá begonnen hat, wo sie mehrere Besuche im Museo del Oro gemacht hat. Sie war fasziniert von der präkolumbianischen Metallarbeit, die sie dort sah. Croceris Arbeit handelt ebenfalls von Berührung und konzentriert sich auf die kleinen Hohlräume, die entstehen, wenn sich zwei Körper berühren. Sie erstellte Gipsformen dieser Zwischenräume, zum Beispiel zwischen den Brüsten oder Hintern von zwei Frauen, den Sohlen von drei Paaren von Füßen, den Vertiefungen eines Schlüsselbeins, wenn eine Person die Schultern hochzieht. Aus diesen Formen produzierte sie dann Bronze-Skulpturen, die selbst wie mögliche medizinische Instrumente aussehen. Dann erstellt sie die Kompositionen, aus denen sie die Formen gemacht hat, neu und platziert die endgültigen Bronzeskulpturen in diesen Zwischenräumen und macht ein Foto, das die Skulptur begleitet. Das sind Körperteile, über die wir nicht viel nachdenken, aber sie haben nie so elegant ausgesehen wie hier.
Melvin Edwards bei Galerie Buchholz
In den letzten Jahren hat Melvin Edwards Installationen aus Stacheldraht verwirklicht, die er vor Jahrzehnten konzipiert hat. Am bemerkenswertesten davon ist ein Raum im Dia:Beacon in Upstate New York, in dem Besucher relativ nah an diesen Werken herankommen können. Bei der Art Basel Miami Beach hat Galerie Buchholz ein ähnliches Stück mitgebracht, das Edwards für eine Ausstellung im Berliner Raum der Galerie im Jahr 2023 neu gemacht hat. Diese Arbeit, mit dem Titel Now’s the Time (1970-2023), ist an einem sicheren Ort in einer Ecke platziert. Edwards hat ein Saxophon von einer Metallkette abgehängt, die nach unten verläuft; davor befinden sich etwa ein Dutzend Stücke Stacheldraht in einer dreieckigen Formation installiert. Die Spannung in diesem Stück scheint noch ausgeprägter zu sein als in Edwards anderen Installationen in diesem Medium. Hier herrscht nicht nur Gefahr, sondern vielleicht auch Freude und Lebendigkeit, wenn das Saxophon gespielt würde. Es ist aufregend.
Mimi Smith bei Luis De Jesus
Mimi Smith, eine Künstlerin, die mit der feministischen Bewegung der 1970er Jahre verbunden ist, bietet eine der eindrucksvollsten Präsentationen im Abschnitt Survey, für historische Präsentationen. Zu sehen sind mehrere ihrer „Fernsehzeichnungen“, dichte Transkriptionen der Morgen- und Abendnachrichtensendungen aus den 1970er und 80er Jahren, die innerhalb von Darstellungen von Fernsehgeräten aus der damaligen Zeit eingerahmt sind. In der Nähe befinden sich vier Uhren aus den 1980er und 90er Jahren, die soziale Themen wie den Zugang zur Gesundheitsversorgung, Umweltgerechtigkeit und Armut behandeln. Woman’s Work is Never Done, Health (1995) ist beispielsweise eine pinkfarbene Uhr mit einem Schwarz-Weiß-Foto eines geöffneten Kühlschranks mit einer Beschriftung des Titels der Arbeit auf der Vorderseite. Um ein Uhr geht es um häusliche Gewalt; um zwei Uhr um Brustkrebs; um drei Uhr um Abtreibungsrechte und Sicherheit; um fünf Uhr um AIDS; um acht Uhr um Kindstod.
Aber das kraftvollste Werk in diesem Stand von LA’s Luis De Jesus ist ihre dreiteilige Installation Slave Ready: Corporate (1991–93). In der Mitte befindet sich ein gestreifter Frauen-Business-Rockanzug; Smith hat die Ränder mit Stahlwollpolstern versehen, ein Kommentar dazu, wie von Frauen erwartet wurde, auch während dieser Ära häusliche Arbeit zu leisten, selbst wenn sie auf der Karriereleiter aufstiegen. Rechts davon befindet sich ein weiteres Uhrenstück mit einer Frau, die ihren Finger hebt und sagt „Just a Minute, Please“, während links eine von Smiths „Error Message“ -Malereien zu sehen ist, eine Serie, die die problematische Sprache in frühen Computersprachen darstellt, die um „Master-Slave“ -Eingabefunktionen herum aufgebaut waren. (In den 80er Jahren lernte Smith diese komplexen Sprachen.) Das Gemälde lautet einfach: SLAVE READY.
Miriam Inez da Silva bei Gomide & Co.
Diese Kabinett-Präsentation rückt Miriam Inez da Silva, eine brasilianische Künstlerin, deren Werk in den letzten Jahren dank einer großen Retrospektive und eines Katalogs von 2020 einer anderen brasilianischen Galerie, Almeida & Dale, neu überdacht wurde, ins Rampenlicht. Miriam, die ihren Vornamen verwendete, um patriarchale Hierarchien zu unterlaufen, wurde innerhalb der brasilianischen Kunstgeschichte lange marginalisiert, einige betrachteten sie als naive Künstlerin. Aber sie war eine aufmerksame Beobachterin der Veränderungen in der brasilianischen Gesellschaft während der Diktatur des Landes und in den Jahren nach ihrem Ende 1985. Obwohl sie bei Grupo Frente-Künstler Ivan Serpa (auch in Gomide & Co.’s Stand vertreten) am Museum für moderne Kunst in Rio de Janeiro studierte, richtete Miriam ihr Augenmerk auf ihren Heimatstaat Goiás in Zentralbrasilien und die dort stattfindenden sozialen, kulturellen und politischen Veränderungen, insbesondere für Frauen.
Ihre Gemälde synthetisieren Popkultur, Mythologie, Katholizismus und afro-brasilianische Religionen. Eines zeigt eine Frau und einen Mann im Bett, zusammen mit der Überschrift „Die Frau, die das Kissen zerrissen und die Nase ihres Mannes gebissen hat, weil sie von R. Carlos geträumt hat“, in Bezug auf den berühmten brasilianischen Sänger-Songwriter Roberto Carlos. Der Samba-Musiker Paulinho da Viola erscheint in einem anderen, mit Flügeln, während er unsicher auf einem Cavaquinho ruht. Ein anderes zeigt einen Hirten als Engel, der über einer Herde von Kühen fliegt, die er zusammen treibt, während mehrere Matrosen mit Meerjungfrauen interagieren. In einem zeigt ein nackter Adam und Eva im Garten Eden, mit einer Schlange zu ihrer Linken und einem Pfau zu ihrer Rechten, einen Heiligen auf einer Wolke haltend.
Agosto Machado bei Gordon Robichaux
Im Abschnitt Positions präsentiert Agosto Machado Schreine und Altäre für seine Freunde, die schon lange verstorben sind. (Das Museum of Modern Art hat kürzlich ein ähnliches Machado-Stück erworben.) Bei der Art Basel hat der Künstler eine Vielzahl persönlicher Gegenstände zusammengebracht, die er im Laufe der Jahrzehnte angesammelt hat, um bewegende Tributes an die Drag-Performerin Ethyl Eichelberger und einen gemeinsamen Tribut an drei Warhol-Superstars, Candy Darling, Holly Woodlawn und Jackie Curtis, zu schaffen. In diesen dichten Installationen hat Machado Textilien, Gebetskarten, Streichholzschachteln von Orten, an denen er mit ihnen aufgetreten ist, Bücher über ihre Leben, ihre Bilder (einige von ihnen von Peter Hujar), eine Kompakthülle, I Ching-Karten, Fächer, Masken, U-Bahn-Tokens, Schmuck, Troddeln und Kunstwerke von Thomas Lanigan-Schmidt, Uzi Parnes, Steve Dalachinsky und Bruce Eyster arrangiert.
Das faszinierendste der ausgestellten Werke ist jedoch ein neues Werk, Desire (Altar), das unter anderem einen Rosenkranz und Gebetskugeln, eine Schachtel mit Amylnitrit (frühe Poppers, die in einem Behälter zum Zerbrechen kamen) und ein Gemälde eines nackten Männeroberkörpers von Bill Rice zeigt. Machado hat einen gelben Stoff mit roter Schrift über die rechte Seite des Gemäldes gelegt, auf der ein Bild des muskulösen Mannes zu sehen ist, der einen Blowjob erhält. Diese Bescheidenheit ist jedoch nicht für die Besucher der Art Basel gedacht; dieses Gemälde lebte jahrelang in Machados Wohnung, und er entschied sich irgendwann dafür, es zuzudecken. Machados Werke sind reich an queerer Geschichte, vieles davon wäre vergessen worden, wenn es nicht Ältere wie ihn gäbe, die sie am Leben erhalten haben. Die ergreifende Spannung zwischen Freude und Trauer, Liebe und Verlust, Heiligem und Profanem ist in diesen Werken spürbar. So etwas sieht man heutzutage auf den meisten Kunstmessen nicht.