Fred Eversley, ein Bildhauer, der seine wissenschaftliche Ausbildung in Kunst umgewandelt hat, starb am 14. März in New York im Alter von 83 Jahren. Ein Sprecher der David Kordansky Gallery, die 2018 die erste Galerie war, die ihn vertrat, bestätigte seinen Tod und sagte, dass er unerwartet nach einer kurzen Krankheit verstarb.
Eversley wird am häufigsten mit der Light and Space-Bewegung in Verbindung gebracht, einer losen Gruppe von Bildhauern, die in den 1970er Jahren in Kalifornien berühmt wurden. Wie seine Kollegen De Wain Valentine und Larry Bell schuf er glatte Abstraktionen aus industriellen Materialien.
Aber während sich diese Künstler in ihrer Arbeit auf Wahrnehmung und Transzendenz konzentrierten, wurde Eversley nach seinem Ausscheiden aus seinem Ingenieurjob bei Wyle Laboratories, die Dienstleistungen für die National Aeronautics and Space Administration (NASA) erbrachten, Künstler. „Spirituell ist ein lustiges Wort“, sagte Eversley 2024 gegenüber Art in America und reagierte auf wiederkehrende Berichte von Kritikern, die überirdische Begegnungen mit seiner Arbeit beschrieben haben. „Ich spreche nicht wirklich so.“
Stattdessen interessierte er sich mehr für die Darstellung wissenschaftlicher Themen: Schwarze Löcher, tote Sternenmaterie und Parabeln, deren bogenförmige Formen eine lebenslange Untersuchung für ihn darstellten, insbesondere.
Parabeln kommen in der Natur vor, und Eversley begann 1970 damit, sie zu skulptieren, kurz nachdem er Wyle Laboratories verlassen hatte, wo er der jüngste Ingenieur im Apollo-Programm war. Er begann bescheiden, indem er kleine Harzskulpturen herstellte, die auf einem Podest ruhen konnten. In Blau- und Lilatönen gegossen, zeigen diese Skulpturen eine hochglänzende Finish-Fetisch-Ästhetik, die während seiner Zeit in Los Angeles weit verbreitet war. Aber trotz ihrer üppigen Oberflächen unterscheiden sich Eversleys Skulpturen aufgrund ihrer wissenschaftlichen Grundlage deutlich von nahezu allen anderen Finish-Fetisch-Kunstwerken.
Am Ende seiner Karriere begann Eversley, seine Werke zu vergrößern, wobei eine der größten, eine 12 Fuß hohe Harzskulptur, 2023 in New York inszeniert wurde, wohin er vier Jahre zuvor dauerhaft umgezogen war. Mit dem Titel Parabolic Light war es eine transparente Struktur, die hoch von einem Podest in der Nähe des Central Parks aufragte, wobei ihre Magentatöne sie von der grünen Umgebung abhoben.
Fred Eversleys New Yorker Studio. Christopher Garcia Valle/Art in America
Eversley hat kürzlich einen noch größeren Auftrag abgeschlossen: eine Skulptur, die in einem Brunnen in West Palm Beach, Florida, installiert wurde. Besteht aus acht zylindrischen Formen, die 17 Fuß in die Luft schießen, wird sie den Säulen der nahe gelegenen First Church of Christ, Scientist, die vom afroamerikanischen Architekten Julian Abele entworfen wurde, huldigen. Aufgrund des Klimas in Florida konnte Eversley das Stück nicht mit seinem typischen Harz herstellen, aber er nahm die Herausforderung an. „Meine Zukunft ist Edelstahl“, sagte er Art in America und begann zu lächeln.
Frederick Eversley wurde 1941 in Brooklyn, New York, geboren. Sein Vater, ein Barbadier von Geburt, war Luft- und Raumfahrtingenieur; seine Mutter arbeitete als Lehrerin und leitete den Elternbeirat. Eversley neigte früh zu den Formen, die er Kunst nennen würde. Inspiriert von einem Artikel über Isaac Newton in Popular Mechanics ging der jugendliche Eversley in das Kellerlabor seines Vaters, stellte eine mit Jell-O beladene Kuchenform auf einen Plattenspieler und ließ ihn drehen. Es entstand eine parabolische Vertiefung, die den Weg für viele Skulpturen ebnete, die folgen sollten.
Aber damals war sich Eversley nicht bewusst, dass dies ein kreativer Akt war – er dachte hauptsächlich, dass er ein wissenschaftliches Experiment durchführte. Dennoch hinterließ die Geste einen bleibenden Eindruck. „Mein Engagement und meine Konzentration über all die Jahre rühren von meinem Glauben her, dass Energie die Quelle von allem in der Welt ist“, sagte er Artforum 2022. „Nichts existiert ohne Energie. Es ist das grundlegendste Konzept für die Grundlage allen Lebens. Also habe ich einfach versucht, diese Idee so weit wie möglich zu treiben.“
Er besuchte das Carnegie Mellon, wo er Elektrotechnik studierte, nicht Kunst, und wurde der einzige schwarze Student in diesem Programm. 1963 halfen ihm Verbindungen durch eine Bruderschaft, seinen Job bei Wyle zu bekommen, wo er schließlich an den Apollo-Missionen arbeitete.
In Kalifornien sah sich Eversley weiterhin mit Rassismus konfrontiert – ein Vermieter weigerte sich, ihm eine Wohnung zu vermieten, weil er schwarz war. Schließlich fand er ein Zuhause in Venice Beach, der Stadt, in der er einen Großteil seiner Karriere verbrachte. Seine Rasse würde ihn später von seinen zukünftigen Kollegen der Light and Space-Bewegung unterscheiden, die alle weiß waren.
Aber seine Zeit in Kalifornien in den 60er Jahren erwies sich auch als fruchtbar. Schon bevor er Künstler wurde, konnte er Künstlern wie Larry Bell technische Ratschläge geben, die schließlich zu seinem Kollegen wurden.
Eversleys Karriereweg änderte sich 1967, als sein Auto auf dem Heimweg von der Arbeit in einer Nacht über einen Abhang stürzte. Er brach sich den Oberschenkel und musste 13 Monate lang mit Krücken gehen, was ihn zwang, sich von der Arbeit freizunehmen. Während seiner Krankenzeit begann er, im Dachgeschoss des Künstlers Charles Mattox mit Polyesterharz herumzuspielen, dessen Farbpigmente Eversley letztendlich in diesen frühen Stücken verwenden würde.
Er begann sich als Künstler zu betrachten und übernahm 1969 das Atelier seines Mentors John Altoon, der in diesem Jahr verstarb. Ein Durchbruch kam in diesem Jahr, als Eversley die Töpferscheibe von De Wain Valentines Frau Kiana benutzte, um seine Skulpturen herzustellen, wobei er anstelle seiner Hände eine Form verwendete, um die Parabeln zu formen.
Frühzeitig interessierten sich Kritiker, Künstler und Händler für Eversley. Auf Anraten von Robert Rauschenberg begann Eversley, in New Yorker Galerien Fuß zu fassen – Leo Castelli war eine solche Verbindung, und obwohl er Eversley nie eine Ausstellung anbot, rettete er Eversley schließlich vor dem Ertrinken, nachdem Rauschenberg den verletzten Künstler in einen Pool gestoßen hatte. Die bekannten Galerien Phyllis Kind und OK Harris zeigten ebenfalls seine Kunst; Händlerin Betty Parsons war eine der ersten, die eine seiner Skulpturen kaufte. Marcia Tucker, damals Kuratorin im Whitney Museum in New York, gab ihm 1970 seine erste Museumsausstellung.
Aber erst 2018 erhielt er eine offizielle Galerievertretung, als er sich mit David Kordansky zusammentat. Auf die Frage von Kritikerin Linda Yablonsky 2023 antwortete Eversley nur mit einem Wort: „Diskriminierung.“
In den 70er Jahren waren Kritiker und Künstler geteilter Meinung über die Vorzüge seiner Kunst. Ein Artforum-Rezensent aus dem Jahr 1970 bezeichnete eine linsenförmige Skulptur als „ein riesiges Modeschmuckstück, das sich aber zumindest voller Schönheit ergibt.“
In der Zwischenzeit beschäftigten sich schwarze Künstler zu dieser Zeit mit dem Projekt, eine schwarze Ästhetik zu definieren, von der einige behaupteten, sie solle offen politisch sein. Eversley äußerte sich nicht explizit zu den Fragen seiner Zeit und schrieb in einer Erklärung von 1978, dass er sich darauf konzentrierte, „die komplexe Natur der Realität, sowohl physisch als auch sozial, wahrzunehmen und durch diese Wahrnehmungen neue Arten subjektiver Bedeutungen zu bilden.“ Während dies Eversleys Arbeit für manche einmal spaltend gemacht haben könnte, lobte der Kunsthistoriker Darby English den Künstler 2016 für seine Fähigkeit, „die konzeptionelle Blase zu durchbrechen, die der schwarze Künstler hätte festigen sollen.“
Die Ausdehnung seiner Arbeit könnte auch ein Grund dafür sein, dass sie in so vielen Kontexten erschienen ist. Sie wurde in Kunstmuseen und Flughäfen gezeigt, wobei seine öffentliche Skulptur außerhalb des Miami International Airport zu den von ihm am meisten geliebten Stücken der Öffentlichkeit zählt. Sie wurde in Umfragen über den Minimalismus, die kalifornische Kunstgeschichte, die Kunst im Zeitalter der Black Power und die Kunst- und Wissenschaftsüberschneidungen allein in den letzten beiden Jahrzehnten gezeigt. Das Orange County Museum of Art organisierte 2022 eine Übersicht seiner Skulpturen aus den 1970er Jahren, eine Hommage an die Einzelausstellung des Künstlers aus dem Jahr 1976.
Dennoch schien er unbeeindruckt von seinem jüngsten Erfolg in der Kunstwelt zu sein und führte ein bescheidenes Leben mit seiner Frau Maria Larsson in seinem New Yorker Studio. Bis zum Schluss erkundete er weiterhin die gleichen Themen, die er immer hatte. „Die Skulptur muss den Betrachter aus der Ferne anziehen, damit er die inneren Dimensionen erkunden und sich um das Werk bewegen möchte“, sagte er in einem Interview mit der Brooklyn Rail 2023. „Sie sollten von dem, was sie sehen, so fasziniert sein, dass sie näher heran wollen und mehr entdecken möchten.“