Im Aldrich Contemporary Art Museum in Ridgefield, Connecticut, wird mit einer Gruppenausstellung der neue Skulpturengarten des Museums eingeweiht, mit Werken, die Fragen darüber aufwerfen, was Gärten waren und immer noch sein können.
Vielleicht mehr als jede andere Kunstform geben uns Gärten einen besonderen, materiellen Einblick in die Beziehungen zwischen Menschen und ihrer Umwelt. So schlug der renommierte Gartenhistoriker John Dixon Hunt vor, Gärten als „sophistiziert… absichtlich… und komplex in ihrer Mischung aus Kultur und Natur“ zu beschreiben. Gärten waren Orte der Darstellung einer immensen Macht über die Erde, wie zum Beispiel in Louis XIV Versailles, aber sie haben auch Räume des Widerstands geboten, wie in den Subsistenzgärten, die versklavte Menschen im amerikanischen Süden kultivierten. Die Ausstellung mit dem Titel „A Garden of Promise and Dissent“ im Aldrich setzt sich bewusst mit dieser Vielfalt von Gartenhistorien auseinander.
Rachelle Dangs Seedling Carrier (2019) spiegelt menschliche Versuche wider, die Natur auf globaler Ebene zu kontrollieren. Basierend auf Innovationen aus dem 18. Jahrhundert, die imperialen Entdeckern ermöglichten, lebende Pflanzenmaterialien auf jahrelangen ozeanischen Reisen zu transportieren, ist das Holz- und Aluminiumtragegestell von Dang mit zerbrochenen Töpfen gefüllt und von verstreuten keramischen Samenkapseln umgeben. Das vollständig in Weiß gehaltene, geisterhafte Erscheinen der Skulptur zeigt, dass trotz Bemühungen um Pflege und Kontrolle viele Pflanzen die Reise nicht überlebt haben.
Der globale Austausch erhält in den Arbeiten des guyanischen Künstlers Suchitra Mattai eine andere Bedeutung. In „The Intrepid Garden“ (2023) wird ein Wandteppich aus abgenutzten Saris durch dekorative Regale mit kleinen Skulpturen ergänzt, die auf europäischen Porzellanfiguren basieren und pastorale Fantasien einer harmonischen, mühelosen Beziehung zur Natur darstellen. Gegen die lebendigen Farben des Wandteppichs wirkt die grelle Weiße und zuckersüße Bildsprache der Skulpturen als Kommentar zum Erbe des britischen Kolonialismus in Guyana; aus Salz gegossen, verweisen sie auf den ozeanischen Transit, von dem der Kolonialismus abhängig war. Nach der Abschaffung der Sklaverei wurde Zucker von indischen verpflichteten Arbeitern angebaut, einschließlich Mattais Vorfahren, und der intrepid garden ruft auch die Degradierung des guyanesischen Bodens durch ausgedehnte Zuckerplantagen hervor.
Weitere zeitgenössische und kommerzielle Versuche, die Natur zu manipulieren, werden von Jill Magids Beitrag thematisiert. Magid untersucht die „Richards Function“, ein mathematisches Modell, das verwendet wird, um die Länge von Blumenstielen zu optimieren und ihr Wachstum mit den Anforderungen des Marktes zu koordinieren. Ihre Skulptur „A Model for Chrysanthemum Stem Elongation where y is 52“ (2023) ist 52 Zoll hoch, die maximale Höhe, die ein Chrysanthemenstiel erreichen kann und eine Maßeinheit, die dem Wert der Blume entspricht. In Neonlichtern gezeichnet, verstärkt das grelle, unnatürliche Medium der Skulptur die Künstlichkeit des Schnittblumenmarktes.
Die prominente Einbeziehung von Händen in zwei der Werke der Ausstellung erinnert uns daran, dass Gärten, was auch immer sie symbolisieren mögen, Pflege erfordern. Cathy Lus „Nuwa (Gold)“ (2023) ist eine Porzellanskulptur von Armen, die nach oben strecken, basierend auf der Muttergöttin Nuwa der chinesischen Mythologie. Die Figur ist mit Löchern versehen, in denen winzige Weintraubenstiele stecken, eine Anspielung auf die Rolle chinesischer Einwanderer bei der Kultivierung von Weinbergen im kalifornischen Sonoma Valley. Kelly Akashis „Life Forms (Labellum)“ (2023) zeigt die eigenen Hände der Künstlerin in Bronze gegossen, die eine Glasorchidee wiegen. Beim Glasblasen haucht Akashi buchstäblich Leben in ihre Kunst, wodurch die Wechselwirkung zwischen Körper und Boden betont wird, die die Gartenarbeit erfordert.
Die bewaldete Umgebung des Aldrich ist Teil einer langen Geschichte des Kolonialismus – Ridgefield war Schauplatz einer Reihe von Scharmützeln des Unabhängigkeitskrieges und liegt auf den angestammten Heimatländern der Wappinger und Munsee Lenape Völker – und die Ausstellung kritisiert nachdenklich einige anhaltende koloniale Orientierungen zur Umwelt. Dennoch widerspricht kein Teil des sozialen Kommentars dieser Ausstellung der Idee, dass ein Garten oft ein Ort des Vergnügens ist. Die ausgestellten Werke sind materiell üppig und visuell prächtig und erfreuen sich an den Möglichkeiten von Farbe und Textur, die die Natur bietet.
Dieser Treffpunkt von Vergnügen und Kritik erreicht einen instabilen Höhepunkt in Brandon Ndifes „Shade Tree“ (2022/2024). Ndife hat eine Vielzahl von Möbeln in mattgrauem Polyurethanharz gegossen und einladend im Garten des Museums arrangiert. Bei näherer Betrachtung enthalten die Skulpturen jedoch eine Reihe von beunruhigenden Zusammenstellungen, bei denen schwere Holztische auf zusammenklappbaren Feldstühlen ruhen. Die Schattenbäume des Titels verweisen auf die Umweltungleichheiten in städtischen Landschaften, die oft heißer sind als schattige, vorstädtische Enklaven; bezeichnenderweise, trotz der Bäume rund um das Gelände des Aldrich, stehen die Skulpturen auf der offenen Wiese, ungeschützt vor den Elementen. Ndifes Werk ähnelt einem Garten, der vertraut erscheint, aber voller geschichtlicher Schichten steckt. Um auf Hunts Begriffe zurückzukommen, ist es anspruchsvoll, absichtlich und komplex.