Wir stellen Ihnen die visionäre Filmemacherin Danishka Esterhazy vor, deren beispielloses Geschichtenerzählen und furchtloser Ansatz zum Genre weiterhin Wellen in der Welt des Kinos schlagen. Danishkas neuestes Projekt, Sony’s Sniper: The Last Stand, markiert ein aufregendes Kapitel in ihrer bereits beeindruckenden Karriere. Mit ihrer charakteristischen Liebe zum Detail und dynamischen Regie bringt sie das Action-Genre auf neue Höhen.
Danishka Esterhazy ist eine der faszinierendsten Stimmen im zeitgenössischen Genre-Filmschaffen, die kühne Visuals, durch Charaktere getriebene Geschichten und ein Meister des Suspense und der Action kombiniert. Bekannt für die Umgestaltung von Genre-Konventionen, hat sie für ihre Arbeit an folgenden Projekten kritische Anerkennung erhalten:
The Banana Splits (Warner Bros) ist eine gruselige Neugestaltung eines Kindheitsklassikers.
Das 2021er Remake von Slumber Party Massacre bietet eine frische, feministische Wendung eines Kult-Horrorfavoriten.
I Was Lorena Bobbitt, ein Projekt, das ihr den renommierten DGC Award und einen Canadian Screen Award für die beste Regie einbrachte.
Danishka hat auch ihre Vielseitigkeit als Produzentin und Regisseurin in Syfy-Serien wie SurrealEstate und Astrid & Lilly Save the World unter Beweis gestellt, während sie zu Ginny & Georgia für Netflix beigetragen hat. Ihr vielfältiges Portfolio zeigt ihre Fähigkeit, packende, fesselnde Erzählungen über verschiedene Genres hinweg zu kreieren.
Danishka, herzlich willkommen bei OLC! Also, Sniper: The Last Stand markiert Ihren Einstieg in den Action-Filmemacherei. Können Sie uns ein wenig über den Film und das, was Sie an diesem Genre und diesem Film im Besonderen gereizt hat, erzählen?
Nun ja, ich bin schon seit meiner Kindheit ein großer Fan von Actionfilmen. Von Bond-Filmen über Bourne-Filme bis hin zu John Wick – ich liebe einen großartigen Actionfilm. Ich drehe hauptsächlich Horror- und Thrillerfilme, aber ich hatte die Gelegenheit, mit Stuntkoordinatoren und Kampfchoreografen sowohl in meinen Filmen als auch in meiner TV-Arbeit zu arbeiten. Und ich wollte unbedingt mehr Action drehen. Also, als ich den Anruf bekam, Sniper: The Last Stand zu inszenieren, habe ich die Gelegenheit ergriffen.
Ihre Arbeit fordert oft Genrekonventionen heraus und stellt sie neu vor, wie bei Slumber Party Massacre und The Banana Splits. Wie bringen Sie Ihre einzigartige Perspektive in das Action-Genre in Sniper: The Last Stand ein?
Mein Hauptziel bei STLS war es, an die früheren Filme der Reihe anzuknüpfen. Die Filme, die militärische Missionen, die emotionalen und moralischen Anforderungen an das Soldatendasein erkundeten. Ich war weniger am G.R.I.T. Team interessiert und mehr an den knallharten Lebens-und-Tod-Schlachten. Das Drehbuch von Sean Wathen hat erstaunliche Kampfszenen, also hatte ich viel großartiges Material zur Verfügung. Ich konzentrierte mich darauf, diese Kampfsequenzen zu verbessern.
Praktische Effekte und ein militärisches Bootcamp für die Besetzung waren wichtige Elemente in Sniper: The Last Stand. Können Sie uns mehr über die kreativen Entscheidungen hinter diesen Wahlen erzählen und wie sie zur Authentizität des Films beigetragen haben?
In gewisser Weise ist es eine herausfordernde Zeit, Actionfilme zu drehen, aufgrund der Folgen des tragischen Unfalls bei Rust. Aber ich hatte schon Waffen auf meinen Sets seit meinem allerersten Spielfilm und ich weiß, dass Waffenarbeit sicher gemacht werden kann. Die Missachtung der Waffensicherheit bei Rust war eine Abnormalität. Die Waffenschmiede, mit denen ich gearbeitet habe, würden solche Sicherheitsrisiken niemals zulassen. Also habe ich für den Einsatz von Platzpatronen und Squibs am Set gekämpft. Praktische Waffeneffekte sehen besser aus und sie helfen den Schauspielern immens. Sie bringen Energie und Authentizität in Actionszenen, die VFX-Mündungsblitze nicht erreichen können.
Ich habe auch für das militärische Bootcamp-Training gekämpft. Unsere zurückkehrende Besetzung (Chad und Ryan) brauchte kein zusätzliches Training. Aber selbst sie schätzten die Gelegenheit, als Team zu trainieren. Um Muskelgedächtnis zu wecken und Anweisungen von echten Soldaten zu erhalten. Diese Art der Vorbereitung macht einen riesigen Unterschied.
Und ich war auf dem Schießstand, um Becketts Cheytac Praetorian-Scharfschützengewehr abzufeuern. Ich wollte den Rückstoß spüren, den Ruck und die Geräusche dieses Gewehrs hören. Es ist eine massive Waffe und ich wollte sehen, wie es aussieht, wenn es lebende Patronen abfeuert, bevor wir es mit Platzpatronen laden. Es war eine großartige Erfahrung, die mir geholfen hat, die Scharfschützen-Szenen von Beckett und Zondi zu planen.
Was waren einige der größten Herausforderungen beim Übergang von der Regie von Horrorfilmen zu einem rasanten Actionfilm?
Meine Liebe zu praktischen Horror-Effekten hat meinen Ansatz zu den Actionszenen geprägt. In beiden Genres versuche ich, nicht auf VFX zu vertrauen. Aber ich musste lernen, hochzufahren. In meinen Horrorfilmen ist die Besetzung klein, die Orte sind intim. Aber in STLS hatte ich Hunderte von Komparsen und eine massive 400 Jahre alte Festung als meinen Set. Ich brauchte eine viel größere Crew. Ein großes Team von Rüstmeistern. Aber ich habe bereits mit den Crews in Kapstadt gearbeitet und ich wusste, dass sie mich nicht im Stich lassen würden. Die Herausforderungen wurden zum besten Teil. Wir hatten viel Spaß beim Drehen dieses Films.
Ihr bevorstehender Horrorfilm Match erforscht Themen wie Liebe, Vertrauen und Verrat. Wie gehen Sie an das Schaffen von Spannung und emotionaler Tiefe in Ihren Geschichten heran?
Es beginnt mit einem großartigen Drehbuch. Match wurde von Jon und Al Kaplan geschrieben, und sie wissen, wie man Angst und Schrecken erzeugt. Sie haben ein Drehbuch mit vielen Schichten geschaffen, die es zu erkunden gilt.
Dann geht es darum, die Besetzung zu finden. Schauspieler, die bereit sind, tief zu graben. Horror wird oft missverstanden und zu leicht abgetan. Es ist ein großartiges Genre, um Themen über die menschliche Erfahrung zu erforschen.
Sie haben in Ihrer Karriere diverse Genres bewältigt, von neu interpretierten Kindheitsklassikern bis zum feministischen Horror. Wie entscheiden Sie, welche Projekte Sie angehen, und was begeistert Sie am meisten daran, neue Genres zu erkunden?
Ich suche immer nach Drehbüchern, die kinematografische Bilder einladen. Filme sind ein visuelles Medium und ich möchte Geschichten mit Licht und Schatten, mit Farbe, mit Komposition erzählen. Ich mag knappe Dialoge und Beats, die durch Handlung und Verhalten erzählt werden. Und ich bin immer begeistert von großartigen Charakteren.
Sniper: The Last Stand betont eine von Charakteren getriebene Erzählung neben Action. Wie schaffen Sie eine Balance zwischen intensiven Actionszenen und der Entwicklung fesselnder Charaktere?
Es ist eine knifflige Balance. Aber die Hauptarbeit leistet der Drehbuchautor. Sean Wathen versteht wirklich dieses Gleichgewicht.
Mit Ihrer Karriere, die Spielfilme und Fernsehserien wie Ginny & Georgia und SurrealEstate umfasst, wie passen Sie Ihren kreativen Prozess an verschiedene Formate und Zielgruppen an?
Ich wechsle gerne zwischen Film und Fernsehen hin und her. Die Medien sind unterschiedlich und sie fordern mich auf unterschiedliche Weise heraus. Und das ermöglicht es mir, als Geschichtenerzählerin weiter zu wachsen. Die Regie kann manchmal einsam sein, aber ich lerne von jedem Schauspieler und Crewmitglied auf meinen Shows etwas Neues.
Regisseur zu sein ist mehr als nur ein Job. Es ist eine Obsession. Auf eine großartige Art.
Welchen Rat würden Sie aufstrebenden Filmemachern geben, die in das Genre-Filmschaffen einsteigen und kühne, wirkungsvolle Geschichten wie Ihre kreieren wollen?
Gib niemals auf. Dreh viele Kurzfilme. Sei immer bereit, aus deiner Komfortzone herauszutreten. Und vergiss nicht, auf dem Set zu spielen. Hab Spaß.
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