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Roe Moore ist eine dynamische, auf Comedy fokussierte Regisseurin, Produzentin und Skript-Supervisorin mit Sitz in Los Angeles, Kalifornien. Aufgewachsen in Aurora, Colorado, entfachte Roes Leidenschaft für das Geschichtenerzählen früh, was sie dazu inspirierte, die Second City Conservatory zu besuchen, wo sie ihre Fähigkeiten in Improvisation und Sketch-Comedy verfeinerte. Sie trat in legendären Veranstaltungsorten wie dem Comedy Store, dem Laugh Factory und dem Ice House auf. Beeinflusst von den komödiantischen Stilen von Edgar Wright und Adam McKay und inspiriert von Filmen wie Love Actually und Anchorman, wollte Roe über Stand-up hinausgehen und ihre einzigartige Stimme in der Comedy-Landschaft durch Schreiben und Regie einbringen.
Ihre Karriere in der Unterhaltungsbranche begann als Regieassistentin und Skript-Supervisorin, unter der Anleitung des Veteranen Mark Thomas, an hochkarätigen Projekten, darunter HBO Max’s Fresh Prince of Bel Air Reunion, VH1’s RuPaul’s Drag Race und Disney+’s Earth to Ned. Ihre Skript-Supervising-Credits erstrecken sich auch auf Shows wie Lucha Underground und Andi Mack sowie Spielfilme wie Rust Creek und Madness in the Method.
Roes Regiearbeit wurde auf verschiedenen Filmfestivals anerkannt und erhielt mehrere Nominierungen und Auszeichnungen für ihre komödiantischen Kurzfilme. Zu ihren bemerkenswerten Werken gehört How We Met, das den „Best Director“ beim Women’s Festival—Nashville und den „Best Writing“ beim Glass Ceiling Breakers Film Festival erhielt. Darüber hinaus gewann ihr Projekt We Were Young den „Best Short“ beim Black Magic Collective Film Festival, und Drive to Airport räumte mehrere Auszeichnungen ab, darunter „Best Comedy Short Film“ beim Show Low Film Festival.
Ihr Projekt für 2024, Undercover Wrestler, zeigt einen selbstjustizierenden Wrestler, der WWE-ähnliche Gerechtigkeit über gestohlene Crinkle-Cut-Pommes ausschenkt. Es wurde bei mehreren Festivals nominiert, darunter das Pasadena International Film Festival und das Austin After Dark Film Festival.
Jenseits ihrer kreativen Arbeit engagiert sich Roe zutiefst für die Interessenvertretung in der Branche. Sie ist aktives Mitglied bei der Future Women of TV des Black Magic Collective, der Alliance of Women Directors und Women In Media. Im Jahr 2023 nahm sie am Get It Made Program des Centerframe U.K. teil und fungierte als Mentorin für die Diversity and Inclusion Initiative des Producers Guild of America.
In die Zukunft blickend, umfassen Roes Karriereziele die Regie ihres ersten Spielfilms oder unabhängigen Piloten und die Etablierung von PiePie Productions als feste Größe im Comedy-Genre. Zu ihren kommenden Projekten gehören Uncle und Walkies (beide in der Vorproduktion) sowie Hardly Easlie und Death By Chocolate (beide derzeit in der Entwicklung).
Mit einem leidenschaftlichen Engagement für Geschichtenerzählen, das beim Publikum überall Anklang findet, steht sie kurz davor, einen bleibenden Eindruck in der Branche zu hinterlassen. Roe balanciert ihre beruflichen Bestrebungen mit einem lebendigen Privatleben. Als begeisterte Halbmarathonläuferin und leidenschaftliche Bäckerin genießt sie es, ihre Freizeit mit ihrem Dackel Happy und ihrem Corgi Seager zu verbringen.
Bildnachweis: Claudia Hoag
„We Were Young“ feierte Premiere beim Filmfestival des Blackmagic Collective. Können Sie die Inspiration hinter diesem Film teilen und welche Botschaften Sie hoffen, dass das Publikum daraus ziehen wird?
Die Inspiration für We Were Young entstand bei einem Kaffeetreffen mit meinem Freund und der Drehbuchautorin/Schauspielerin des Films, Johny Walsh. Wir sprachen über die universellen Gefühle von Nostalgie und der bittersüßen Natur junger verlorener Liebe; insbesondere die Art von Liebe, die lange nach ihrem Ende bei einem bleibt und der Kerl Jahre später auftaucht und so tut, als ob sich nichts geändert hätte. Als wir mehr über die Idee sprachen, erkannten wir, dass es nicht viele Geschichten gab, die den Kampf, „Genug“ zu sagen und sich von etwas zu lösen, das einem nicht mehr dient, einfingen. Ich forderte Johny heraus, es zu schreiben, versprach zu produzieren und Regie zu führen, und glücklicherweise haben wir beide durchgezogen!
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Mit diesem Film bin ich aus meinem Comedy-Genre in das Drama eingetreten. Es war eine Herausforderung, die unerwartet belohnend war und mit einer Lernkurve einherging. Dieser Schritt zwang mich dazu, darüber nachzudenken, wie ich mich dem Geschichtenerzählen nähere. Ich musste mich weniger auf komödiantische Timing und mehr auf Feinheiten wie Ton und Leistung verlassen, um Emotionen hervorzurufen.
Mit diesem Film hoffen wir, dass das Publikum über ihre eigenen Erfahrungen mit Liebe und Verlust nachdenkt und letztendlich die Stärkung im Loslassen von Beziehungen findet, die nicht richtig für sie waren.
Als auf Comedy fokussierte Regisseurin, wie gehen Sie mit der Balance von Humor und Geschichtenerzählen um? Gibt es bestimmte Themen oder Botschaften, die Sie durch Comedy vermitteln möchten?
Ich sehe Humor als eine Möglichkeit, die Wahrheit aufzudecken. Egal ob es etwas Unbekanntes oder so Vertrautes ist, dass wir es vermeiden, Comedy bricht Mauern ab und bietet frische Perspektiven. Als Comedy-Regisseurin verankere ich Humor in nachvollziehbaren Erfahrungen, die es dem Publikum ermöglichen, sich mit schwereren Themen auf eine Weise auseinanderzusetzen, die zugänglich ist.
Meine Arbeit erkundet oft die Unordnung von Beziehungen—wie wir uns verbinden, was passiert, wenn diese Verbindungen auf die Probe gestellt werden, und das Chaos, das folgt, wenn sie verloren gehen. Beziehungen sind eine Goldgrube für Humor, weil sie so universell und oft lächerlich sind.
Zum Beispiel nutzt mein Kurzfilm Breakfast Salad einen Mockumentary-Stil, um alltägliche Marotten zu erforschen, der Scripted und improvisierte Momente vermischt, um eine verspielte Intimität mit dem Publikum zu schaffen. We Were Young hingegen balanciert Humor mit emotionalem Gewicht durch subtile Leistungen und bodenständiges Geschichtenerzählen und behandelt Themen von Liebe und Verlust, ohne den Zuschauer zu überfordern.
In all meinen Projekten versuche ich, die Absurdität und Schönheit von Beziehungen zu erkunden, indem ich Humor einsetze, um die Menschen zum Lachen, Nachdenken und dazu zu bringen, sich in den Geschichten wiederzuerkennen.
Ihre Karriere begann als Regieassistentin und Skript-Supervisorin bei hochkarätigen Projekten wie RuPaul’s Drag Race und Earth to Ned. Wie haben diese Erfahrungen Ihren Regiestil und Ihre Herangehensweise an die Produktion geprägt?
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Sehr viel. Die Arbeit an hochkarätigen Produktionen hat mich in unzähligen Hinsichten als Regisseurin geprägt. Sie hat meine mentale Widerstandsfähigkeit gestärkt und mir beigebracht, unter Druck ein positiver, stabiler Anführer zu sein. Ich hatte die Gelegenheit, einigen der Besten der Branche bei der Arbeit zuzusehen, nicht nur aus ihren Erfolgen zu lernen, sondern auch aus ihren Fehlern, was mir geholfen hat zu verstehen, wie ich mich besser auf jedes Projekt vorbereiten kann.
Ich habe auch gelernt, wie man alle Arten von Teams managt, sich schnell anpasst, wenn Dinge nicht wie geplant verlaufen, und alles reibungslos am Laufen hält, ohne die Kreativität der Schauspieler oder Crew zu stören. Es hat mir ein echtes Verständnis für Zusammenarbeit vermittelt und gezeigt, wie viel Magie entstehen kann, wenn man Raum für Spontaneität lässt. Diese Lektionen waren unbezahlbar und prägen weiterhin, wie ich jedes Projekt angehe, das ich leite.
Sie haben Edgar Wright und Adam McKay als Einflüsse genannt. Welche Aspekte ihrer Arbeit versuchen Sie in Ihren eigenen Filmen zu integrieren und wie bringen Sie Ihre einzigartige Perspektive in das Comedy-Genre ein?
Ich bewundere Edgar Wrights visuellen Witz, den ich sehr genau studiere. Adams McKays Fähigkeit, die komischen Momente in unvergessliche Kultur zu setzen, ist etwas, was ich bewundere. Bei beiden Einflüssen möchte ich nachahmen, wie sie die Eigenarten des Lebens herausstellen. Ich konnte mehr von Adams McKays Absicht in meinem Kurzfilm Breakfast Salad treffen, indem ich die neurotischen Überzeugungen des Charakters über das Nichtfrühstücken für Salat hervorhebe und das Chaos betone, das entsteht, wenn sich die Persönlichkeiten überschneiden.
Ihr Kurzfilm „How We Met“ gewann die Auszeichnungen für den besten Regisseur und das beste Drehbuch. Wie war die Reise von der Konzeption bis zur Leinwand und was haben Sie beim Erstellen dieses Films gelernt?
How We Met begann als Teil der Gold Comedy Digital Teams, einer Plattform für Frauen und gender-nonkonforme Menschen, um zusammenzuarbeiten und ihre Comedy-Fähigkeiten zu stärken. Innerhalb meines Teams brachte Leigh Ceistro die Idee ein, und gemeinsam haben wir sie durch Zusammenarbeit zum Leben erweckt.
In vielerlei Hinsicht fühlte sich das wie Anfängerglück an, aber es hat mich auch so viel gelehrt. Ich habe gelernt, wie wichtig es ist, vorbereitet zu sein, wenn man mit einem Kameramann zusammenarbeitet—Referenzen zu nutzen, um den visuellen Stil herauszufinden—und wie man mit Schauspielern arbeitet, um die perfekten komischen Momente hervorzubringen. Eine der größten Lektionen war zu erkennen, wie sehr sich das Publikum mit Spezifität verbindet. Die kleinen Details machten einen großen Unterschied darin, wie die Geschichte ankam.
Durch PIEPIE Productions bauen Sie eine Marke um Comedy herum auf. Was sind einige Ihrer langfristigen Ziele für das Unternehmen und wie tragen Sie dazu bei, die Comedy-Landschaft zu prägen?
Mein langfristiger Plan mit PiePie Productions ist es, einen Ort zu schaffen, an dem Comedy gedeiht, frisch, inklusiv und unerschrocken ist, um tiefere Themen auf unerwartete Weise anzugehen. Während wir uns darauf konzentriert haben, Kurzform-Inhalte zu erstellen, um unsere Marke und Qualität zu etablieren, beinhalten die nächsten Schritte Spielfilme und Fernsehserien. Dort können wir Inhalte für ein breiteres Publikum wirklich gestalten.
Comedy kann ein sehr kollaboratives Genre sein. Wie arbeiten Sie mit Schauspielern und Crew zusammen, um eine Umgebung zu schaffen, die Improvisation und komödiantisches Timing fördert?
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Es ist entscheidend, eine unbeschwerte Umgebung zu schaffen, in der Scheitern nicht nur akzeptiert, sondern begrüßt wird. Wenn Schauspieler und Crew sich sicher fühlen, Risiken einzugehen, dann entsteht die beste Arbeit. Ich lasse die Schauspieler zunächst die Szene auf eigene Faust erkunden, ihre eigenen Schlagfolgen und Emotionen finden. Von da an wird es eine Zusammenarbeit, um tiefer zu graben und so viel Gold wie möglich zu fördern. Selbst wenn die Kameras laufen, steckt so viel Potenzial in glücklichen Zufällen und ungeplanten Momenten. Ich habe gelernt, mit der Einstellung heranzugehen, dass jeder bestrebt ist, seine beste Arbeit zu leisten, also liegt es nicht an mir, ihre Arbeit zu beurteilen. Es geht darum, was am besten für die Situation funktioniert.
Ihr Projekt „Undercover Wrestler“ hat eine einzigartige Prämisse über einen selbstjustizierenden Wrestler. Wie sind Sie auf diese Idee gekommen und was war die größte Herausforderung bei der Umsetzung?
Ein Lob, wo es verdient ist: Joseph Dailey (Autor/Schauspieler) kam auf die Idee während eines Sketchschreibkurses, den er besuchte. Es zollt seinem und dem Erlebnis seines Vaters Tribut, wie sie WWE beim Aufwachsen beobachteten. Ich habe mich in sie verliebt wegen meiner eigenen Bewunderung für das wilde Konzept und die Freude, einen mit Stunts gefüllten Film umzusetzen. Die Zusammenarbeit mit meiner Freundin und Stuntkoordinatorin Anne Westcott zwang mich dazu, visuell darüber nachzudenken, wie Stunts der Geschichte und der Komödie dienen könnten. Zum Beispiel choreografierten wir einen Stunt, um die lächerliche Persönlichkeit des Wrestlers zu übertreiben, während wir ihn in der Reise des Charakters verwurzelt hielten.
Bildnachweis: Claudia Hoag
Als Mitglied von Organisationen wie der Alliance of Women Directors und Women in Media setzen Sie sich für Vielfalt in der Branche ein. Wie sehen Sie Ihre Rolle bei der Gestaltung des Wandels und warum ist diese Arbeit für Sie wichtig?
Die Branche brauchte schon lange einen Wandel, und wir sehen endlich Fortschritte mit mehr vielfältigen Stimmen sowohl auf dem Bildschirm als auch hinter der Kamera. Dieser Wandel hat einen Boom an frischen Perspektiven und neuen Geschichten ausgelöst, was etwas ist, das ich in meinen eigenen Produktionen aktiv priorisiere.
Für mich geht es bei Vielfalt nicht nur um Repräsentation in Bezug auf Hintergrund, sondern auch darum, eine Vielzahl von Erfahrungen zusammenzubringen. Ich fühle eine starke Verantwortung, den Wandel zu verkörpern, den ich in der Branche sehen möchte. Ob ich nun Crewmitglieder einstelle oder Besetzung, ich fokussiere mich immer darauf, eine Umgebung zu schaffen, in der verschiedene Stimmen gedeihen können und ihre einzigartigen Perspektiven teilen können. Es ist erfrischend zu sehen, wie eine Crew mit vielfältigen Hintergründen zusammenarbeitet, um eine Geschichte voranzubringen.
Diese Arbeit ist mir persönlich wichtig, weil ich weiß, dass ich nicht dort wäre, wo ich heute bin, wenn andere vor mir nicht den Weg geebnet hätten. Es ist meine Verantwortung, nicht nur diesen Weg offen zu halten, sondern ihn auch für andere zu erweitern, die als Nächstes kommen.
Können Sie uns etwas über bevorstehende Projekte wie „Uncle“ und „Walkies“ erzählen und wie sie Ihren Fokus auf Comedy und Geschichtenerzählen fortsetzen?
Beide Projekte haben ihren eigenen einzigartigen Humor und fordern mich kreativ heraus, da sie sich auf meinen zweitliebsten Komödientyp konzentrieren: den britischen Humor! Ich bin mit den Autoren dieser Projekte, die ich durch die in Großbritannien ansässige Filmemacher-Community Centerframe’s Get It Made-Initiative unterstützt habe, aufgewachsen und habe Shows wie Are You Being Served? und Mr. Bean gesehen, also fühlt es sich an, als ob ich damit vollständig im Kreis zurückkehre.
Uncle ist besonders aktuell, da es ein lesbisches Paar erforscht, das durch eine Reihe komischer Ereignisse die Entdeckung seines jugendlichen Sohnes über seinen Samenspender navigiert. Es ist eine schnelllebige, dialoglastige Komödie, inspiriert vom Witz und Rhythmus von Amy Sherman-Palladinos Arbeit. Die Geschichte ist voller Herz und Humor, und ich freue mich darauf, ihre lebendigen Charaktere zum Leben zu erwecken.
Walkies geht einen anderen Weg: Er nimmt Humor und Charme, um die mentale Gesundheit auf eine Weise zu erkunden, die sich darauf konzentriert, wie wir mit unseren Herausforderungen umgehen und mit