In diesem Jahr haben Ausstellungen auf der ganzen Welt die Schwarze Kultur hervorgehoben und das Schwarze künstlerische Vorbild gefeiert, etablierte Künstler neben solchen, die am Anfang ihrer Karriere stehen. Von der Schweiz und Kapstadt über Fort Worth bis Philadelphia führten sie uns durch das Schwarze kunsthistorische Kanon, lieferten Kontext und fügten neue Charaktere in die moderne und zeitgenössische Kunstgeschichte ein. Durch die Ausstellung der Bandbreite und Vielfalt des Schwarzen Erzählens in verschiedenen Formen, von Collagen über Figuration bis hin zu Video und Installation, haben uns diese Shows geholfen zu verstehen, dass Schwarze Kultur kein Monolith ist. Ein genauer Blick auf die Schwarze Kunst auf diese Weise entwickelt die Wissenschaft und erkennt angemessen die Beiträge der Schwarzen Kunst zum größeren Kanon an, positioniert sie prominent auf der Weltbühne.
„Die Zeit ist immer jetzt: Künstler rahmen die Schwarze Figur neu“
Der Titel dieser Ausstellung stammt aus einem Zitat von James Baldwin: „Es gibt niemals eine Zeit in der Zukunft, in der wir unser Heil finden werden. Die Herausforderung liegt im Moment, die Zeit ist immer jetzt.“ Die Ausstellung, die derzeit im Philadelphia Museum of Art zu sehen ist (bis 9. Februar 2025), zielt darauf ab, die Vielfalt des Schwarzen zeitgenössischen Lebens durch eine visuelle Kunstlinse darzustellen. Mit mehr als 60 zeitgenössischen Werken von 22 britischen und amerikanischen Künstlern wie Amy Sherald, Michael Armitage und Claudette Johnson zeigt die Ausstellung keine Porträts, sondern Figurationen. Ihr Titel erkennt die Dringlichkeit der Kunst in der Gegenwart und wie sie sowohl den zeitgenössischen Moment als auch die Zukunft des Kanons beeinflusst. Die Ausstellung wurde ursprünglich in der National Portrait Gallery in London gezeigt.
„Giants: Kunst aus der Dean-Sammlung von Swizz Beatz und Alicia Keys“
Mit viel Aufsehen konfrontiert, hebt „Giants“, derzeit im High Museum of Art in Atlanta bis zum 19. Januar 2025 zu sehen, die Arbeiten einiger der ikonischsten Praktiker der zeitgenössischen Kunst hervor, da Swizz Beatz (Kasseem Dean) und Alicia Keys, Stars als Musiker, Kunstwerke aus ihrer Sammlung teilen. Die 98 Stücke repräsentieren 37 Künstler aus den Vereinigten Staaten sowie Europa und Afrika. Die meisten sind großformatig, daher bezieht sich der Titel der Ausstellung nicht nur auf die Größe der Vision der vorgestellten Künstler, sondern auch auf die Größe der Kunstwerke selbst. Enthalten sind Gemälde von Kunststars wie Nina Chanel Abney, Titus Kaphar und Kehinde Wiley sowie eine großzügige Spende von Fotografien von Gordon Parks, Deana Lawson und Jamel Shabazz. Die Ausstellung wurde ursprünglich im Brooklyn Museum of Art gezeigt.
„Vielfalt: Schwarze in der zeitgenössischen amerikanischen Collage“
Als erste Ausstellung ihrer Art, die der Collage gewidmet ist, zeigte „Vielfalt“ die komplexe Natur der Schwarzen Identität durch 80 Kunstwerke von 52 intergenerationalen Künstlern. Indem sie historische und zeitgenössische Fragen betreffend das Schwarze Leben ansprachen, traten die Künstler über einschränkende Grenzen hinaus und übertrafen die allgemeine Vorstellung von Collage als geklebtem Papier, indem sie verschiedene Medien nutzten, um dynamische Kunstwerke zu schaffen. Wie es für das historische Überleben der Schwarzen typisch ist, gaben diese Künstler alten Materialien auf fesselnde Weise neues Leben. Die Ausstellung zeigte bekannte Collagisten wie Wangechi Mutu und Deborah Roberts, überraschenderweise aber auch Collagen von Kerry James Marshall und Radcliffe Bailey. Diese Kunstwerke setzen das bahnbrechende Erbe der Collage-Innovatoren Picasso, Braque und Bearden fort. Die Ausstellung wurde zunächst im Frist Art Museum in Nashville gezeigt und reiste dann zum Museum of Fine Arts, Houston, und der Phillips Collection in Washington, D.C.
„Wenn wir uns sehen: Ein Jahrhundert Schwarzer Figuration in der Malerei“
Der Titel dieser Ausstellung stammt von der Ava DuVernay Miniserie „When They See Us“, über die falsche Verurteilung der Central Park Five. Indem sie „sie“ in „wir“ änderten, änderten sie die Perspektive von Tragödie zu Triumph. Anstatt von Kolonialismus, Rassismus und Gewalt konzentrierte sich die Show auf Gemeinschaft, Stärke und Freude. Die Ausstellung umfasste 150 Werke von 120 Künstlern aus Afrika und der Diaspora, wie Toyin Ojih Odutola, Kehinde Wiley und Lynette Yiadom-Boakye, zusammen mit neueren Namen; zusammen repräsentieren sie ein Jahrhundert Kunstschaffen in den Bewegungen Negritude, Panafrikanismus und Black Lives Matter. Die Ausstellung pries die Schwarze Freude als politische Macht an und verkündete den Triumph über Unterdrückung, indem sie ähnliche Themen aus verschiedenen Teilen der Welt fand. Die Ausstellung wurde im Zeitz Museum of Contemporary Art Africa in Kapstadt konzipiert und reiste dann zum Kuntsmuseum Basel. Viele der Werke wurden zuvor noch nie in der Schweiz gezeigt.
„Die Harlem Renaissance und Transatlantischer Modernismus“
Die Ausstellung des Metropolitan Museum of Art mit Werken aus der Harlem Renaissance war die erste ihrer Art seit 1987, als das Studio Museum in Harlem „Harlem Renaissance: Art of Black America“ organisierte. Der letzte Versuch des Met, eine Ausstellung über Harlem abzuhalten, wurde nicht besonders hoch angesehen. Tatsächlich gab es Proteste gegen die Ausstellung „Harlem on My Mind“ im Jahr 1969, weil sie kaum Harlem-basierte Künstler überhaupt zeigte. Die diesjährige Ausstellung war eine willkommene Veränderung, die die Ethik der Harlem Renaissance als kosmopolitische Bewegung widerspiegelte, die reich an der neuen Energie Schwarzer Menschen war, die vom Süden in die nördlichen, mittleren und westlichen Städte migrierten. Die 160 Werke, die in der Ausstellung enthalten waren, zeigten, wie Schwarze Künstler zentral für das Wachstum der modernen Kunst der 1920er bis 1940er Jahre waren, als die Bewegung gedieh und die Kunsthauptstadt sich von Paris nach New York verlagerte. Sie reisten auch nach Europa und mischten sich dort mit Künstlern, auch wenn sie in den Vereinigten Staaten am Rand existierten.
„Surrealismus und Wir: Karibische und Afrikanische Diasporakünstler seit 1940“
Mit mehr als 80 Kunstwerken von den 1940er Jahren bis heute war diese Ausstellung die erste intergenerationale Show, die jemals der karibischen und afrikanischen Diasporakunst gewidmet wurde. Ihr Titel war inspiriert von dem Essay „1943: Surrealismus und Wir“ von Suzanne Cesaire, Künstlerin und Frau von Aimé Césaire, einem der Gründer der Negritude-Bewegung. Die Ausstellung zeigte Arbeiten sowohl von Suzanne und Aimé als auch von Betye Saar, Kara Walker, Eldzier Cortor, Emory Douglas und Arthur Jafa und beinhaltete Malerei, Skulptur, Zeichnungen, Video und Installation. Der karibische Surrealismus wurde von den Césaires geleitet; in den Vereinigten Staaten arbeiteten Romare Bearden und Ted Joans – ebenfalls in der Show vertreten – im Genre über die Zeit ihrer europäischen Kollegen hinaus. (Obwohl der Surrealismus eine künstlerische Bewegung in Europa in den 1910er und 1920er Jahren war, wurde der Begriff Afro-Surrealismus erst 1974 von Amiri Baraka geprägt.) Die Show wurde im Modern Art Museum of Fort Worth aufgebaut.