Die Transformation – Nightbitch
Fotografie: AP
Amy Adams‘ hundeartige Transformation in Marielle Hellers Nightbitch sollte nichts Neues sein, was wir noch nicht gesehen haben. Es gibt eine lange Geschichte von verwandelten Werwölfen in Filmen: Stöhnen, das zu Knurren wird, das Strecken und Verdrehen von Muskeln, das schnelle Sprießen von Fell. Tatsächlich haben einige Leute diesen Film kritisiert, weil er sich vor dem Körperhorror scheut, der im Herzen von Mothers animalischem Zusammenbruch liegt. Aber es liegt eine starke Ahnung von Katharsis in dieser unauffälligen Verwandlungsszene: Beobachten, wie Adams die Mitternachtsluft schnuppert, mit bloßen Händen in ihren ordentlichen Vorstadtrasen gräbt, auf Pfoten kniet, vollständig Hund in Körper und Geist ist, bevor das Haar auf ihren Unterarmen zu borstig wird. Adams‘ unheimlich ruhiger Voiceover („Ich habe einen Gedanken: Ich bin ein Tier“) folgt dem sich kräuselnden Fell, während ihr Charakter als galoppierender roter Husky wiedergeboren wird, mit einer Wolke aus erdbeerblondem Haar auf einem muskulösen Körper. Ein Jagdhund mit einem einzigen Ziel: „Blut! Blut, Blut, Blut!“ Und es ist Schluss für die Nachbarschaftskatzen. Pamela Hutchinson
Das Finale – Challengers
Fotografie: Christophel Collection/Alamy
Einer der kniffligsten Aspekte von Sportfilmen ist die Sieg/Niederlage-Binarität: Wie kann man etwas Aufregendes oder Unerwartetes konstruieren, ohne das Ergebnis eines fiktiven Spiels in eine vertraute Form zu zwingen? Challengers, die Tennis-Tragikomödie von Luca Guadagnino und Justin Kuritzkes, findet einen Weg, trotz allem im Film, der auf ein entscheidendes Tennis-Match zwischen den ehemaligen besten Freunden Patrick Zweig (Josh O’Connor) und Art Donaldson (Mike Faist) hinführt, mit den impliziten Einsätzen um das Herz von Arts Frau, Tashi Duncan (Zendaya), der Frau (und ehemaligen Tennis-Wunderkind), die sie beide lieben. Als das entscheidende Match beginnt, hat Art gerade erfahren, durch eine elegant stumme Rückkehr zu einem früheren Teil des Films, dass Patrick und Tashi kürzlich miteinander geschlafen haben. Mit anderen Worten, es ist an – und, wie im Sport, ist es schwer zu sagen, wie eine der binären Optionen (oder sogar eine nicht-davon-Abdankung) zu einer zufriedenstellenden Auflösung führen würde. Immer ein nervöser Stylist, Guadagnino dreht hier richtig auf, indem er das hektische Ball-Auge-Blick-Spiel der Jungs zeigt, vom schwindelerregenden Tennisball-Sichtschuss bis hin zu einem Überkopfplatz-Schuss zu einer phantasievollen Komposition von, irgendwie, unterhalb des Platzes, die die Spieler erscheinen lässt, als würden sie in der Luft gehen. Sie kommen immer näher ans Netz, bis sie schließlich in eine schweißnasse Umarmung springen. Tashi, die im Stehen langsamer fasziniert ist, lässt einen instinktiven Schrei los, ein weiterer Rückruf zu einem früheren Teil des Films – ein Ausdruck adrenalinschwerer Ekstase. Und das ist es: In einer einfachen, aber aufgepeppten, nahezu dialogfreien Sequenz haben die Filmemacher etwas Tiefgründiges sowohl über die potenzielle Reinheit des Sports als auch über die unordentliche Glückseligkeit wahrer (und multidirektionaler) Liebe kommuniziert. Es ist ein Akt höchsten Vertrauens, dass der Film bis zu den letzten fünf Minuten von sehr gut auf absolut großartig warten kann. Jesse Hassenger
Die Ankunft – Dune: Teil Zwei
Fotografie: Mit freundlicher Genehmigung von Warner Bros Pictures/AP
Es gibt viele gute Gründe, einen Film im Kino zu sehen – um Präzision auf der großen Leinwand zu erleben, um unabhängige Filme zu unterstützen, um das gemeinschaftliche Erlebnis zu genießen, beispielsweise das gemeinsame Keuchen bei jeder Wendung in Conclave. Doch einer der wichtigsten Gründe, zumindest für mich, ist das Eintauchen in das große S-Spektakel. Kein Film hat in diesem Jahr so sehr auf reine kinematographische Absorption gesetzt wie Denis Villeneuves Dune: Teil Zwei, der genauso wunderschön, ehrgeizig und seltsam ist wie Teil Eins. Und kein Moment in Teil Zwei trifft so hart wie der letzte Akt-Einstieg, wenn ein korrumpierter Paul Atreides im Fremen-Sietch ankommt, um Macht zu beanspruchen. Hier wirken viele Schichten erhabener Spektakel: 1) Menschenmenge 2) zitternde Musik (Hans Zimmers rockiger Ankunft, dessen unterirdische Basis an den kranken Sardaukar-Kehlgesang aus Teil Eins erinnert) 3) grenzwertiger komischer Ernst 4) Timothée Chalamets Machtpose 5) Riesen-Sandwurm-Powerpose. Jedes der drei Male, die ich Teil Zwei im Kino gesehen habe, strahlte ich durch diesen auteuristischen Höhepunkt der Teenagerangst wie ein verrücktes Kind mit Süßigkeiten. Das analytische Gehirn sagt: Was für ein Nervenkitzel, Villeneuve mit der größtmöglichen Leinwand malen zu sehen, einen wirklich visionären Blockbuster zu sehen. Aber das Filmfan-Gehirn ist am Steuer: Auf geht’s. Adrian Horton
Die Psycho-Haus-Verfolgung – MaXXXine
Fotografie: Everett Collection Inc/Alamy
Ti Wests X-Trilogie war schon immer eine Liebeserklärung an wichtige Momente, groß und klein, in der Geschichte des Horrorkinos – mit dem Abschluss der Serie, MaXXXine, dreht West voll auf. Zum einen gibt es eine Galerie von Rückrufen auf Filme wie Halloween, The Texas Chain Saw Massacre, Psycho und viele mehr (ohne die ersten beiden Filme der Trilogie, X und Pearl, zu erwähnen). Darüber hinaus stellt die Handlung Mia Goth als Maxine dar, eine Pornodarstellerin, die versucht, zur Schreikönigin zu werden und so West dabei hilft, seinen Film in filmische Sehenswürdigkeiten wie den Hollywood Boulevard, die BonaVista-Drehbar im Westin Bonaventure Hotel und natürlich den Universal Studios Backlot zu tauchen, wo Maxine auf Norman Bates‘ gruseliges Zuhause stößt. In einer zentralen Szene wird sie von einem privaten Detektiv durch eine Universal-Fassade nach der anderen gejagt – und findet schließlich Zuflucht im Bates-Haus selbst –, erreicht MaXXXine ihren sorgfältig geschichteten Ansatz zur Dekonstruktion und Rekonstruktion der Filmgeschichte einen Höhepunkt. Es ist ein wirbelnder, hall-of-mirrors-Moment, der poetisch die Dringlichkeit des Lebensretten mit der bewussten Künstlichkeit der gesamten X-Trilogie verbindet und alles in Wests außergewöhnlicher Trilogie von Filmen mühelos zusammenführt. Veronica Esposito
Der Dank – Ein Echt Schmerz
Fotografie: Album/Alamy
A Real Pain, Jesse Eisenbergs zweiter Film, handelt von zwei New Yorker Cousins, David (Eisenberg, angespannt) und Benji (Kieran Culkin, charmant/verrückend), die eine jüdische Erbe-Tour durch Polen machen. Es ist alles, was man sich von Eisenberg erhofft hat und mehr: clever und lustig, leicht und tief, flott und bewegend. Es ist ein bisschen Woody Allen-mäßig und ein bisschen Noah Baumbach und ein Hauch László Nemes. In Interviews hat Eisenberg gesagt, dass er die besten Witze aus dem finalen Schnitt herausgeschnitten hat, da sie den Film unausgewogen machten. Die Zeile, die jetzt den größten Lacher bekommt, wurde von Will Sharpe improvisiert, der James spielt, ihren schwach Richard Ayoade-ähnlichen Reiseleiter. Am Tag zuvor hat Benji James abrupt dafür getadelt, dass er die Tour nicht ausreichend gefühlvoll oder authentisch gestaltet hat. Später an diesem Abend benimmt sich Benji schrecklich in einem Restaurant; David entschuldigt sich wieder für ihn und erklärt, warum er so sein könnte. Am nächsten Tag machen sie eine Tour durch ein Konzentrationslager und die Cousins verabschieden sich von der Rest der Gruppe. James umarmt Benji und dankt ihm für sein ehrliches Feedback, dass er seine Perspektive verändert hat, seine Karriere wiederbelebt. Dann, als er weggeht, wirft er David – der so viel Mühe und Empathie investiert hat – das belangloseste „Danke, David“ vorstellbar zu. Es ist einfach ein perfektes kleines Detail: erzählend, schockierend und so, so witzig. Ich lache jedes Mal, wenn ich daran denke. Catherine Shoard
Die Akronyme – Rebel Ridge
Fotografie: Allyson Riggs/AP
In Jeremy Saulniers donnernd unterhaltsamem Actionthriller Rebel Ridge steckt viel wütende Wut. Sie entsteht aus dem gefangenen Helden von Aaron Pierre und dann auch aus uns – nicht nur gegen diejenigen, die versuchen, ihn zu zerstören, sondern auch gegen diejenigen, die versuchen, den Film selbst zu zerstören. Er landete im September auf Netflix mit schwächstem Fanfarenklang – ein Film, der perfekt für ein lautes, gemeinschaftliches Kinoerlebnis geeignet ist, leise auf deinem iPhone Premiere hatte. Einer von vielen, vielen Momenten, die mich wünschten, ich würde es mit einer Menschenmenge erleben, kommt während eines Showdowns im örtlichen Polizeirevier, als Terrys von Pierre erzogen wird, während Don Johnsons fabelhaft bösartiger Polizeichef darüber aufgeklärt wird, wofür Pace steht, während sein Kollege gerade entdeckt, was MCMAP bedeutet („Ich glaube, er ist auf der Wikipedia-Seite!“ unter den feinsten Zeilen des Jahres). Saulnier presst jede einzelne Spannung aus, bevor er etwas dringend benötigte, wenn auch kurze, Katharsis liefert, wenn ein glaubwürdiger und clever choreografierter Handgemenge entsteht. Wie der Film um ihn herum gibt es ein enorm befriedigendes Gleichgewicht von Gehirn und Muskeln, das wir heutzutage im Actionkino einfach nicht mehr so oft sehen. Ich jubelte vom Sofa aus. Benjamin Lee
Die Coda – Der Brutalist
Fotografie: AP
Die Blitz-vorausschauende Coda des Brutalisten bietet sich wie ein Rorschachfleck an: Die erwachsene Tochter des inzwischen gebrechlichen Architekten László tritt bei einer Ausstellung zu Ehren seiner Arbeit auf und erklärt, dass sein Magnum Opus-Gemeindezentrum als Tribut an die verstorbene Mutter eines goyischen Industriellen in Auftrag gegeben wurde, László das Projekt jedoch heimlich in ein Denkmal für die Schrecken des Holocaust verwandelte. Aber ist die Erwähnung des jungen Zionisten ihres Zuhauses in Jerusalem ein Hinweis darauf, dass Israel die ultimative historische Rechtfertigung für die Juden ist? Oder sagt diese Szene – in der sie sagt „Ich spreche jetzt für dich“ zu einem verkommenen Mann, der es im Leben abgelehnt hat, das Judentum mit israelischer Identität gleichzusetzen – etwas subtileres darüber aus, wer die Obhut über die Erinnerung an den Holocaust beansprucht? Der Autor-Regisseur Brady Corbet hat sich über seine eigenen Neigungen bedeckt gehalten, aber er lässt seinen finalen Musikhinweis als Hinweis auf seine Theorien über Aneignung und Ideologie fallen, zwei Schlüsselthemen, die er zuletzt mit Vox Luxs Übersetzung von Popmusik in den Terrorismus der Jahrtausendwende besucht hat. Die Italo-Disco-Gruppe La Bionda schickt uns mit einem so fröhlichen Mantra hinaus, dass es beunruhigend ist: „Eins für dich, eins für mich!“ Charles Bramesco
Die Vernehmung – Hit Man
Fotografie: Netflix
Es gibt eine Rollenspiel-Szene in Hit Man. OK, eigentlich gibt es viele Rollenspiel-Szenen. Richard Linklaters noirische Screwball-Romcom (eine Genre-Fülle, die reine Cineasten-Bliss hervorbringt) handelt von einem College-Professor, gespielt von Glen Powell, der enthusiastisch seine neue Aufgabe als Auftragskiller für verdeckte Polizeistichoperationen übernimmt. Die Dinge werden wirklich aufregend für Gary, wenn er, noch in seiner Rolle, mit einem seiner Ziele involviert wird: Adria Arjonas Madison, eine schmollende Femme fatale, die ihren Mann loswerden will. Sie haben eine Affäre, bei der das Rollenspiel dampfig und vielschichtig wird. Aber der (hüstel) Höhepunkt ist es, der den Deal wirklich besiegelt. Die Polizei ist Madison auf der Spur. Gary wird beauftragt, sie zu konfrontieren. Und das tut er auch, indem er eine Überraschungs-Küchenszene-Vernehmung durchführt, während Detektive zuhören, während er Notizen an Madison weitergibt, um sie zu dirigieren, wie sie sich verhalten und reagieren soll. Während all dem halten Powell und Arjona diese sexuelle Spannung zwischen ihren Charakteren aufrecht, ihre Augen zärtlich und flirtend, während ihre Münder all das Nadeln und Schreien tun. Die beiden unerhört heißen Schauspieler geben Leistungen auf mehreren Ebenen und so vielen erogenen Zonen, in einer der freudigsten und angenehmsten Szenen, die uns das Kino in diesem Jahr beschert hat. Radheyan Simonpillai
Die Assistentin – Martha
Fotografie: Netflix
In Netflix‘ Martha, dem fesselnden Dokubio über Amerikas Ur-Influencerin, ist Martha Stewart fest auf der Hut, um Regisseur RJ Cutlers durchdringende Fragen abzuwehren und zarte Gefühle sicher zu bewahren. Aber dann durchbricht ein Strahl Klarheit spät durch Filmmaterial von Stewart zu Hause in einem verzweifelten Versuch, vor einer anderen Dokumentarfilmcrew normal zu wirken. Anstatt auf das offensichtliche Problem (ihr bevorstehendes Bundesgefängnis für Betrug) einzugehen, konzentriert sie sich auf einen Mitarbeiter, der mit einem winzigen Messer an einer Orange sägt. „Warum benutzt du ein kleines Messer, um eine große Orange zu schneiden?“, faucht sie. „Man benutzt ein großes Messer, um Orangen zu schneiden, OK? Weißt du, wie schnell ein großes Messer schneidet?“ Sie schnappt sich eins, um den Job zu beenden, warnt aber das Kamerateam davor, das „nicht zu filmen“. Gott sei Dank haben sie nicht zugehört. Wir hätten vielleicht nie Stewart gesehen, wie sie tatsächlich ihre Wahrheit lebt. Andrew Lawrence