Walter Robinson, dessen einzigartige Gemälde und prägnante Schriften ihn zu einem Eckpfeiler der New Yorker Kunstszene machten, ist im Alter von 74 Jahren verstorben. Sein Tod wurde auf Facebook von seinem Bruder John Robinson bestätigt. Am X berichtete die Kritikerin Deborah Solomon, dass Robinson an Krebs gestorben sei.
Robinson war ein Gigant in New York – eine Person, deren Kunst von vielen bekannt war, die mit einer Vielzahl berühmter Künstler befreundet war und deren Schreiben zu einem Zeitpunkt von praktisch allen gelesen wurde, die in der Kunstwelt der Stadt wichtig waren. Obwohl er keinen Namen hatte, prägte er leise die New Yorker Kunstgemeinschaft, indem er ihre Geschehnisse mit Witz und Eleganz dokumentierte.
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Mit seinen Gemälden leistete er einen wichtigen, wenn auch wenig bekannten Beitrag zur Bewegung der Pictures Generation der 1970er und 80er Jahre, die Bilder aus der Populärkultur in die Kunst einführte. Mit seinem Schreiben schuf er eine neue Art, die Kunstgeschichte von New York zu erzählen, die nicht nur das zeigte, was innerhalb der Galeriewände gezeigt wurde, sondern auch das, was um all diese Arbeit herum geschah, mit Gedanken zu Eröffnungen, Partys und dergleichen.
Er wurde 1996 zum Gründungsherausgeber der ersten Ausgabe des Artnet-Magazins. Er malte Burger, TV-Dinner und die Cover von Groschenromanen, darunter eins für eine Ausgabe von ARTnews aus dem Jahr 2016 über Kunstverbrechen. Und bis zum Schluss blieb er ein Mann über die Stadt.
Obwohl Robinson während der 80er Jahre von wichtigen Galerien wie Metro Pictures ausgestellt wurde, begann seine Kunst erst in den letzten zwei Jahrzehnten neue Aufmerksamkeit zu erhalten, unter anderem durch eine von Barry Blinderman kuratierte Retrospektive in Jeffrey Deitchs New Yorker Galerie. Anlässlich dieser Ausstellung von 2016 nannte Kritiker Peter Schjeldahl Robinson nachdrücklich „einen Manet der heißen Babes und einen Morandi der McDonald’s-Pommes und Budweiser-Bierdosen, magnetisiert von seinen Motiven, während er seinen Pinsel der generischen malerischen Beschreibung widmet“.
Trotz all dieser jüngsten Lobeshymnen blieb Robinson bescheiden über seinen kritischen Erfolg. „Für mich ist es immer eine Herausforderung, ein Gemälde gut aussehen zu lassen“, sagte er 2016 der Guardian. „Wenn Sie sich Gemälde in einem Museum ansehen, sehen neun von zehn aus, als ob der Künstler einfach magisch war. Aber ab und zu sehen Sie einen Künstler – Matisse ist mein Lieblingsbeispiel -, bei dem es aussieht, als ob er viele Schwierigkeiten hat. Viele Male in einem Matisse können Sie sehen, dass es ausgearbeitet wurde. Es sieht ungeschickt aus, obwohl es fabelhaft aussieht. Ich fühle mich mehr wie diese Art von Künstler. Wenn es beim ersten Mal gut aussieht, ist es nur Glück. Den Rest der Zeit kämpfe ich.“
Walter Robinson wurde 1950 in Wilmington, Delaware, geboren. Er wuchs in Tulsa, Oklahoma, auf und kam 1968 nach New York, um an der Columbia University zu studieren. Offiziell konzentrierte er sich auf Psychologie und Kunstgeschichte. Inoffiziell waren seine Hauptfächer „Kiffen und Mädchen jagen“, wie er einmal in einem Profil von 2012 Gallerist NY sagte.
Brian O’Doherty, ein Künstler, der als Redakteur bei Art in America diente, nahm Robinson und zwei andere Studenten der Columbia – eine davon war Edit DeAk, selbst eine aufstrebende Kritikerin – unter seine Fittiche und begann, sie mit der Verfassung von Rezensionen zu beauftragen. Mit DeAk und Joshua Cohn zog Robinson in ein Loft in Tribeca und schrieb sich in das Independent Study Program des Whitney Museum ein.
Dann gründete das Trio Art-Rite, ein Kunstmagazin, das Robinson als Gegensatz zur „erwachsenen“ Sensibilität von Artforum, damals die führende Publikation für Kunstkritik, bezeichnete. Ed Ruscha, Pat Steir und andere machten Projekte für Art-Rite, dessen Druck teilweise durch Ausrüstung ermöglicht wurde, die von der Jewish Weekly verwendet wurde, der Zeitung, bei der Robinson tagsüber als das „Bürosgoy“ arbeitete. (Robinson wurde entlassen, als ein Kollege entdeckte, wie Art-Rite gestaltet wurde.) Robinson begann, einen gewissen Ruf in der New Yorker Szene zu erlangen. „Er hat jedes Mädchen in der Kunstwelt in den 70ern gefickt“, sagte der Kritiker Carlo McCormick zu Gallerist NY.
Robinson begann mit Filmen, wechselte aber schnell zur Malerei und übertrug die noirhaften Frauen und waffenführenden Männer der Groschenromane auf die Leinwand. Dies war zu dieser Zeit ein ungewöhnlicher Schritt: Viele seiner Kollegen liehen sich ebenfalls Bilder aus den Medien für ihre Arbeit aus, aber fast alle anderen betrieben Fotografie, ein Medium, das sowohl expliziter mit ihren Vorlagen verbunden war als auch weniger mit dem Markt zu tun hatte. Robinson verlieh seiner Arbeit jedoch eine andere Art von konzeptioneller Basis durch seinen Prozess, der nicht auf traditioneller Ausbildung, sondern auf dem Lernen basierte, das in Amateurmalbüchern verfügbar war.
1980 stellte Robinson seine Kunst in „The Times Square Show“ aus, einer legendären Gruppenausstellung in einem Nagelstudio, die eine kämpferische Sensibilität kristallisierte, die zu dieser Zeit in New York aufkam. 1982 hatte Robinson seine erste Ausstellung bei Metro Pictures, der New Yorker Galerie, die Cindy Sherman und Richard Prince zu Ruhm verhalf. Danach hatte er mehrere weitere New Yorker Einzelausstellungen bei Metro Pictures und anderen Galerien und malte Themen wie Vaselineflaschen.
Die Gemälde sind pinselig und blass und scheinen auf eine Unzufriedenheit mit kommerzialisierten Produkten wie diesen hinzuweisen. Aber sie zeigen auch eine Bewunderung für typisch amerikanische Bilder und eine tiefgreifende, echte Besessenheit davon.
Arbeit von Walter Robinson bei der Ausgabe 2023 von Art Basel Paris.
Foto Foc Kan/WireImage
1986 begann er, TV-Dinner zu malen, die er in den gleichen gedämpften Tönen wie sein sonstiges Material darstellte. Dann hörte er eine Weile auf, seine Gemälde auszustellen. „Ich dachte nicht, dass sie gut waren“, sagte er dem Guardian. Seine Gemälde, die einst eine stetige Folge von Käufern fanden, verkauften sich nicht mehr so gut.
Zu dieser Zeit hatte er einige Jahre zuvor Beatrice Smith gedatet und erfahren, dass sie AIDS hatte; sie heirateten 1988 vor ihrem Tod. Gemeinsam adoptierten sie eine Tochter, Antonia, und Robinson malte sie beide. Robinson war insgesamt viermal verheiratet. Zum Zeitpunkt seines Todes war er mit Lisa Rosen verheiratet, mit der er 2000 verheiratet war, mehr als 20 Jahre nachdem sie sich 1979 nach einem Treffen im Mudd Club zunächst verabredet hatten.
Ab 1993 begann Robinson mit Cathy Lebowitz und Paul H-O an GalleryBeat zu arbeiten, einer öffentlich zugänglichen TV-Show, die eine schärfere Einschätzung der Kunstwelt bot als in Magazinen oft zu finden war. Sie nahmen sich in Galerien auf, sprachen oft derb über die ausgestellte Kunst. In einer Folge bezeichnet Robinson die Angebote der Dia Art Foundation als „Bullshit“ und „das Schlimmste an zeitgenössischer Kunst – elitär, snobistisch und dumm“.
1996 begann Robinson bei Artnet, wo er begann, täglich zu schreiben. Die schnellere Art der Kritik zu verfassen, war für ihn interessanter: „Ich habe das tägliche Schreiben viel mehr genossen, weil es mehr Energie gab“, sagte er einmal der Brooklyn Rail. Er blieb dort bis 2012.
Auch nach seinem Abschied von Artnet schrieb Robinson weiterhin scharfsinnige Kritiken, in denen er 2014 den sogenannten Zombie-Formalismus auf den Punkt brachte. Für Artspace schrieb er über eine marktgetriebene Obsession mit Abstraktion, bei der Händler und Künstler einfach auf bereits vorhandene ästhetische Trends aufsprangen, indem sie sie wiederbelebten, ohne dabei etwas Neues zu schaffen. Der Essay wettert gegen Blue-Chip-Geschmack und endet mit einem bitteren Hinweis: „Macht Sie das wütend? Nun, Leidenschaft kann im Kunstgeschäft eine gute Sache sein. Lassen Sie sie nur nicht davon abhalten, sich der Gewinnerseite anzuschließen.“
Das letzte Jahrzehnt brachte Robinson in New York mehr Ruhm ein als je zuvor: Seine Werke wurden vom Whitney Museum erworben, die Vito Schnabel Gallery zeigte seine Kunst, und die sozialen Medien weiteten seine Reichweite aus. (Robinson war Benutzer vieler Plattformen; einer seiner letzten Facebook-Beiträge, vom Januar, sprach beißend von „Trump’s blithering MAGA brain“.) Er begann, KI in seine Gemälde einzubeziehen, und er erregte damit Faszination.
Dennoch bewahrte er seine Bescheidenheit, auch wenn mehr Menschen ihn bemerkten. In seinem Profil von 2012 Gallerist NY nannte er sich selbst eine „welkende Blume“.