Lily Seabird, a singer-songwriter from Vermont, began her musical journey playing the saxophone at age 9 before transitioning to the guitar a few years later. After a childhood filled with frequent moves, she eventually settled in Vermont, finding solace in Burlington’s music scene. Her latest album, Trash Mountain, takes its name from a pink house situated on a decommissioned landfill in the Old North End neighborhood of Burlington, where she has lived for several years. Despite her roots in Vermont, Seabird has spent a significant amount of time touring both as a solo artist and as a bassist for various bands. Trash Mountain features collaborations with Greg Freeman, Nina Cates of Robber Robber, and drummer Zack James on select tracks, showcasing a more stripped-down sound compared to her previous releases.
We had the opportunity to chat with Lily Seabird as part of our Artist Spotlight series, discussing her songwriting process, the inspiration behind Trash Mountain, and her journey to Burlington following the influence of Leonard Cohen.
While Seabird’s previous albums were written over the course of a year, the songs on Trash Mountain were created in a condensed three-month period. The seamless flow from tracks like ‚How Far Away‘ to ‚Albany‘ gives the impression that they could have been written in a single night. Seabird explains that her writing process is characterized by bursts of energy, with lyrics and music often coming to her simultaneously. Many of the songs on Trash Mountain were written in quick succession during walks and moments of inspiration, capturing the essence of the transitional season between winter and spring in Vermont.
Reflecting on the album’s thematic content, Seabird notes that the songs ‚Trash Mountain‘ and ‚The Fight‘ were particularly influenced by the changing seasons and the environmental impact of human activity. The title track, inspired by the landfill behind her home, serves as a metaphor for larger societal issues such as climate change and pollution. The juxtaposition of natural beauty and human waste in her surroundings during mud season sparked introspection and contemplation, shaping the lyrical content of the album.
When asked about her concept of home, Seabird reflects on her nomadic childhood and subsequent relocations before finding a sense of belonging in Vermont. Born in San Francisco and raised in various cities on the East Coast, she navigated feelings of displacement and loneliness throughout her youth. Moving to New York City at 18 marked a new chapter in her life, ultimately leading her to Vermont where she has found a sense of community and creative inspiration.
Until I moved to Burlington at the age of 20, I never truly felt a strong sense of belonging or home. I have now been in Burlington for the past six years and have found a very supportive community in Vermont, particularly in Burlington, that has grounded me and helped me grow into an adult. This is the first place where I have truly felt like I belong, although I am not sure if I will stay here forever. Despite that, Burlington holds a special place in my heart as the place where I have lived the longest.
I have been writing songs since I was 11 and have always found comfort in songwriting as a meditative process. I have many journals filled with scribblings from the past 10 years, including diary entries, lists, poems, and observations of the world around me. This creativity has always provided me with a sense of home, even as everything else in my life has changed.
While I used to struggle with the darkness when at home for long periods, I now feel more grounded on the road, embracing the constant change and instability of touring. Despite the physical toll that touring takes on my body, my mind feels at ease on the road. I have learned to balance the excitement of tour life with taking care of myself while at home. Over the years, I have found a healthier balance between my artist self at home and the touring musician on the road, learning to moderate drinking and substance use.
I have already written my next record, drawing inspiration from my experiences on the road and writing songs in various locations, including other people’s houses. The musicians who played on this record, particularly Nina Cates, have shaped the songs in unexpected ways, adding their own contributions to the music. The collaborative process has resulted in some of my favorite moments on the album, with each member bringing their own unique touch to the music. Wir sind alle schon eine Menge zusammen getourt in der Vergangenheit, und sie waren die stabilste Gruppe von Leuten, die meine Lieder mit mir gespielt haben, und das ist eine Supergruppe von Frontleuten. Ich weiß nicht, ob die Zukunft uns so viel gemeinsam touren lassen wird wie eine Gruppe wie diese, weil es buchstäblich unmöglich ist.
Dies waren die einzigen beiden Lieder, bei denen wir einfach als Vollband, mehr kollaborativ waren. ‚Harmonoia‘, ich habe ihnen das Lied ein paar Wochen vorher beigebracht, aber das war mehr konstruiert. Das war das erste Mal, dass ich eine Platte gemacht habe, bei der ich Demos in meinem Zimmer gemacht habe und versucht habe, alle Teile zu spielen, bevor ich aufgenommen habe. Und dann waren die restlichen Songs definitiv durchdachter; ich hatte wirklich darüber nachgedacht, was ich wollte, dass die Leute spielen. Die Arrangements für alle Klavierparts, die habe ich geschrieben und meinem Freund Sam [Atallah] beigebracht. Sam spielt jetzt in meiner Band, weil es so viel Klavier auf der Platte gibt. Aber das war lustig, weil ich gesagt habe: „Es ist so, aber es dauert mir zehnmal, um dir zu zeigen, wie es geht, weil ich es nicht kann.“ Ich bin einfach wirklich schlecht im Klavierspielen.
Ich hatte definitiv das Gefühl, dass ich das mehr produzierte als alles andere, was ich je produziert habe. Früher dachte ich, dass die Aufnahme so klingen musste wie live, obwohl das nicht das ist, was die meisten Musik, die ich höre, ist. Und dann hat etwas geklickt. Vielleicht war es nach so viel Touren, dass ich dachte: „Moment mal, ich möchte einfach, dass das eine Aufnahme ist, und dann werde ich herausfinden, wie ich es live machen kann.“
Die Art und Weise, wie du es ausgesprochen hast, habe ich bemerkt, dass es ein zusätzliches O in ‚Harmonoia‘ gibt.
Also, es ist ein erfundenes Wort, der Songtitel. Es stammt aus einem Buch, das ich vor ein paar Jahren auf dem Boden gefunden habe. Ich glaube, es heißt Das Wörterbuch der obskuren Leiden. Es ist wie ein Wörterbuch mit erfundenen Wörtern, Wörtern, die zusammengefügt sind, um sehr spezifische Gefühle zu beschreiben, die wir alle als Menschen erleben, für die man kein Wort finden kann. Ich wusste nicht, wie ich diesen Song nennen sollte, und ich dachte: „Oh, ich sollte etwas aus diesem Buch auswählen.“ Es ist Harmonie und Paranoia zusammengeschlagen – wenn es zu gut läuft, dieses paranoide Gefühl, dass etwas schiefgehen wird.
Auf ‚Arrow‘ singst du: „Es gibt diese feine Linie auf jeder Seite von Schmerz und Schönheit.“ Ich nehme es aus dem Zusammenhang, aber findest du dich selbst manchmal auf dieser Linie, wenn du ein Lied schreibst? Oder tendiert man dazu, Schmerz in Schönheit zu verwandeln?
Ja, ich denke, das hat mich schon immer sehr inspiriert. Das ist irgendwie eine Anspielung auf Leonard Cohen, weil ich ein wirklich großer Leonard Cohen Fan bin. Ich habe alles, was er geschrieben hat, in einem verrückten Maße konsumiert – bis zu dem Punkt, an dem ich irgendwie in Burlington gelandet bin, weil ich alleine nach Montreal gegangen bin, nachdem Leonard Cohen gestorben war, um die Leonard Cohen-Ausstellung im MAC zu besuchen. Sie hatten alle seine Journale und Sachen aus seinem Leben für die Öffentlichkeit zugänglich ausgestellt. Ich glaube, ich war gerade 19 geworden. Ich bin rausgegangen, habe eine Menge Quebecois-Leute getroffen, eine Menge Geld für Tanzen und Trinken ausgegeben – und hatte nicht so viel Geld im ersten Platz, hatte nicht genug Geld, um nach New York zurückzukommen. Also habe ich ein Busticket nach Burlington gekauft, wo mein Freund lebte, und ich bin hier für etwa drei Tage geblieben. Ich habe eine Menge Leute getroffen und dachte: „Oh, vielleicht sollte ich hierher ziehen.“ Die Leonard Cohen-Obsession hat mich nach Burlington gebracht, und dann bin ich hierhergezogen, um kurz zu leben, und dann bin ich hier geblieben. Also hat mich meine Obsession für Leonard Cohen zu anderen Teilen meines Lebens geführt, was – ich denke manchmal darüber nach, wie es gewesen wäre, wenn ich nicht so besessen von ihm gewesen wäre, vielleicht wäre ich nicht hierher gekommen.
Einer meiner Lieblingsorte, den ich besucht habe, ist Leonard Cohens Haus in Hydra, Griechenland, wo er mehrere Jahre gelebt hat.
Ich wusste nicht einmal, dass er in Griechenland gelebt hat. Jetzt will ich wirklich nach Griechenland.
Du singst darüber, einen Traum zweimal zu sehen, in ‚Harmonoia‘ und ‚How Far Away‘, und sie klingen fast wie aus demselben Traum. Ich frage mich, ob du manchmal das Gefühl hast, dass es eine feine Linie zwischen Träumen und Songwriting gibt, oder zwischen dieser wachen Realität und dem traumhaften Fließzustand, von dem du gesprochen hast.
Ja, ich denke, das ist alles viel stärker miteinander verwoben, als die Gesellschaft uns glauben machen will. Kreativität, Träumen, wach sein, schlafen, leben, sterben… Ich bin eine sehr spirituelle Person, also habe ich das Gefühl, dass ein Selbst, oder etwas, das zwischen diesen verschiedenen Existenzebenen fließt. Ich denke ständig darüber nach. Und ich hatte schon immer sehr lebhafte Träume, also fühle ich mich sehr verbunden mit der Traumwelt.
Schicksal ist etwas, das sich durch viele Songs auf dem Album schleicht – ob manche Dinge dazu bestimmt sind zu passieren, oder, wie du es im letzten Song ausdrückst, „im Buch geschrieben stehen“. In vielerlei Hinsicht hast du dich von dieser Sammlung weiterentwickelt, also frage ich mich, wo du jetzt zu dieser Idee – nennen wir es Vorherbestimmung – stehst.
Ich weiß nicht, ob ich eine klare Meinung darüber habe, was ich in Bezug darauf glaube, aber es ist etwas, worüber ich nachdenke, also taucht es in den Songs auf. Ich weiß nicht wirklich, ob Dinge von irgendeiner höheren Macht in Stein gemeißelt sind, oder ob alles einfach zufällig passiert, und dann reden wir darüber, ob es „bestimmt war“ nachträglich, und so machen wir Sinn aus den Dingen, verdauen sie und gehen weiter. Aber ich finde es irgendwie verrückt, wenn ich mit 26 Jahren einen festen Satz von Überzeugungen hätte. Ich bin offen dafür zu sehen, was passiert.
Dieses Interview wurde für Klarheit und Länge bearbeitet und gekürzt.
Lily Seabirds Trash Mountain erscheint am 4. April über Lame-O Records.
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