Wie seine duellierenden Antiheldinnen weigert sich Death Becomes Her zu sterben. Es könnte nicht ganz die gleiche Klebrigkeit oder, unfairerweise, Respekt haben wie bei einigen seiner Comedy-Kollegen aus den 90ern, aber es hat sich trotzdem in den Randgebieten gehalten, mit Drag-Tributen oder Halloween-Kostümen oder Vergleichen mit Real Housewives-Stars oder, neuerdings, Ähnlichkeiten mit The Substance (es ist der unendlich bessere Film).
Die Themen des Alterns und der grausamen Unmöglichkeit von Schönheitsstandards verschwinden auch nie – im Gegenteil, sie werden immer mehr in den Mittelpunkt gerückt – und so hat sich eine Art Neugestaltung schon seit geraumer Zeit unausweichlich angefühlt (Gerüchte über ein Remake kursieren seit Jahren). Es ist nachvollziehbar, dass eine Wiedergeburt am Broadway als nächstes kommen würde, da sowohl der Förderband von Bildschirm-zu-Bühnen-Adaptionen als auch der brachiale humorvolle Stil des Originals es zu einem perfekten Match machen. Der Erfolg war jedoch bei vielen Beispielen, die ihm vorausgingen, wie Pretty Woman, Mrs Doubtfire oder, verwirrenderweise, Indecent Proposal, bei weitem weniger unausweichlich.
Aber nach einer aufsehenerregenden ersten Aufführung in Chicago wurde Death Becomes Her am Broadway als ein mitreißender, rauschhaft unterhaltsamer Hit wiedergeboren, die Art von großem, alle Kästchen ankreuzenden Blockbuster, von dem man erwarten kann, dass er lange erhalten bleibt (vor der Eröffnung waren die Ticketverkäufe so hoch, dass es bereits eine Verlängerung bis zum Ende des nächsten Sommers erhielt).
Die Handlung, die von 104 auf 135 Minuten erweitert wurde, verfolgt die langjährige Rivalität zwischen der nervigen Bühnen- und Leinwandstar Madeline (Broadway-Stammgast Megan Hilty) und ihrer schüchternen Schriftstellerfreundin Helen (Jennifer Simard). Wie im Film beginnt es mit einem miserablen Musical, in dem Madeline die Hauptrolle spielt (umbenannt von Songbird in Me, Me, Me!) und dem Moment, in dem Madeline dann den leicht stehlbaren Verlobten von Helen, Ernest (Christopher Sieber), stiehlt. Dann springt es vorwärts, als Madelines Karriere genauso ruiniert ist (sie verkauft jetzt Gesichtscreme in Infomercials) wie ihre Ehe. Nachdem sie die rachsüchtige Helen wiedertrifft, jetzt frustrierenderweise glamouröser als sie, findet sie auf irgendeine Weise den mysteriösen Viola Van Horn (Destiny’s Child’s Michelle Williams) und erhält ein Angebot, das sie nicht ablehnen kann …
Die ewige Jugend verleihende Alchemie, die sie konsumiert – ihre violette Farbe ist die meiste Zeit der Show über verlockend zu sehen – sorgt für einen notwendigen Auftrieb, im wahrsten Sinne des Wortes, aber bringt sie dann in einen langen und blutigen Kampf bis zum Tod mit Helen, die auch den gleichen Trank genommen hat, obwohl keine von ihnen sterben kann.
Was den Film für ein breiteres, geradlinigeres Publikum damals am bemerkenswertesten machte, war sein bahnbrechender Einsatz von CG, der beeindruckend genug war, um dem Film einen Oscar für die besten visuellen Effekte zu bescheren. Die Übersetzung sowohl der drastischen Veränderungen im physischen Erscheinungsbild als auch der vielen physikwidrigen Schlägereien – jede gebrochene Halswirbel, gebeugte Wirbelsäule und durchgeschossener Magen – auf die Bühne zu bringen, war nie einfach, aber durch eine wundersame Mischung aus genialem Trick und etwas wissentlich alberner Choreographie funktioniert es weit besser, als man befürchten könnte (ein lächerlich in die Länge gezogener Sturz die Treppe hinunter und ein absurder Kampf zwischen zwei kaum verkleideten Stuntleuten sind beide albern aufregend).
Die vielen Hindernisse auf dem Weg vom wiederholt angesehenen VHS-Klassiker zum touristensichernden Bühnenmusical wurden größtenteils vermieden. Zum einen sind die Lieder elektrisierender als sie es in diesem spezifischen Subgenre tendenziell sind (selbst Tootsie, eine der erfolgreichen Übertragungen, konnte keinen einzigen einprägsamen Song aufbringen). Die Texte von Julia Mattison und Noel Carey sind genauso geistreich und bösartig wie das Buch von Marco Pennette, einem langjährigen TV-Autor, und es gibt eine gut genutzte wiederkehrende Variation von Alan Silvestris herrlichem, an Elfman erinnerndem Score aus dem Original. Diese Gemeinheit insbesondere ist eine weitere Erleichterung, angesichts dessen, wie oft diese Dinge entschärft werden. Mean Girls machte Regina George von einer Tyrannin zu einer Girlboss, The Bodyguard machte Rachels Schwester von einer Schurkin zu einem Opfer, und Berichte deuten darauf hin, dass die bevorstehende Version von The Devil Wears Prada Mirandas Gemeinheit abschwächt. Hier gibt es kein solches Versüßen, da sich beide Frauen während der gesamten Zeit schrecklich benehmen, und selbst wenn ein letztes Lied damit droht, es in eine Geschichte von Freundschaft zu verwandeln, geschieht dies nur, weil diese beiden genauso köstlich unangenehm sind wie das jeweils andere.
Die Messlatte wurde durch die Leistungen im Film – Meryl Streep, Goldie Hawn, Bruce Willis und Isabella Rossellini, die seine übertriebenen, vollmundigen Extreme perfektionierten, ohne ins Pantomimehafte abzurutschen – weitgehend erfüllt. Hilty übertreibt es und hört nicht auf, mit einer großen, kraftvollen Stimme, die folgt, und obwohl sie die erfahrenere Darstellerin ist und sich fantastisch macht, ist es Simard, die es mit einem bissigeren, aber zurückhaltenderen Ton gerade noch schafft, die lustigsten Momente der Show zu stehlen. Der einzige Haken ist Williams, deren Stimme sicherlich kraftvoll genug ist, aber als Schauspielerin ist sie etwas hölzern, sie betont übermäßig die Linien und ist nie so körperlich locker und sinnlich wie Rossellini oder die Tänzer um sie herum auf der Bühne jetzt.
Es ist eine seltene falsche Note in einem ansonsten erstklassigen Publikumsmagneten, der auf der Bühne extravagant verwandelt wurde, ein neuer Lebenshauch, der mehr als verdient ist.