Okay, lass uns das aus dem Weg räumen: Ja, The Brutalist ist lang. Sehr lang. Hintern-numbingly lang. Was man von einer jahrzehntelangen Geschichte eines Holocaust-Überlebenden Architekten erwarten würde, der auf die amerikanische Traum stößt. Trotzdem scheint diese dreieinhalbstündige Laufzeit als Hauptargument gegen Brady Corbets Film vorgebracht worden zu sein; dass er zu großartig, zu ehrgeizig, zu selbstgefällig ist. Es gibt sogar eine verdammte Pause! Wer denkt dieser Corbet, wer er ist?
Was seltsam erscheint, denn vieles von dem, wofür der Film kritisiert wurde, wird normalerweise als Vorteil angesehen. Gute oder schlechte amerikanische Kinohöhepunkte, von Citizen Kane bis Der Pate und darüber hinaus, tendieren dazu, große, muskulöse Filme zu sein, die glauben, dass sie etwas Tiefgründiges über das Land, in dem sie gemacht wurden, zu sagen haben. Und The Brutalist hat sicherlich Dinge zu sagen, egal wie man darüber denkt, wie es gesagt wird: über Kunst und Patronage, die Beziehung der USA zu Europa und den unerbittlichen Wandel des Kapitalismus. Mit so vielen gewichtigen Ideen, die verpackt werden müssen, scheint die Laufzeit, wenn überhaupt, ein wenig knauserig.
Dass ein so ehrgeiziger Film überhaupt gemacht werden konnte, ist umso beeindruckender. Wir befinden uns in einer Ära des Rückzugs für das Indie-Kino, in der viele Filme es nie schaffen, auf die große Leinwand zu gelangen, stattdessen direkt zum Streaming gehen und in der Flut von „Inhalten“ untergehen, zu einer Zeit, in der sich Horizonte verkleinert haben, ebenso wie Budgets. Das Budget des Brutalisten ist auch nach modernen Maßstäben klein, mit weniger als 10 Millionen Dollar. Aber innerhalb dieser Einschränkungen ist es Corbet und seinem Team gelungen, ein kompromissloses amerikanisches Epos zu konstruieren – und irgendwie profitabel zu machen. Es hat einiges an Opfern gekostet – Corbet und sein Partner, die Drehbuchautorin des Films, Mona Fastvold, mussten sich dementsprechend einschränken („Champagner gegen Sekt tauschen“, wie er es ausdrückt), und der Regisseur behauptet, keinen Cent mit seinem neuesten Film verdient zu haben. Aber das ist der Preis dafür, etwas ganz nach eigenen Vorstellungen zu machen, für pure kreative Sturheit.
Es ist eine Eigenschaft, die, wie viele bemerkt haben, von der Figur in der Mitte des Films geteilt wird, dem fiktiven ungarischen Architekten László Tóth, brillant gespielt von Adrien Brody. Bauhaus-ausgebildet, hat Tóth sich in Europa einen Namen mit seinen strengen, klaren Konstruktionen gemacht, aber sein Lebensunterhalt – und noch viel mehr – wurde durch Hitlers Aufstieg gestört. Getrennt von seiner Frau und seiner Nichte hat er den Holocaust überlebt, kommt aber ohne Reputation oder Geld in den USA an, obwohl er immer noch den gleichen Stich des Antisemitismus spürt, den er in Europa erfahren hat. Tóth gerät bald in den Orbit des steif-kieferigen Industriellen Harrison Lee Van Buren, gespielt von Guy Pearce, dessen grobschlächtiger Sohn Harry (Joe Alwyn) ihn rekrutiert hat, um die Bibliothek seines Vaters als Überraschung zu renovieren, während er auf Geschäftsreise ist. Anfangs hasst Van Buren Tóths dramatische Aktualisierung, mit ihrem Fokus auf Licht und Raum, aber die Aufmerksamkeit der Architekturgemeinschaft überzeugt ihn schließlich von ihrer Brillanz. Dieser Zyklus von Adulation und Ablehnung zwischen Patron und Kunde wird im Laufe des Films wiederholt, manchmal gewaltsam.
Bald hat Van Buren Tóth für ein größeres Projekt beauftragt: ein riesiges Gemeindezentrum zu Ehren seiner verstorbenen Mutter. Der Bau wird Jahrzehnte dauern, behindert durch die wechselnden finanziellen Verhältnisse seines Mäzens sowie Tóths eigene kantige Perfektion (nur der feinste toskanische Marmor wird akzeptiert, schließlich). Die Ankunft seiner Frau Erzsébet (Felicity Jones), die ihren Mann entschlossen beschützt und klar sieht, mit wem er sich eingelassen hat, kompliziert die Dinge weiter.
Es ist diese zweite Hälfte – und eine besonders schockierende Szene, die die Beziehung zwischen Tóth und Van Buren vollständig entwirrt -, die die Kritiker am meisten gespalten hat. Sicher, der große animierende Moment des Brutalisten ist nicht subtil – aber dann würden subtile Gesten dem Film nicht wirklich passen. Alles daran, wie die Bewegung, nach der es benannt ist, ist darauf ausgelegt, imposant zu sein, von Lol Crawleys schroffer, weitwinkliger Kameraführung bis hin zum unerbittlichen, abriebenden Score von Daniel Blumberg. Aber das ist auch ein Film, der darauf aus ist, Ihre Aufmerksamkeit zu halten, sobald er sie erobert, direkt inszeniert und kraftvoll inszeniert. Unterstützt von der viel kritisierten, aber letztendlich den Gaumen reinigenden Pause des Films, vergeht diese Laufzeit von drei Stunden und mehr wie im Flug.
Es hilft, dass die Leistungen so gut sind, wie sie sind. Dies ist eine beeindruckende Rückkehr zur Prominenz des Leading Man für Brody, dessen Karriere zu einem sternenklaren Nebendarsteller zu werden schien – unterhaltsam in Succession oder Wes Andersons Filmen auftauchend, aber selten mit etwas wirklich zu kauen. Das ist hier sicherlich nicht der Fall: Tóth ist eine Figur von immensem Mitgefühl, aber auch zuweilen wirklich unsympathisch – stur, nachtragend, schlecht gelaunt – und Brody ist in der Lage, seine scharfen Kanten herauszuarbeiten. Ebenso beeindruckend ist Pearces Leistung als Van Buren, eine Figur, die so leicht in eine laute, blaublütige Karikatur abrutschen könnte. Aber sein Van Buren hegt auch ein Hölleninferioritätskomplex gegenüber dem europäischen Ästheten, der in sein Leben gedriftet ist, den er mit Geld und amerikanischem Charakter zu überwältigen versucht.
Diese Spannung fühlt sich rechtzeitig an, da sowohl die USA als auch Europa ihre Beziehung zueinander neu bewerten. Es ist einer der vielen Gründe, warum der Brutalist trotz seines zeitlichen Rahmens zeitgemäß erscheint. Dies ist ein Film, der darauf abzielt, Sie mit seinen riesigen Bildern und Ideen in Ehrfurcht zu versetzen. Wenn es um das beste Bild des Jahres geht, sollte die Akademie groß denken.