Die in Cork geborene Künstlerin LYRA hat sich als Künstlerin etabliert, die man im Auge behalten sollte, nachdem sie nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums mit dem Titel „LYRA“ bedeutenden Schwung gewonnen hat. Im Jahr 2024 schoss die Dark-Pop-Künstlerin auf Platz eins der irischen Albumcharts und verkaufte 50% mehr als Beyoncé! Ihre unglaublichen Leistungen sind nur das erste Kapitel einer Geschichte, die gerade erst beginnt, sich zu entfalten.
Lyra beginnt 2025 mit ihrer neuesten Single „Freak“, die sie zusammen mit Bill Maybury (Jazzy, Cian Ducrot, Kygo, James Bay) und Kingdoms (Tom Grennan, Bellah Mae, Sigala) geschrieben hat, die auch den Track produziert haben.
„Freak“ wird durch dröhnende Beats und dunkle Synthesizer zum Leben erweckt, die eine fast bedrohliche Atmosphäre ausstrahlen. Lyra, die vor Selbstbewusstsein strotzt, macht ihre Präsenz bemerkbar und liefert eine dreckige, sexy und rauhe Hymne für alle, die daran erinnert werden müssen, was sie wert sind. Die Songwriterin teilt mit: „Dies ist ein Lied über eine sexy, mächtige Frau. Als Frau wurde mir gesagt ’sei sexy, aber nicht zu sexy‘, nun, das ist mir egal. Dieses Lied handelt von der Macht der Weiblichkeit. Bring dein Ego auf die Tanzfläche.“
Abseits vom Schreiben von Songs über Liebe und Herzschmerz ruft Lyra aus: „Ich höre auf, über meinen Ex zu schreiben. Seine Zeit ist vorbei! Dieses Jahr geht es um mich, und ich lasse niemanden mich zähmen.“
Lyra hatte bemerkenswerte musikalische Auftritte in Shows wie Ireland’s Got Talent, Dancing with the Stars, The Tommy Tiernan Show, zahlreichen Auftritten in The Late Late Show und The Main Stage mit Mark Fehily. Ihre Talente erstrecken sich auch auf das Fernsehen: 2021 saß sie neben Boy George, Jedward und Aston Merrygold in der Jury der Talent-Show The Big Deal von Virgin Media Ireland, und Lyra nahm auch an Irlands Celebrity Gogglebox teil. Ihre Musik wurde auch in erfolgreichen TV-Sendungen wie Grey’s Anatomy und Love Island verwendet.
Wenn Avril Lavigne und Slash ein Liebeskind hätten, könnte es sich sehr ähnlich anhören wie Rowan „Rogue“ Picard, die Sängerin, Songwriterin und Leadgitarristin der neuen Band Rogue Rising aus Kingston, Ontario. Mit eingängigen Riffs, nachvollziehbaren Texten und melodischen Solos ist der Sound von Rogue Rising eine Fusion aus Rock, Pop und Punk. Kurz davor, ihre erste Single zu veröffentlichen, kann die kreative Kraft hinter der Band ihre Aufregung nicht zurückhalten: „Ich habe das Gefühl, ich habe meinen Atem angehalten – und ich kann es kaum erwarten, ihn rauszulassen!“
„Das Lied CRUSH war meine Reaktion auf eine schmerzhafte Erfahrung. Es ist wirklich schrecklich, wenn jemand, den man liebt, nicht an einen glaubt. Jeder braucht jemanden, der an ihn glaubt… jeder verdient diese Art von Liebe“, erklärt sie. „Also ging ich sofort zu meiner Gitarre, um mit diesem Gefühl des Verrats umzugehen, und dabei entstand dieses Lied“, sagt sie und umklammert die von ihrem Vater gebaute benutzerdefinierte rote ‚Rogue‘-Gitarre, inspiriert von einer anderen Gitarre, die sie selbst in der Schule entworfen und gebaut hat. „Ich nehme dieses Schätzchen überallhin mit.“
Die authentische Intensität ihres Songwritings, mit seiner rauen Mischung aus Optimismus und Angst, ruft Vergleiche zu Künstlern wie Avril Lavigne, Liz Phair und Alanis Morissette hervor, aber Rowan zuckt mit den Schultern. „Ich bin einfach ich. Das ist alles, was ich sein will.“ Ein Richtungswechsel, und sie spricht über ihre Erfahrung mit einem Musikproduzenten. „Als ich das Lied zum ersten Mal zu Michael brachte, war ich ein wenig nervös. Es war mein erster Besuch in einem echten Studio“, sagt sie und bezieht sich auf den 5-fachen Juno-Preisträger und Gründungsmitglied von Glass Tiger, Michael Hanson. „Aber er war so geduldig und offen. Ich habe viel gelernt. Der gesamte Aufnahmeprozess hat Spaß gemacht – so viel Spaß, dass wir zusammen weitere Songs aufgenommen haben!“
FEATURETTE, ursprünglich von der Sängerin Lexie Jay und dem Schlagzeuger Jon Fedorsen gegründet, bereiten sich darauf vor, ihr lang erwartetes drittes Album PANIC PILLS am Freitag, dem 31. Januar, über ihr neu gegründetes Label Division11 zu veröffentlichen. Dieses Album markiert das erste Projekt der Band mit ihrem neuesten Mitglied, Marc Koecher, der ihrem sich ständig weiterentwickelnden Sound eine frische Dynamik verleiht. Im Vorgriff auf die Veröffentlichung ihres Albums debütierte FEATURETTE das offizielle Video zu „Golden Hour“, das heute Morgen exklusiv durch RANGE Magazine präsentiert wurde. „Der Track und sein dazugehöriges Video sind eine eindringliche Reflexion der Fähigkeit von FEATURETTE, eine einzige, erschütternde Erfahrung in eine kraftvolle, universelle Geschichte von Überleben, Schönheit und der Zerbrechlichkeit des Lebens zu kanalisieren“, bemerkt RANGE Magazine. Sehen Sie sich das Video an und lesen Sie alles darüber hier! Die Band wird die offizielle Albumveröffentlichung am Freitag in London, Ontario, feiern, und zwar auf der letzten Station ihrer Till Death Do Us Party-Tour mit CARYS – Tickets und Informationen unter www.featurettemusic.com.
Der gefeierte texanische Gitarrist und Sänger Ally Venable wird sein mit Spannung erwartetes neues Studioalbum Money & Power am Freitag, dem 18. April, über Ruf Records veröffentlichen. Das Album kann hier vorbestellt werden.
Regeln sind dafür da, gebrochen zu werden. Erwartungen sind dafür da, um durchbrochen zu werden, und gläserne Decken sind dafür da, um zerschlagen zu werden. Nachdem sie in den letzten zehn Jahren ihren eigenen einzigartigen Platz in der von Männern dominierten Welt des Blues-Rock geschaffen hat, fordert Ally Venables kämpferisches sechstes Album Money & Power mehr von beiden – für sich selbst, für Frauen auf der ganzen Welt und für jeden, der dachte, er hätte keinen Platz am Tisch verdient.
Money & Power ist eine starke Aussage, besonders für Frauen“, sagt die preisgekrönte texanische Waffenschmiedin über ihre in Nashville aufgenommene neue Veröffentlichung, an der Ally’s hochkarätige Band von A-List-Gästen wie Shemekia Copeland und Christone ‚Kingfish‘ Ingram unterstützt wird.
„Alle Songs auf diesem Album zeigen das Thema, was es wirklich bedeutet, eine Macht sein. Ich möchte, dass diese Platte die Menschen aufweckt“, fährt Ally fort.
Geld und Macht bringen die Welt ins Rollen. Aber in den richtigen Händen kann Musik genauso mächtig sein. Gerade jetzt, nach dem Erfolg von Real Gone aus dem Jahr 2023 – einem Album, das es auf Platz eins der Billboard Blues Charts schaffte und ein Jahr später immer noch im Gespräch war – wird Ally unter den besten jungen Singer-Songwritern im amerikanischen Roots-Bereich eingestuft, von Total Guitar Magazin in seiner Umfrage der Top 100 Blues-Gitarristen gelobt.
Trennungen, Eifersucht und ein Festivalpublikum von 15.000 – das neueste Lied der Pistol Daisys, „Crying in Marseille“, hat alles!
Dieses feurige Dance-Pop-Abenteuer landet heute, am 31. Januar, frisch von der explosiven Debüt-UK-Tour der Band und Auftritten in Glasgows ikonischem Barrowlands. Vom herzzerreißenden Storytelling bis zur hochoktanigen Produktion ist „Crying in Marseille“ nicht nur eine Trennungs-Hymne – es ist eine Erinnerung daran, die eigene Geschichte zu besitzen, nein zu den falschen Vibes zu sagen und die eigene Macht zu finden (am besten mit einem guten Glas Wein in der Hand).
Der Song, der in einem Nebel aus Herzschmerz und französischem Rotwein verfasst wurde, nimmt die Zuhörer mit auf eine Reise durch das Chaos der Liebe unterwegs. Während sie bei Fete de La Musique in Aix-en-Provence spielte, wurde Sängerin Lorna mitten auf Tournee von einem eifersüchtigen Einheimischen verlassen, der nicht so recht verstand, warum sie es bevorzugte, auf Festivalbühnen zu rocken statt Abende in der örtlichen Kneipe zu verbringen. Mit ihren Bandkollegen Belly und Lewis an ihrer Seite verwandelte das Duo eine Nacht voller emotionaler Chaos in musikalische Magie und schuf ein Lied, das gleichermaßen Ermächtigung und Eskapismus ist.
„Manchmal ist der beste Weg, mit Liebeskummer umzugehen, durch ihn zu tanzen“, witzelt Lorna, „Und wenn das scheitert, gibt es immer Wein!“
Mit ihren rauen Wurzeln in Glasgow und dem schwindelerregenden Alternative-Pop-Hook ist „Crying in Marseille“ ein typisches Pistol Daisys-Stück: Eine Mischung aus kraftvollem Gesang, brennenden Gitarrenriffs und einer frischen Note, die an Ikonen wie Blondie und Kate Bush erinnert. Schon jetzt machen sie mit einem GBX-Remix, der das The Hits Network aufmischt, auf sich aufmerksam, denn dies ist eine Hymne für alle, die bereit sind, Herzschmerz gegen Höhen einzutauschen.
Diesen Frühling werden sie wieder auf Tour gehen, um die schottischen Rocklegenden Big Country auf ihrer Tour durch Großbritannien zu unterstützen, mit zusätzlichen Headlining-Dates und Festivalauftritten im Laufe des Jahres 2025.
Verpassen Sie nicht Pistol Daisys‘ „Crying in Marseille“, ab sofort auf allen wichtigen Streaming-Plattformen.
Anuv Jain, eine der bekanntesten Stimmen in Südasien, hat seine dreizehnte Single veröffentlicht, die einen Wendepunkt in seiner glanzvollen Karriere markiert. Zum ersten Mal hat der in Ludhiana ansässige Singer-Songwriter mit dem Punjabi-Rapper und globalen Sensation AP Dhillon an ihrer neuen Single „Afsos“ zusammengearbeitet. Dieser Punjabi-Track liefert ein herzergreifendes, genreübergreifendes Meisterwerk, das beim Publikum weltweit Resonanz finden wird.
„Afsos“ taucht in Themen wie Bedauern und verlorener Liebe ein und bleibt dabei der renommierten Lyrik von Jain treu. Das Lied erzählt die ergreifende Geschichte einer Person, die über eine vergangene Beziehung nachdenkt, mit ihren Fehlern ringt und die Unfähigkeit, die Liebe ihres Partners vollständig zu begreifen.
Die Texte und die Produktion, die sowohl von Jain als auch von Dhillon geschaffen wurden, rufen Herzschmerz und Sehnsucht hervor und illustrieren die unumkehrbare Natur der Zeit. Durch seine gefühlvollen Verse fängt „Afsos“ die tiefgreifende Traurigkeit des Erzählers ein und zwingt ihn, Einsamkeit und Bedauern zu bewältigen. Seine Gedanken zu diesem Lied teilend, sagt Anuv Jain: „‚Afsos‘ ist meine erste Musik-Kollaboration, und die Arbeit daran war eine verrückte, aber denkwürdige Erfahrung! Es ist schon eine Weile her, seit ich das letzte Mal saß, um ein Lied auf Punjabi zu schreiben. Es hat mir viel Spaß gemacht, auch wenn ich ständig die Leute um mich herum gebeten habe zu überprüfen, ob ein Satz Sinn macht.
Ich bin so froh, dass meine Mutter da war und mit mir daran gearbeitet hat. Als AP auf das Lied aufsprang und seinen Vers hinzufügte, ging es einfach auf die nächste Stufe. Ich bin so aufgeregt, dass meine erste Zusammenarbeit überhaupt mit einem solch unglaublichen Künstler ist. Ich hoffe wirklich, dass jeder das Lied so liebt wie ich.“
Die aufstrebende Künstlerin und Produzentin Elle Chante teilt ihre bezaubernde neue Veröffentlichung ‚Mean Something‘. Als Vorbote ihres kommenden EP nimmt ‚Mean Something‘ die Form eines mit Spannung erwarteten Vorgeschmacks dessen an, was noch kommen wird.
Selbst produziert und auf eine ergreifende Weise schön, ‚Mean Something‘ ist ein zartes und beeindruckendes Andenken, das aus einer unvorstellbar schwierigen Zeit entstanden ist.
Mit faszinierender Ambiance sticht die neue Veröffentlichung Elle Chante als ein talentierte Kraft hervor, die man im Auge behalten sollte. Reflektierend und filmisch ist dieses neueste Unterfangen ein Beweis für Elles Fähigkeit, Dunkelheit in Strahlkraft zu verwandeln. Mehr über den Song teilend, erklärte Elle: „Ich denke, es gibt etwas unglaublich erschütterndes an schwierigen Erfahrungen. Als bei mir Krebs diagnostiziert wurde, abgesehen von dem Schock und der Frage ‚warum‘, versuchte ich, diesen vertrauten Hintergrund zu verstehen. Mir wurde klar, dass ein Teil von mir es erwartet hatte. Aufgrund der Kämpfe und Schwierigkeiten, mit denen ich mein ganzes Leben lang konfrontiert war, habe ich sie in gewisser Weise erwartet.
Mean Something handelt davon, zu verstehen, warum schreckliche Dinge passieren. Ich denke nicht, dass alles eine Silberfutter haben muss, und es ist in Ordnung, in diesem schmerzhaften, unordentlichen Raum zu existieren, in dem man nicht weiß, warum etwas passiert ist, es geht einfach darum, die Dinge einen Schritt oder eine Sekunde nach dem anderen zu nehmen.“
Antarctica entfaltet sich wie ein filmisches Gemälde, das dreistimmige Harmonien mit klingenden Gitarren- und Pedal-Steel-Verzierungen verwebt, die ein Gefühl von Weite und Intimität hervorrufen. Ähnlich wie Bob Dylans grüblerische Lyrik oder Leonard Cohens brütende Introspektion balanciert der Song existenzielle Angst mit einer leise brennenden Hoffnung, erzählt die Geschichte von denen, die alles riskieren, um dem Unbekannten ins Auge zu sehen – und von den geisterhaften Folgen, die sie erleiden.
Vom ersten Akkord an taucht „Antarctica“ die Zuhörer in Klanglandschaften ein, die Bilder von einsamen Tundren und endlosen Wüsten heraufbeschwören, die perfekt die karge Lyrik widerspiegeln. „Ich stand in der Wüste, ganz allein, ich träumte, dass ich für immer so stehen würde, kein lebendes Wesen, nur Sand und Stein“, lautet der Text. Während dieser träumerischen Instrumentalpause driftet die Musik in eine surreale Stille ab – Pedal-Steel-Linien biegen und hallen, unterstreichen das Gefühl der spirituellen Isolation, während die dreistimmigen Harmonien eine kathedrale Resonanz erzeugen. Selbst in diesem fragilen, schwebenden Moment bleibt der eingängige Refrain bestehen, zerrt am Kern des Zuhörers mit seiner Melodie und dem Versprechen der Erlösung.
Plötzlich kommt der Track in einem besonderen Hook und einer Auflösung vollständig zur Geltung und zieht uns aus der Wüste in die unbarmherzige Kälte der Antarktis zurück – ein Metapher für die Rückkehr von der inneren Reflexion zur harten Realität. Diese letzte Passage, dargestellt in einem von Jennifer Claveau gedrehten und produzierten Video, verstärkt den Kontrast zwischen den Extremen. Hier schwellen die wirbelnden Harmonien an, verstärken die emotionalen Einsätze und spiegeln das zeitlose menschliche Streben wider, über unsere Grenzen hinaus zu drängen. Antarctica ist zugleich eine Träumerei und eine Abrechnung, ein Zeugnis für Durchhaltevermögen inmitten der kargsten Gelände des Lebens und eine eindringliche Erinnerung daran, dass Musik uns nach Hause führen kann – selbst von den entlegensten Rändern des menschlichen Geistes.
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