Xing Yu Liu ist ein dynamischer Multimedia-Künstler, dessen Arbeit Film, Fotografie und Theater umfasst. Mit einem Abschluss der Shaanxi Normal University in Radio- und Fernsehregie hat Liu eine Karriere aufgebaut, indem er als freiberuflicher Porträtfotograf und Reiseführer an Institutionen wie der National Gallery und dem Victoria and Albert Museum tätig war. Sein frühes Engagement beim FIRST International Film Festival und beim Management neuer Medien für eine Universitätstheatergesellschaft legte den Grundstein für eine kreative Reise, die auf den interkulturellen Dialog ausgerichtet ist.
Lius künstlerische Praxis hat ein breites Publikum angezogen mit Ausstellungen in London in Einrichtungen wie Fox Yard Studio, Capital Art Gallery und Hartslane Gallery. Gleichzeitig wurden seine Arbeiten im Theater und Film in chinesischen Produktionen gezeigt, von nachdenklichen Projekten wie The Old Woman Returns to Her Hometown bis hin zu bahnbrechenden Festivalvorführungen, die mehrere kulturelle Einrichtungen bereichert haben. Mit einem Gespür für erzählerische Details wagt Xing Yu Liu weiterhin Ausflüge in andere Bereiche, insbesondere in seiner neuesten Arbeit in der Serie Über Geheimnisse Über Innen.
Über Geheimnisse Über Innen ist eine beeindruckende Serie, die Geschichten über Verletzung und Transformation ans Licht bringt. Durch eindringliche Schwarz-Weiß-Aufnahmen fängt die Arbeit ein, wie subtile physische und emotionale Narben die Identität beeinflussen. Durch den Vergleich von Natur und Künstlichkeit setzt der Künstler das organische Wachstum des Tremella-Pilzes in einem Riss mit der unnachgiebigen Helligkeit des künstlichen Winterjasmins in Beziehung, eine Metapher für Wunden, die heilen, aber nie wirklich verschwinden. Durch die Analyse der unausgesprochenen Folgen einer Operation oder der gegenseitigen Verletzlichkeiten der Liebe lädt diese Serie das Publikum ein, über die dauerhaften, oft unsichtbaren Eindrücke nachzudenken, die Erfahrungen hinterlassen.
Winterjasmin zeigt künstliche Blüten in Schwarz-Weiß und erforscht die Beziehung zwischen Natur und Künstlichkeit. Diese Plastikversion einer Blume, die in China symbolisch für den Frühling steht, welkt weder noch blüht sie wirklich, sondern existiert in einem Zustand, der natürliche Zyklen widerlegt. Durch den Bezug auf das Erbe der Stilllebenfotografie verwandelt der Künstler diese synthetischen Blumen in eine Meditation über Beständigkeit, Authentizität und den Streben nach Schönheit.
Die monochrome Palette verstärkt diese Dissonanz. Entkleidet ihrer üblichen sonnigen Farbe werden die Blüten zu skulpturalen Formen, die an Robert Mapplethorpes Faszination für Texturen erinnern und Imogen Cunninghams Hingabe an lebendige Flora untergraben. Die bewusste Entfernung der Farbe durch den Künstler unterstreicht, wie diese Blüten nur Simulationen sind und betont unsere kollektive Fixierung darauf, Erscheinungen zu bewahren, anstatt die ephemeren Prozesse zu begrüßen, die Evolution, Transformation und Verfall definieren.
Indem er ein beliebtes chinesisches Symbol der Erneuerung übernimmt und es in Plastik einfriert, hinterfragt Winterjasmin die Kompromisse zwischen dauerhafter Perfektion und dem Glanz des natürlichen Lebens. Wie konzeptionelle Arbeiten von Ai Weiwei erkundet es kulturelle Identität, Massenproduktion und das unbehagliche Nebeneinander von reinster Natur und Menschheit. Das resultierende Bild steht als geniale Kritik am Verlangen, Zeit zu kontrollieren und Vergänglichkeit in eine zeitlose, idealisierte, ewige Blüte zu verwandeln.
Nach Gynäkologischer Operation präsentiert ein intimes Schwarz-Weiß-Foto, das den Bauch einer Frau hervorhebt und subtil die Überreste eines medizinischen Eingriffs zeigt. Dieser scheinbar einfache Rahmen trägt eine tiefgreifende emotionale Last und konfrontiert den Betrachter mit einem Tabu, das oft übersehen wird – den Narben von Frauen, physisch und psychisch. Die schützend über den Bauch gelegte Hand ruft die Verletzlichkeit der postoperativen Genesung hervor und spiegelt den stillen Schmerz und die starke Widerstandsfähigkeit wider, die auf lebensverändernde Ereignisse folgen.
In vielen Kulturen werden die Wunden von Frauen, sei es durch Geburt oder Operation, weiter in Schweigen gehüllt, eine Quelle falscher Scham anstelle einer Anerkennung der Stärke. Das eindringliche Schwarz-Weiß des Fotos unterstreicht die Dauerhaftigkeit dieser Markierungen und zeigt, dass die Haut zwar heilen mag, aber nie in einen Zustand reiner, unmarkierter Unschuld zurückkehrt. Diese starke ästhetische Wahl zieht Vergleiche zur Arbeit von Jo Spence, die berühmt dafür war, Krankheit und Körperidentität darzustellen.
Indem er die visuelle Wahrheit der postoperativen Narben offenlegt, fordert Nach Gynäkologischer Operation den Betrachter einfach auf, umzudenken, wie wir Traumata wahrnehmen und darüber sprechen. Es lädt zur Empathie ein und drängt auf eine kollektive Anerkennung von Wunden und den Geschichten, die sie erzählen.