„Romantik und Realität“ ist der Name, den das Yale Center for British Art der J. M. W. Turner-Umfrage gegeben hat, die seine leuchtende, lang erwartete Renovierung mit einweihen. Der Titel ist eine passende, wenn auch etwas offensichtliche Einführung in Turner, der als Vorreiter der modernen Kunst gefeiert wurde.
Wenn Menschen in den mehr als 75 Drucken und Gemälden zu sehen sind, die in diesem Museum in New Haven, Connecticut, ausgestellt sind, sind sie Punkte gegen eldritch Meere und grüne Aussichten. In einem mächtigen Aquarell des Vesuvs trinkt der Protagonist den weißglühenden Ausbruch ein, während andere fliehen, auch wenn es Zerstörung verspricht.
Im Museum im Stockwerk darunter treffen Turners romantische Visionen auf eine andere Romanze eines anderen Geschmacks in einer Tracey Emin-Show. Der Name von Emins Show lautet „Ich habe dich geliebt, bis zum Morgen“, und die Gemälde und Skulpturen zeigen ihren Körper in Beziehung zu denen, die ihm großen emotionalen Schaden zufügen können. Es gibt Werke, die ihren Ex-Liebhaber als blutige Abstraktion darstellen, die in ihre Lenden fließt. Emin selbst wird oft als Frenzy aus Brüsten und Beinen dargestellt, mit einem braunen Schmierfleck an ihrer Taille, der einen Urostomiebeutel darstellen soll, so der Studiokollaborator vor Ort gegenüber der Presse. Emins verstorbene Mutter ist das Thema der subtilsten und besten Werke der Show. Sie erscheint als dicker Nebel, der durch die Künstlerin zieht; das heißt, eine Erinnerung.
Das Yale Center for British Art war seit 2023 geschlossen und wird am 29. März wiedereröffnet. Es hat eine geschmackvolle Renovierung durchlaufen: Die Beleuchtung wurde erfrischt, aber ästhetisch unverändert, und die Neuinszenierung der ständigen Sammlung erzählt nun eine Geschichte des britischen Imperialismus, die seinen Opfern Würde verleihen soll. Dieses Museum hat immer ein außergewöhnliches Verständnis dafür gehabt, wie Realität und Romantik Erinnerungen formen und wie Erinnerungen zu Selbstmythologien werden, die die Geschichte formen, wenn sie in großem Maßstab eingesetzt werden.
Ihre atemberaubende Sammlung umfasst fünf Jahrhunderte britischer Kunst, von Staatsporträts über verherrlichende Darstellungen, Provinzszenen und Landschaften bis hin zu zeitgenössischen Stücken, die strategisch verteilt sind. Innerhalb der Galerien gibt es beispielsweise ein frühes Porträt einer stillenden Adligen, das in der Nähe einer großen Abstraktion von Cecily Brown aus dem Jahr 2019 mit herumtollenden Pferden und Hunden installiert ist.
Das Highlight des Stocks, abgesehen vom Salon-Stil-Flur, war Francis Harwoods Büste eines Mannes (ca. 1758), ein schwarzer Kalkstein, der einen versklavten Mann darstellt, eine Seltenheit für die Zeit angesichts des Themas und des Materials. Ein Lob gebührt den Kuratoren: Sie haben die Büste von der Wand weg und in die Mitte des Raumes verschoben, wo sie so positioniert ist, als ob sie auf eine Szene von Arbeitern in London blickt. Diese Installation zeigt das raue, konkave Innere der Skulptur, wo Harwoods Hand sichtbar wurde.
Es ist nicht immer der Fall in britischen Sammlungseinrichtungen, aber die Kuratoren des Yale erkennen diese Mythologien für das, was sie sind – dies ist keine nostalgische Hommage an ein vergangenes Imperium, und die Wandtexte wurden entsprechend neu geschrieben. Der Kolonialismus wird expliziter hervorgehoben, und statt die Nationalität oder Rasse eines Künstlers zu betonen, betonen die Bildunterschriften nun die Regionen, in denen die Künstler aktiv waren.
Ein Großteil der ständigen Ausstellung verläuft chronologisch, mit scharfen, gut platzierten Anspielungen auf die britische Handelsgeschichte und ihre Beteiligung am transatlantischen Sklavenhandel. Edward Lears monumentales Gemälde Kangchenjunga von Darjeeling (1812) zeigt den Himalaya-Pfad, den buddhistische Teepflücker frequentierten. Es ist atemberaubend in seiner Größe und Detailtreue und steht einem Gemälde von William Daniell gegenüber, das den Teeanbau in China darstellt. Das Gebäude hat einen symmetrischen Grundriss und ein offenes Inneres mit breiten Fenstern, so dass man beim Gang durch die Galerien immer sehen kann, wo man war.
Die Direktorin des Yale Center for British Art, Martina Droth, sprach auf der Pressevorschau von einer „empathischen Resonanz“ zwischen der Sammlung und ihrem Gebäude, das vom in Estland geborenen amerikanischen Architekten Louis I. Kahn entworfen und 1977, drei Jahre nach seinem Tod, für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. (Auf der gegenüberliegenden Chapel Street, der historischen Handelsstraße in New Haven, befindet sich Kahns erstes großes Projekt, die Yale University Art Gallery.) Kahns Original-Halogenbeleuchtung wurde durch umweltfreundliche LEDs ersetzt. Darüber hinaus wurden seine Acryldomkuppeln durch robusteres Material ersetzt, das Kahns Wabenmuster beibehält. Seine zentrale Treppe befindet sich in einem Betonsilo, in dem das reflektierende Sonnenlicht über die Wände flimmert.
Ich empfehle, nach dem Besuch der Sammlungsräume zur Turner- und Emin-Show zurückzukehren und sich diese noch einmal anzusehen. Die Show von Emin, einer neu ernannten Dame in England, wirkt nach dem Betrachten der Werke von Mary Beale und Issac Sailmaker, deren Gemälde einer Frau mit fast nackter Brust und der Besetzung von Barbados exemplarisch für die Spannung zwischen der Krone und dem sich entwickelnden sozialen Bewusstsein des Volkes stehen.
Das Jahrhundert vor Turner war schließlich eine turbulente Zeit. Die großen Fragesteller der englischen Renaissance, Bacon, Hobbes und ihre Kollegen, ermutigten zu einer existenziellen Suche. Diese Vorstellungen von Nonkonformität wurden direkt von verschiedenen religiösen Führern antagonisiert, während der Bürgerkrieg (1642–51) das britische Monolithen erschütterte. Nicht dass die Galerien des Centers eine Parade von avantgardistischer Skulptur und Abstraktion sind; das kommt später. Basierend auf dieser Darstellung entfaltete sich die Renovierung des englischen Empfindens auf subtile, aber stetige Weise, ganz wie die Majestät der Architektur von Kahn.
Die Neuinszenierung ist locker thematisch: Im Salon-Stil-Korridor gibt es Gruppierungen von Hunden und Pferden, religiöser Ikonographie (am besten von William Blake, der später in einer Einzelausstellung im Mittelpunkt stehen wird), unter anderem. Die größte kuratorische Herausforderung bei dieser Neuinszenierung war wahrscheinlich der Bereich, der den Wohltätern des Centers gewidmet ist, von denen viele am Sklavenhandel oder an Handelsrouten beteiligt waren. Salons haben aus Designgründen keine Wandtexte, sodass der Kontext größtenteils online verfügbar ist. Hoffentlich bietet das Center zumindest für das Porträt des Hauptgönners des Centers, Paul Mellon, unmittelbar zugänglichen Text, das Bilder von versklavten Kindern enthält. Die Institution sagte, sie werde diesen Bereich regelmäßig aktualisieren, und die Sonderausstellungen geben einen Einblick in die Art und Weise, wie ihre Kuratoren das Gespräch vorantreiben können.
Einst ein enfant terrible war Emin in den 90er Jahren für Skulpturen und Aufführungen bekannt, die die emotionale Belastung erotischer Begegnungen erforschten. Diese Show legt einen Schwerpunkt auf ihre wenig erforschte Malpraxis, die sich zuletzt auf die psychische Unruhe konzentriert, die durch die Diagnose von Blasenkrebs im Jahr 2020 verschärft wurde. Die Show ist kein Überblick, eher ein Nachholen, und wird als ihr erster institutioneller Auftritt in Nordamerika angekündigt. Einige Leinwände sind bittersüß – Werke über den Tod ihrer Mutter, Erinnerungen an Vergnügen – andere wütend. Sexuelle Gewalt wird nicht dargestellt, aber ihr Geist spricht durch die zitternden Silhouetten und die heftigen Striche und Spritzer von Farbe.
Obwohl mehr als ein Jahrhundert voneinander getrennt, sind Emin und Turner teilweise durch die Geografie vereint: Beide verbrachten Zeit in Margate, der Küstenstadt, in der Turner in den 1830er Jahren arbeitete und in der Emin in den 1960er und 70er Jahren aufwuchs. In Margate experimentierte Turner mit Materialien wie Stoff, Messern und sogar Brot, um die gefleckte Topographie seiner Gemälde zu schaffen. Die Show erstreckt sich über mehr als 30 Jahre und umfasst seinen gesamten künstlerischen Bogen und enthält einige Raritäten, darunter Drucke, die er kommentierte und einen Überblick über den Prozess, den er zur Herstellung verwendete, geben (wenn man seine Handschrift lesen kann).
Vielleicht wirkt so viel Turner auf seine Kritiker zuckersüß. Kann nicht sein; es gibt Befreiung darin, von gleichgültigen Weiten klein gemacht zu werden. Das ist es, was Turner und Emin beide verstehen: Ehrfurcht zu haben ist ein Akt der Unterwerfung. Staffa, Fingals Höhle (um 1831–32), mein Lieblings-Turner in der Ausstellung, zeigt brodelnde Wellen, die in etwa in der Mitte der Leinwand brechen. Dies lenkt den Blick des Betrachters auf einen unerbittlichen Horizont, obwohl gerade jenseits seiner Kante – Sonnenaufgang.