Die Kunst hat eine sehr unbeständige Beziehung zur Politik – fragen Sie einen Künstler, ob er eine politische Aussage machen will, und sie werden wahrscheinlich zurückweichen, doch schaut man unter die Oberfläche eines interessanten Stücks, wird man fast sicher deutliche Verbindungen zu größeren sozialen Strukturen und Gesprächen finden, die tatsächlich sehr, sehr politisch sind.
Beim Scannen der Angebote von Art Basel Miami Beach in dieser Woche findet man viele Kunstwerke, die genau auf diese Weise politisch sind – nicht so sehr an der Spitze des Eisbergs, sondern sehr wohl in der intellektuellen und künstlerischen Inspiration darunter. Nehmen Sie zum Beispiel die wunderschöne bronzenen Blumenmaske der Mixed-Media-Künstlerin Allison Janae Hamilton – zunächst wirkt sie wie ein atemberaubend schönes Stück aus Schichtblüten, aber schaut man genauer auf die Herkunft dieses Stücks, wird eine andere Geschichte sichtbar.
In einem Interview sagte Hamilton, dass die Serie, zu der dieses Stück gehört, von den Fechtmasken schwarzer Soldaten aus dem Zweiten Weltkrieg stammt. Die Stücke sind Teil eines größeren Projekts, in dem Hamilton eine vertikale Kontinuität zwischen irdischen Materialien wie Bronze und dem Ätherischen und Himmelwärts gerichtetem schafft und sie in komplexe, zyklische Beziehungen einbettet. Es ist Teil von Hamiltons eigenem Diskurs des Schwarzen Feminismus.
Allison Janae Hamilton – Florale Maske in Bronze, 2024. Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Marianne Boesky Gallery, New York und Aspen
„Meine Erfahrung als schwarzes Mädchen und als Frau war und ist immer sehr stark mit dem Land verbunden“, sagte sie. „Es ist nicht etwas, das in unserem Diskurs des Schwarzen Feminismus immer an erster Stelle steht. Für mich ist es der Kern, aufgrund dessen, wie ich mit meiner Familie in Tennessee aufgewachsen bin.“
Land und Ursprünge sind Hamilton wichtig, und für sie ist es kein neutraler Akt, Kunst in Florida auszustellen. Als langjährige Floridianerin, die sich nach New York City verpflanzt hat, ist sie sich der Notwendigkeit bewusst, ihr Florida zu repräsentieren – einem Ort, der sich sehr von dem unterscheidet, was in den nationalen Nachrichten auftaucht. „Als Floridianerin bin ich sehr stolz darauf, aus meinem Bundesstaat zu kommen. Ich versuche, Florida auf eine Weise darzustellen, die sich sehr von der politischen Diskussion darüber unterscheidet. Ich denke, es gibt fast eine Auslöschung des schwarzen Lebens in Florida, und ich fordere die Erzählung derer heraus, die dort leben.“
Der koreanisch-amerikanische Künstler Ken Gun Min fordert mit seiner Kunst auch wahrgenommene Erzählungen heraus. Er sieht sich als Geschichtenerzähler und als Filter des Materials städtischer Umgebungen und integriert in seine aufwendigen Kreationen Materialien, die er aus Second-Hand-Läden, Nachlassverkäufen, von den Straßen, Nachbarn und Freunden sammelt. Die entstehenden Werke spiegeln nicht unbedingt ihre bescheidenen Ursprünge wider, da Mins Szenen von Hoffnung, Fantasie und barocker Schönheit strahlen, auch wenn sie Gefühle wie Melancholie und eine vorsichtige Reserve enthalten.
Mins aufwendiger Beitrag konzentriert sich auf einen aufwendigen Paravent und ein riesiges Gemälde, die sich an einer Ecke seines Ausstellungsraums befinden und beide dichte imaginäre Landschaften darstellen, die als „queere Fantasie“ bezeichnet werden könnten. Ein weiteres seiner Werke, ein Porträt einer trans Frau, die ihre Brust umklammert, umgeben von windgepeitschten Bäumen, rollenden Gezeiten und einem atemberaubenden Himmel, bringt Elemente des Heroischen und des Mythischen. Es ist eines von einer Serie von Gemälden von Transmenschen, inspiriert teilweise durch seine Spaziergänge in der Nachbarschaft West Lake in seiner Heimatstadt Los Angeles, wo er potenzielle Motive treffen würde. „Bei der Erstellung des Werkkorpus, der auf West Lake basiert, habe ich die Geschichten von vielen verschiedenen Menschen gesammelt, während ich auch meine Materialien gesammelt habe. Ich denke, die Geschichte und die Person stehen im Vordergrund – ich versuche, die Verbindung zu dieser Person und zu meinem Standort zu finden und diese Dinge in meine Schöpfung einfließen zu lassen. Und dann schicke ich es in die Welt.“
Für Min besteht die politische Dimension seiner Kunst einfach darin, die LGBTQ+ Personen in den Mittelpunkt zu stellen, für die er schafft, sowie aus seiner eigenen Position als asiatisch-amerikanischer schwuler Mann heraus zu kreieren. „Asiatische schwule Männer befinden sich in einer sehr einzigartigen Position in der westlichen Welt“, sagte er zu mir. „Unsere Männlichkeit wird immer in Frage gestellt, und im Verlauf der westlichen Kunstgeschichte waren wir lange Zeit außerhalb des Bildes. Als schwuler asiatischer Mann, der im Kunstbetrieb arbeitet, möchte ich wirklich die Grenzen des Schönheitsbegriffs erweitern.“
Die Malerin Ebun Sodipo war sehr klar darüber, was sie dazu inspiriert, zu erschaffen: „Die Möglichkeit, über mich selbst und andere schwarze Transfrauen zu sprechen, ist wahrscheinlich das, was mich antreibt, diese Arbeit zu machen“, sagte sie. In diesem Jahr stellt Sodipo aus einer Serie von Collagen aus ihrem persönlichen Archiv von Tumblr-Bildern aus. Sie bedeckt diese Collagen mit Mylar, einem glänzenden, glänzenden Material – die teilweisen Reflexionen, die das Publikum sehen kann, wenn es ihre Arbeit betrachtet, sind für sie wichtig, ebenso wie die Verbindung des Materials mit Wasser. „Glitzernde Oberflächen erinnern uns auf eine Art und Weise an Wasser, die unser Eidechsenhirn anspricht“, sagte sie zu mir. „Sie bringen diese Triebkraft in uns zum Vorschein, ein Bedürfnis nach Überleben, um einen Durst zu löschen – einen Durst, der schon länger in dir ist, als du weißt. Ich brachte das mit dem Übergang in Verbindung, mit Dingen, die meinen Körper in eine bestimmte Richtung ziehen würden.“
Sodipo nimmt einen sehr klaren Blick auf die politische Wirkung, die ihre Arbeit in einem Ort wie Art Basel haben könnte, und bemerkt, dass schwarze Transfrauen – die Menschen, für die sie hauptsächlich schafft – wahrscheinlich nicht auf diese Arbeit an einem solchen Ort stoßen würden. „Ich möchte nicht übertreiben, es wird in einer abgeschotteten Welt ausgestellt. Es wird von Menschen gesehen, die nicht besonders von anti-transpolitischen Maßnahmen betroffen sind. Ich möchte, dass die Arbeit von schwarzen Transfrauen gesehen wird.“
Sie erklärte auch, dass ihre Hoffnungen als Künstlerin nicht so sehr darauf abzielten, für den aktuellen politischen Moment zu schaffen – in dem sie darauf hinwies, dass grundlegende materielle Dinge wie gegenseitige Hilfe für gefährdete Transpersonen viel dringender benötigt werden – sondern die historische Aufzeichnung um die Stimmen von Menschen wie ihr zu erweitern. „Mein Ziel ist es, eine weitere Seite von dem hinzuzufügen, was wir als Schwarze Geschichte betrachten. Es wird nicht so viel dazu beitragen, die aktuellen politischen Realitäten anzugehen, aber ich denke langfristig.“
Auf den ersten Blick scheint die Arbeit von Sanford Biggers völlig losgelöst von Politik zu sein. Seine Kunstwerke, die auf Fliesen und Quilts modelliert sind, haben eine gewisse formale Präzision und Abstraktion, die scheinbar von allem Repräsentativen getrennt sind. Biggers fand seine Patchwork-Ästhetik ansprechend, weil er das Patchwork als eine grundlegende und sehr wandelbare Form betrachtete – im Grunde genommen eine leistungsstarke Landkarte, wie man eine Vielzahl verschiedener künstlerischer Projekte verfolgen kann. Er hat sich für seine Stücke hier auf die Geschichte der Textilien, insbesondere der schwarzen Quilts, gestützt.
Sanford Biggers – Ohne Titel, 2024. Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Marianne Boesky Gallery, New York und Aspe
Biggers schätzt, dass seine Werke Interpretation erfordern und offen sind für verschiedene Interpretationen. Für ihn ist das ein Vorteil, denn es zwingt ihn notwendigerweise dazu, von bestimmten Erzählungen über seine Arbeit loszulassen und sie stattdessen mit Bedeutungen zu füllen, die so vielfältig sind wie sein Publikum. „Kunst war immer codiert“, sagte er zu mir. „Es ist interessant, weil es keine spezifische Antwort oder ein Ergebnis gibt, das jeder bekommen soll. Das ist eine der Dinge, die Kunst tun kann, die nicht alles kann. Vor Jahrzehnten habe ich die Idee aufgegeben, dass ich die Erzählung kontrollieren kann, und habe die Idee umarmt, dass meine Arbeit vielschichtig ist. Jeder bringt seine Erfahrungen mit meiner Kunst ein.“
Diese Methode hat auch eine politische Komponente, da Biggers sie als reflektierend für die vielfältige Natur der Identität in einer Welt sieht, in der wir verschiedene soziale Medien-Avatare haben können und auch in verschiedenen „realen“ Kontexten sehr unterschiedlich handeln können. „Es ist wie ein Patchwork unserer virtuellen Lebenserfahrungen“, sagte er zu mir. „Wir sind von Tag zu Tag, von Monat zu Monat, von Jahrzehnt zu Jahrzehnt unterschiedliche Personen.“
Biggers argumentierte auch, dass seine Arbeit im Gespräch mit größeren historischen Erzählungen steht, die sich über lange Zeit erstrecken, und stellte seine Arbeit sogar als potenzielle Objekte für zukünftige Ethnografie dar. „Ich bin dieser späte Partner von Arbeiten, die über 150 Jahre alt sind“, sagte er mir in Bezug auf die Quilts aus der Antebellum-Ära, aus denen er für seine eigenen Kreationen schöpft. „Ich habe das Gefühl, dass ich auf dieser transgenerationalen Ebene der Geschichte bin. Textilien und Stoffe sind die Palimpseste der Geschichte, sie ziehen uns in die Geschichte des Handels, des Kapitalismus, des Kolonialismus, so viel hinein.“
Bonnie Lucas – Verwöhnt, 1986. Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und ILY2, Portland
Die mittlerweile über 70-jährige Künstlerin Bonnie Lucas sieht sich selbst seit 50 Jahren auf ihrem eigenen künstlerischen Weg. Kurzzeitig Mitglied der provokanten feministischen Kunstkollektiv Guerrilla Girls, fand sie keinen Anschluss an deren Ästhetik – oder an irgendeine spezifische Ästhetik überhaupt. Ihrer Meinung nach hat sie immer Kunst auf der Grundlage einer Liebe zu sehr femininen Dingen geschaffen, was sie aus der New Yorker Kunstwelt ausschloss. Sie erinnert sich daran, bei einer Kunstausstellung für das Tragen eines hübschen Blumenkleides verspottet worden zu sein, und ein anderes Mal wurde sie getadelt, weil sie erklärt hatte: „Ich erschaffe feminine Monster.“
Lucas offenbart eine weitere Seite der politischen Kunst, die der Outsider-Künstlerin, deren mangelndes Interesse an der Auseinandersetzung mit Trends oder bevorzugten Diskursen – oder einfach das Aussteigen aus der sexistischen Kunstwelt der 1970er und 80er Jahre – an sich schon eine Aussage ist. In diesem Jahr ist ihr Stand einfach ein Zeugnis ihrer kreativen Durchhaltekraft und zeigt Arbeiten aus den Jahrzehnten ihres künstlerischen Schaffens. „Ich bin entsetzt und verärgert über die Art und Weise, wie Frauen aus der Kunstwelt ausgeschlossen wurden“, sagte sie zu mir. „Meine Kunst handelt vom Geschichtenerzählen aus meiner eigenen Perspektive. Meine Arbeit preist nicht die Frauen, sondern handelt davon, als Mädchen am Leben zu sein.“