Die Arbeit von Anli Hou ist eine überzeugende Meditation, die hauptsächlich die emotionalen und gesellschaftlichen Rollen untersucht, die zeitgenössischer Schmuck spielen kann. Weit über bloße Verzierung hinaus fungieren ihre Kreationen als Fahrzeuge für Introspektion, Erinnerung und bedeutungsvolle Verbindung. Im Zentrum ihrer Praxis steht ein tiefes Engagement für die Erforschung von Schmuck als Kommunikationsmedium, eine wirklich taktile, visuelle Sprache, die in der Lage ist, die emotionalen Lücken zu überbrücken, die vom digitalen Zeitalter oft vertieft werden. Ihre Designs handeln weniger von Dekoration und mehr von Dialog, indem sie auf die wachsende Kluft zwischen den Menschen aufmerksam machen und auf eine Rückkehr zu echter, von Angesicht zu Angesicht Interaktion drängen.
Diese Exploration setzt sich in Anlis neuester Arbeit fort, die einen starken Schwerpunkt auf sinnliche Eintauchen und emotionale Zuflucht legt. Aus persönlichen Ritualen schöpfend, Momente, die sie damit verbringt, das sanfte Flackern von Kerzenlicht zu beobachten oder von der prismatischen Tanz holographischer Oberflächen fasziniert zu sein, schafft sie einen Kerzenhalter, der sowohl skulptural als auch symbolisch ist. Unter Verwendung von Metall und holographischem Kunststoff gestaltet sie einen Raum, in dem Licht zu Bewegung und Ruhe wird. Das Ergebnis ist nicht nur ein funktionales Objekt, sondern ein meditativer Portal, das die Zuschauer einlädt, einen Blick zu werfen und zu atmen. Ihnen helfen, dem Lärm des Alltags zu entfliehen.
Bevor wir uns in ein Interview mit Anli Hou stürzen. Hier ist unsere Kritik an ihrer Serie.
Die Arbeit von Anli Hou
In dieser eindrucksvollen skulpturalen Arbeit bietet die Künstlerin Anli Hou eine poetische Antwort auf die Reizüberflutung des modernen Lebens. Das Stück, eine Mischung aus tragbarer Kunst und funktionalen Objekten, verschmilzt holographische Kunststoffe, Perlen und metallische Oberflächen zu einer traumhaften, korallenartigen Form, die sowohl als Brosche als auch als Kerzenhalter dient. Die beiden Varianten, eine am Körper getragen, die andere eine flackernde Kerze haltend, unterstreichen die Dualität von Verzierung und Zuflucht.
Visuell ist die Arbeit fesselnd. Holographische Elemente schimmern mit einem Schiller, der sich beim Bewegen des Betrachters verschiebt und eine tranceartige Qualität hervorruft. Dieses Zusammenspiel von Licht und Textur wird zu einem meditativen Fokuspunkt, der Hou’s persönliche Erfahrungen des Starrens in reflektierende Oberflächen widerspiegelt, um der Realität zu entfliehen. Die Materialien laden den Betrachter in eine abgeschwächte, surreale Landschaft ein und bieten eine vorübergehende Aussetzung von den Drücken des täglichen Lebens.
Was hat dich zuerst inspiriert, Künstler zu werden, und wie hast du deinen einzigartigen Stil entwickelt?
Meine Verbindung zur Kunst fühlt sich fast angeboren an. Schon in jungen Jahren hegte ich eine unbeschreibliche Leidenschaft für das Malen. Ich wurde der jüngste Schüler im Atelier meines Kunstlehrers im Kindergarten und begleitete ältere Schüler auf Skizzenausflügen ins Freie. Allerdings war ich so klein, dass ich oft auf einem Stuhl stehen musste, um meine Leinwand zu erreichen. Eingetaucht in die Welt der Farben und Linien fand ich eine Freude, die nur stärker wurde, als ich älter wurde. Von vier bis vierzehn Jahren drehte sich mein Leben um Papier, Pinsel und die grenzenlosen Möglichkeiten des künstlerischen Ausdrucks.
Mit fünfzehn veränderte eine Reise den Lauf meines Lebens. Ich reiste mit meiner Mutter nach Österreich und besuchte den Hauptsitz von Swarovski. Im Moment, als ich die blendende künstlerische Schmuckstücke vor mir sah, war ich völlig fasziniert. Es war mehr als nur eine Fusion von Materialien und Handwerkskunst – es war das Zusammenspiel von Licht und Schatten, durchdrungen von tiefen Emotionen. Zum ersten Mal erkannte ich, dass Schmuck nicht nur eine Verzierung war; er trug Geschichten, verkörperte die Vision und Gefühle des Designers. In diesem Moment wurde mein Traum klar: Ich wollte Schmuckdesignerin werden.
Später absolvierte ich weiterführende Studien am Royal College of Art in Großbritannien, eine Erfahrung, die mein Design-Denken tiefgreifend erweiterte. Ich begann, Schmuck nicht nur als ästhetisches Objekt, sondern als Medium für Dialog zu sehen – eins, das soziale Phänomene reflektiert und innerhalb eines globalen Kontextes spricht. Diese Erkenntnis prägte meinen künstlerischen Stil, der sich um innovative Materialien und konzeptuellen Wert dreht. Ich konzentriere mich auf soziale Themen, suche nach Resonanz mit bestimmten Gemeinschaften, damit meine Werke mehr als nur dekorative Stücke werden – sie werden zu künstlerischen Erzählungen, die zum Nachdenken und zu emotionalen Verbindungen anregen. In Bezug auf Materialien bin ich leidenschaftlich daran interessiert, Mischmedien mit Metall zu kombinieren, um die Grenzen des Möglichen auszuloten. Gleichzeitig sind akribische Handwerkskunst und kühne Farbpaletten zu definierenden Elementen meiner Arbeit geworden.
Heute tendiere ich dazu, mich eher als Künstlerin zu definieren als nur als Schmuckdesignerin. Ich weigere mich, mich durch Formen einschränken zu lassen, und wähle stattdessen, Grenzen zu durchbrechen und neue Ausdrucksmöglichkeiten in verschiedenen Medien zu erkunden. Meine Reise ist noch im Gange, und ich gehe diesen Weg mit unerschütterlicher Entschlossenheit, auf der Suche nach der leuchtenden Schnittstelle zwischen Kunst und der Ära, in der wir leben.
Hast du Rituale oder Routinen, die dir helfen, in einen kreativen Denkprozess zu gelangen, wenn du ein neues Projekt beginnst?
Vor Beginn eines neuen Projekts sehne ich mich immer nach einer entspannenden Reise, sofern die Zeit es zulässt. Für mich ist Reisen nicht nur eine kurze Flucht, sondern ein vitaler Ritus, der meine Inspiration befeuert. Ich genieße den Nervenkitzel des Unbekannten und die Freude der Entdeckung, wodurch ich meinen Geist und Körper vollständig im Freiheitsgefühl der Reise entspannen kann. Ich habe immer geglaubt, dass die Natur der größte Heiler ist. Wenn ich mich in den Tiefen eines Waldes, der Weite einer Prärie oder der endlosen Weite des Ozeans wiederfinde, sendet die schiere Größe und das Geheimnis dieser Landschaften einen Adrenalinschub durch mich hindurch und entriegelt eine unendliche Quelle der Kreativität.
Noch faszinierender ist für mich, dass die Inspiration nicht auf die Wachwelt beschränkt ist – sie dringt oft auch in meine Träume ein. Während der konzeptionellen Phase eines Projekts bleibt mein Geist vertieft im kreativen Prozess, so sehr, dass selbst im Schlaf mein Unterbewusstsein weiterhin neue Ideen erkundet. Meine Träume entfalten sich wie surreale Filme, als ob mein Geist einen Theater der Inspiration konstruiert, nur für mich. Manchmal manifestiert sich die Form meiner Kunstwerke lebhaft in meinen Träumen, erscheint wie eine mysteriöse Offenbarung. Diese Erfahrung versetzt mich jedes Mal ins Staunen und im Laufe der Zeit ist sie zu einer meiner faszinierendsten kreativen „Fähigkeiten“ geworden.
Zwischen Realität und Träumen, zwischen Natur und Vorstellungskraft dienen jede Reise und alle Träume als endlose Inspirationsquelle entlang meines künstlerischen Weges.
Welche Materialien kombinierst du mit Metallen in deinem Schmuck und anderen Kunstwerken?
In meinen Schmuckkreationen war ich schon immer begeistert davon, gemischte Materialien wie Bio-Textilien, Filz aus Wolle, Glas, Holz und Ton zu erkunden und zu integrieren. Das Experimentieren mit Materialien ermöglicht es mir, die Grenzen des Designs auszuloten, und jeder innovative Versuch bringt mir immense Zufriedenheit. Für mich sollte zeitgenössischer Schmuck nicht auf traditionelle Metalle und Edelsteine beschränkt sein; stattdessen sollte er sich von konventionellen Einschränkungen lösen und durch vielfältige Materialien neue Möglichkeiten eröffnen.
In meiner neuesten Arbeit habe ich mutig holographischen Kunststoff als primäres visuelles Element verwendet. Der faszinierende holographische Effekt dieses Materials fesselt mich, zieht mich in eine Welt sich verschiebender Lichter und Farben. Ob unter künstlichem Licht oder natürlichem Sonnenlicht, es bricht blendende, traumhafte Farben, als ob es mit einem magischen Leuchten durchdrungen wäre.
Ich zeichne mich darin aus, die einzigartigen Eigenschaften jedes Materials zu identifizieren und ihren Wesenskern zu verstärken. Selbst bei der Arbeit mit traditionellen Materialien wie Perlen ziehe ich unregelmäßige Formen wie Hufeisen- oder gezackte Perlen vor. Ihre rohen, asymmetrischen Formen strahlen eine organische Wildheit und eine unverwechselbare Schönheit aus. Ich fühle mich immer zum Unkonventionellen hingezogen – Elemente, die Normen trotzen, aber eine unersetzliche Individualität besitzen. Dies ist die Essenz meiner Schmucksprache: Materialien ihre eigenen Geschichten erzählen zu lassen und der künstlerischen Ausdrucksweise neues Leben einzuhauchen.
Kannst du uns von der Anerkennung berichten, die du für dein Werk „Trace“ bei der Milano Jewelry Week 2023 erhalten hast?
Es war eine enorme Ehre, mein Stück „Trance“ bei der Milano Jewelry Week zu präsentieren. Dies war nicht nur mein erster Auftritt auf der Bühne einer internationalen Schmuckwoche, sondern auch eine kostbare Gelegenheit, mit herausragenden Schmuckkünstlern weltweit in Kontakt zu treten. Zu meiner Überraschung erhielt meine Arbeit weite Anerkennung, was mir eine Einladung zur Awarding Night einbrachte, bei der ich mit dem Artistar Jewels Network Award ausgezeichnet wurde.
Zusätzlich wurde mein Stück im Artistar Jewels Volume vorgestellt, ein Moment großer Freude und Dankbarkeit für mich.
Während der Ausstellung hatte ich das Privileg, viele angesehene Schmuckdesigner zu treffen und mich in tiefgründige Diskussionen über die vielfältigen Ausdrucksformen und zukünftigen Richtungen zeitgenössischer Schmuckkunst einzulassen. Durch diese Gespräche gewann ich wertvolle Einblicke in die Branche und vertiefte mein Verständnis für zeitgenössischen Schmuck. Diese Reise war nicht nur eine Bestätigung meiner kreativen Bestrebungen, sondern auch ein Neuanfang, der mich dazu inspirierte, mit großer Vorfreude auf die Zukunft unerforschte Wege zu erkunden.
Kannst du ein bestimmtes Projekt teilen, das dir besonders ins Auge sticht, und den kreativen Prozess dahinter erklären?
Ich möchte meine „The Sea“ Kollektion teilen, eine Kreation aus meiner persönlichen Erfahrung.
Aufgewachsen in einer Binnenstadt war mir das Meer unbekannt. Es war nicht, bis mir eine glückliche Gelegenheit erlaubte, einen Monat am Meer zu verbringen, dass ich seine Weite und Wunder wirklich erlebte. Jeder Tag in dieser Zeit war erfüllt von Frische und Entdeckung. Was mich am meisten fasziniert, sind die Gezeiten des Ozeans – wie die Wellen Seesterne, Oktopusse, Garnelen und Krabben an den Strand trugen. Jeder Moment fühlte sich wie ein Geschenk an, und ich würde sie sanft aufheben und mich über die zarte Bewegung des Lebens an meinen Fingerspitzen freuen.
Ein Erlebnis im Besonderen hinterließ einen tiefen Eindruck bei mir – die Empfindung eines Oktopus, der über meine Hand gleitet. Seine weichen, beweglichen Gliedmaßen umschlossen leicht meine Finger, als ob er meine Hand mit einem Schmuckstück schmücken würde. Dieser faszinierende Moment inspirierte den einzigartigsten Tragestil der „The Sea“ Kollektion – Schmuck fühlt sich lebendig an, als ob er natürlich auf der Haut wächst.
Was die Materialien betrifft, habe ich Perlen und Schätze des Meeres integriert, um das Stück weiter mit seinen marinen Ursprüngen zu verbinden und ihm einen Hauch von Sanftheit und Strahlkraft zu verleihen. Für die Form habe ich instinktiv den Oktopus gewählt – ein Wesen von außergewöhnlicher Anmut und Bewegung – und Designs geschaffen, die seine Fließfähigkeit und dynamische Präsenz einfangen und einen eindrucksvollen visuellen Eindruck erzeugen.
„The Sea“ ist mehr als nur eine Hommage an den Ozean; sie erforscht die Harmonie zwischen Natur und Schmuck als Kunstform. Wenn Träger diese Stücke berühren, können auch sie die Lebendigkeit und Poesie des tiefblauen Meeres spüren.
Wie integrierst du Feedback von Kritikern und Publikum in deine künstlerische Praxis, und wie balancierst du dieses Feedback mit deiner eigenen künstlerischen Intuition?
Ich habe das Feedback von Kritikern und Publikum zu meiner Arbeit immer geschätzt. Die Schaffung eines Kunstwerks ist nicht nur ein Akt der Selbstentfaltung, sondern auch eine Einladung zur Interpretation durch die Öffentlichkeit. Durch diese vielfältigen Perspektiven erweitert sich die Bedeutung eines Stücks weiter, und die Erkenntnisse, die in diesen Kritiken enthalten sind, bringen mir oft unerwartete Inspirationen und Überraschungen.
Ich bin zutiefst dankbar für das Lob, da es meine Arbeit anerkennt und mit meiner kreativen Vision in Resonanz steht. Gleichzeitig nehme ich konstruktive Kritik mit offenen Armen auf. Zum Beispiel macht mich technisches Feedback zur Handwerkskunst oft auf Bereiche aufmerksam, die verbessert werden müssen. Ich höre aufmerksam zu, bemühe mich, meine Metallbearbeitungsfähigkeiten zu verfeinern, und suche bessere Lösungen, um meine Handwerkskunst zu verbessern. Diese Lektionen werden dann bewusst in meine zukünftigen Kreationen eingearbeitet.
Dennoch bleibe ich mir selbst treu, wenn es um Kritik am künstlerischen Stil und Ausdruck geht. Jeder Künstler besitzt eine einzigartige ästhetische Philosophie, und der Stil eines Kunstwerks spiegelt die innere Welt des Künstlers wider. Daher, obwohl ich offen für verschiedene Perspektiven bin, glaube ich auch daran, meine Individualität zu bewahren, um sicherzustellen, dass meine Arbeit ihre Essenz und Identität behält.
Künstlerisches Wachstum kommt nicht nur aus bloßer Konformität, sondern aus dem Finden eines Gleichgewichts zwischen Zuhören und dem Treu bleiben an der eigenen Vision.
Wie bleibst du motiviert und inspiriert trotz etwaiger Rückschläge oder kreativer Blockaden, denen du begegnen könntest?
Im Laufe meiner kreativen Reise habe ich verstanden, dass jeder Künstler in gewissem Maße auf Schwierigkeiten und Rückschläge stößt. Als ich die „Trance“ Kollektion kreierte, war meine größte Herausforderung die Kombination verschiedener Materialien, insbesondere wie man holographischen Kunststoff sicher und fest an der Metalloberfläche befestigt. Dies war einer meiner schwierigsten Versuche. Trotz wiederholter Versuche verschiedener Methoden und unzähliger Misserfolge ist meine Natur so, dass je mehr Hindernisse ich überwinden muss